20er Jahre, Straßenmusik, Berlin: Das ist BerlinskiBeat. Sieben Berliner Musiker aus vier verschiedenen Ländern.
Die Berliner Straßen sind international; und ebenso beleben Berlinski Beat die 20er Jahre mit internationalem Flair wieder: Berliner Klassiker mit tanzbaren Rhythmen, Balkan Beats und Mariachi Musik. Ob in den Clubs oder auf der Straße: Mit diesem Projekt übertragen die weltoffenen Berliner Musiker die Maximen und Texte der Goldenen 20er in die Gegenwart.
Live begeistern die sieben mannigfaltigen Charaktere in elegantem Türkis-Schwarz nicht nur mit ihrem multikulturellen Charme, sondern mit einer impulsiven Bühnenshow und extravaganten Instrumenten: In Szene gesetzte Percussion-Instrumente, eine herausragende Bläserfraktion und sogar Dudelsäcke und Schalmeien werden zu modernen Indie Pop-Instrumenten mit einzigartigem Blickfang-Effekt.

Das neue Album: Fräulein könn’ Sie linksrum tanzen
Auf ihrem neuen Album werden nicht nur die einschlägigen Gassenhauer in modern-internationalem Sound der Berliner Straße salonfähig gemacht. Auch aktuelle Thematiken wie Straßenmusik in der Ringbahn und Bauwagenleben werden musikalisch verarbeitet und im Stile der 20er Jahre Gassenhauer glorifiziert. Ein musikalischer und thematischer Brückenschlag der Berliner Straßen- und Tanzmusik: Decadénce und Gegenwart in Einklang gebracht.
Unterstützt werden BerlinskiBeat dabei nicht nur von einem der bekanntesten deutschen Rockmusiker: Rodrigo González von „Die Ärzte“ greift bei einem Song als Gast zur Gitarre; sie konnten sogar die mexikanischen Musikgrößen von „Panteon Roccoco“ davon überzeugen, kreativ mitzuwirken.

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Nachdem sich das Quartett um Schlagzeuger Janosch Rathmer (Long Distance Calling), Sänger/Gitarrist Nick van Delft, Rhythmusgitarrist Stephan Gall und Basser Ruben Claro formiert hatte, erschien die selbstbetitelte Debüt-EP, welche posthum von deutschen Musikmagazinen zum „Demo des Monats“ gekürt wurde.
Das erste Album „A Bit Of Devil“ folgte im Jahr drauf und zog die komplette Aufmerksamkeit der europäischen Fachpresse auf sich.
Der Name Zodiac wuchs schnell zu einem internationalen Markenzeichen für höchstqualifizierten Blues-Rock, inspiriert von klassischen Bands der Siebziger und Gitarrengiganten wie z.B. Billy Gibbons (ZZ Top) und Stevie Ray Vaughan.
Das zweite Studioalbum „A Hiding Place“ knüpfte nahtlos an den Erfolg des Vorgängers an, bis sich „Sonic Child“ (2014) sicher in den Albumcharts (auf # 47) platzieren konnte und Zodiac ein für allemal den Thron des deutschen Blues-Rock bestiegen. Es folgte ihre erste Headliner-Tour durch Europa und das daraus resultierende Live-Album „Road Tapes Vol.1“.
Bis heute begeisterten Zodiac abertausende von Rock-Fans sowohl auf dem Wacken Open Air, Hellfest und Hippie-Mekka Burg Herzberg Festival als auch auf ihren gemeinsamen Tourneen mit Blues Pills, Orchid, Spiritual Beggars, The Sword, Grand Magus, Monster Truck und Audrey Horne. Das vierte Album „Grain Of Soul“ steht bereits in den Startlöchern und Zodiac sind bestens vorbereiteten für den nächsten Schritt auf der Erfolgsleiter.

IMARHAN:
Schon vor mehr als 30 Jahren wurde in Tamanrasset im Süden Algeriens die Band Tinariwen gegründet. Ihre Kleidung war zwar noch traditionell wie bei den Tuareg üblich, doch ihre Musik verband die Folklore des Nomadenvolkes aus der Sahara mit westlicher Rock- und Pop-Musik. Imarhan stammen ebenfalls aus der Wüstenstadt Tamanrasset und sie beziehen sich ausdrücklich auf Tinariwen. Doch die fünf Musiker um den Gitarristen Sadam Abderahmane gehören einer jungen Generation an, die mit dem Internet und YouTube aufgewachsen ist.

SHAME:
Der Bass ist knochentrocken, dann fängt Charlie Steen an zu singen oder eigentlich zu sprechen. „The Lick“ beginnt mit einem ruhigen spannenden Intro, bevor der Song dann explodiert und die Gitarristen Eddie Green und Sean Coyle-Smith Riff auf Riff raushauen. Shame heißt diese junge Band aus dem Süden Londons, die immer mehr Fans hinter sich versammelt, seit sie sich 2014 gegründet hat. Sie bringt rauen Indie-Rock zurück, in ihrer Coolness erinnert sie manchmal an die Gang of Four, Veteranen des 80er Jahre New Wave, die in diesem Jahr ebenfalls beim Reeperbahn Festival zu erleben sind.

THE HUNNA:
Mit „Bonfire“ brachte das britische Quartett THE HUNNA im vergangenen Herbst ein kraftvolles erstes Statement heraus. Es folgten eine Reihe weiterer Songs, die Millionen Klicks bei Spotify und YouTube generierten. Auch wichtige britische Radiomoderatoren wurden auf die Band aufmerksam, deren Mitglieder sich auf dem College kennengelernt haben.

METHYL ETHEL:
Das Trio aus dem australischen Perth hat den Bogen raus und versteht sich auf eine betörende Mischung zwischen Dream-Pop und Psychedelia. Damit hat die Band es auf kein geringeres als das legendäre 4AD-Label geschafft. Eine bessere Gesellschaft lässt sich wohl kaum finden.

RATS ON RAFTS:
Punk-Songs dauern normalerweise nicht länger als drei Minuten. Daran hält sich auch das holländische Quartett Rats On Rafts meistens. Zwei Mal sind die vier Rotterdamer diesem Credo auf ihrem zweiten Album „Tape Hiss“ untreu geworden, doch der Rest der neuen Songs ist ultraschnell und mit der nötigen Härte gespielt, die man von einer Punk- oder Wave-Band erwartet. Rats On Rafts existieren schon ein paar Jahre und gehören zu den wichtigen Bands der Rotterdamer Underground-Szene.

AFTERPARTEES:
Die niederländische Band Afterpartees führt ja bereits die Absicht im Namen, eine Zugabenfeier abzuliefern. Der Sound der Band aus Horst an der Maas liegt irgendwo zwischen Garage- und Power-Pop mit schönen Reminiszenzen an den Punk der 70er-Jahre und an flegelhaften College-Fun-Rock. Fröhlichkeit, Unbeschwertheit und jugendliche Wildheit sind ihr Markenzeichen.

BOMBAY:
In der Vergangenheit saß mit Linda van Leeuwen eine Frau hinter dem Schlagzeug bei Bombay. Das hat sich nach der Umbesetzung der Garage-Rock-Band aus Amsterdam nicht geändert. Die neue Trommlerin heißt Lisa Ann Jonker und ist bereits bei „Show Your Teeth“, dem zweiten Album der Band, dabei.

BLACK OAK:
Sanft, gefällig und grundsympathisch ist die Musik, die die beiden Holländer Geert van der Velde und Thijs Kuijken als Black Oak fabrizieren. Beide sind im übrigen keine Unbekannten.
Van der Velde ist als ein Teil von The Black Atlantic unterwegs, Kuijken singt in der Band I am Oak. Gemeinsam haben sie das wunderbare Album „Equinox“ herausgebracht. Schon das Cover sieht mit seiner Bergseelandschaft bei Tag und bei Nacht einfach heimelig aus. Die Musik des Duos ist tiefenentspannter Gitarren betonter Singer-Songwriter-Pop.

Holly Macve:
Der Sound von Holly Macve erinnert an Rufus Wainwright. Seriöse Klavier- und Gitarrenakkorde, darüber eine apart getragene Stimme, die davon singt, dass wir nicht wissen, wie alles endet oder weitergeht. Von „The Corner Of My Mind“ existiert eine Bedroom-Demo-Version, die sie tatsächlich in ihrem Schlafzimmer in Brighton aufgenommen hat. Darin erweist sie sich als sanfte, aber kraftvolle Geschichtenerzählerin und Poetin. Es ist wohl eine Frage der Zeit, bis die Folk-Sängerin die nächste unheimliche amerikanische Serie mit ihren Melodien veredelt.

ISAAC GRACIE:
Jeff Buckley, der 1997 auf so tragische Art ums Leben gekommene Singe-Songwriter, hat zu Lebzeiten nur ein einziges Album aufgenommen und dennoch hat er unzählige andere Songschreiber mit seinen abgründigen und melancholischen Songs inspiriert. Jüngstes Beispiel ist der erst 21 Jahre Isaac Gracie aus dem Londoner Stadtteil Ealing. Von Gracie weiß man bisher nur sehr wenig, aber er gilt als eines der größten Talente der lebendigen Londoner Szene. Als Kind hat er in einem Kirchenchor gesungen, mit 14 hat er begonnen, erste Songs zu schreiben, im vergangenen Jahr veröffentlichte er die EP „Songs From My Bedroom“ und gab erste Konzerte, in diesem Jahr war er zum SXSW nach Austin eingeladen.

YAK:
Oliver Burslem und Andy Jones kennen sich schon seit Schulzeiten. Zusammen mit dem neuseeländischen Schlagzeuger Elliott Rawson haben sie vor zwei Jahren das Trio YAK gegründet, eine laute und wütend klingende Punk-Band. YAK werden für ihre energetischen Auftritte gerühmt, bei denen am Ende auch schon mal die Instrumente zu Bruch gehen. The Who und Nirvana lassen grüßen.

SPRING KING:
Die Band Spring King nennt das, was sie musikalisch verbreiten selbst Liebeslieder. Sie verhehlen ihre Wurzeln allerdings nicht, die in der Tradition von The Clash und dem guten alten Punk stehen. Ursprünglich war die Band eine One-Man-Show des Songschreibers, Produzenten, Mixers und Trommlers Tarek Musa aus dem britischen Manchester, der sie später zu einer Art Post-Punk-Truppe ausbaute.

OTHERSKIN:
Ohne Schlagzeuger geht es nicht. Deshalb machten sich Luke (Gesang, Gitarre), Andrew (Gitarre) und David (Bass) so lange auf die Suche, bis sie Rob gefunden hatten. Otherkin war komplett.
Die vier Jungs aus Dublin sind große Verehrer von Queens Of The Stone Age, The Clash, Blur und The Ramones. Entsprechend klingt der Sound: viel Punk, viel Brit-Pop und ein ordentlicher Schuss Stoner-Rock.

THE LEMON TWIGS:
Für das Video ihres Songs „These Words“ posieren die Brüder Brian und Michael D’Addario in Perücken und Klamotten aus dem 18. Jahrhundert. Zwar machen die beiden Teenager – Brian ist 19 Jahre alt, Michael 17 – keinen barocken Pop, doch ihre musikalischen Vorbilder stammen aus den 60er-Jahren. Die Beatles zählen genauso dazu wie die Zombies oder weniger bekannte Combos wie Spanky oder Our Gang.

PARCELS:
Aus Australien kann eigentlich nur entspannte Hippie-Musik kommen, die nach Sonne, Wärme, Wind und Meer klingt. Entspannt ist der Gesang des Quintetts Parcels durchaus, doch die Band aus dem Surferparadies Byron Bay kombiniert einfallsreiche, im psychedelischen Nebel wabernde Synthieflächen mit funkigen Gitarren und sonnig melodiösen Vokalharmonien. Gerade volljährig geworden sind die fünf Freunde dem Ruf und der Anziehungskraft Berlins gefolgt und leben inzwischen in der Hauptstadt.

BRONCHO:
Tiefe androgyne Stimme, geschrubbte Punk- und Garagen-Gitarren wie in den swinging 60s, eine kräftige Dosis Glam-Rock, das sind die Markenzeichen von Broncho. Die Indie-Rock-Band aus dem US-amerikanischen Oklahoma formte sich 2010. Im Mittelpunkt steht Sänger und Gitarrist Ryan Lindsey. Weil ihre Musik irgendwie retro, aber auch ziemlich catchy und sehr energetisch klingt, fand sie bald Verwendung in den Scores von „Girls“ oder „Movie 43“.

HEXVESSEL:
Angefangen hat Mat McNerney als Sänger und Gitarrist in verschiedenen Metal-Bands in Großbritannien. 2009 kam er dann nach Finnland, „wo der Humor so schwarz ist wie die Winternächte“, wie er sagt. Dort gründete er zusammen mit finnischen Musikern die Band Hexvessel. Die Gruppe versteht sich eher wie eine musikalische Kommune, ähnlich wie die von Joni Mitchell in den 60er- und 70er-Jahren im Laurel Canyon in Kalifornien. Als ein Ort also, an dem Musiker zusammen kommen und ihrer Kreativität freien Lauf lassen.

DILLY DALLY:
Es fängt mit einer lauten Rückkoppelung an. Dann ertönt ein verstörender Gesang, der wie ein Punk-Version von Janis Joplin klingt. Hier schreit jemand sein Verlangen und seine Wut heraus, dahinter machen die anderen Musiker ein Noise-Sound wie ihn Sonic Youth oder die Yeah Yeah Yeahs nicht besser hinbekommen hätten. Katie Monks heißt die Sängerin, sie ist die Frontfrau der kanadischen Band Dilly Dally. Die andere wichtige Person ist ihre Freundin Liz Ball. Die beiden haben sich in einer High School in Toronto kennengelernt, seit zwölf Jahren machen sie gemeinsam Musik

LE BUTCHERETTES:
Aus dem mexikanischen Guadalajara kommt eine neue tolle Untergrund-Band, Le Butcherettes. Sängerin und Gitarristin Teri Gender Bender wirkt mit ihrer tiefen Röhre wie eine weibliche Version von Iggy Pop mit Spuren der frühen Debbie Harry. Kein Wunder, dass die Punk-Ikone im Song „La Uva“ auf ihrem Debüt „A Raw Youth“ (Ipecac Recordings) auch leibhaftig auftaucht und in ziemlich unheimlichem Spanisch singt. Ein anderer guter Bekannter, der die Anarchie der Band offenbar schätzt, ist Chili-Peppers-Gitarrist John Frusciante, der „My Half“ sein irrlichterndes Spiel leiht.

DEAP VALLY:
Kennengelernt haben sie sich beim Häkeln. Wer nun aber glaubt, dass Lindsey Troy und Julie Edwards zarten Folk-Rock machen würden, täuscht sich gewaltig. Das Duo aus San Bernadino lässt seit fünf Jahren die Sau raus, es hat eine Reihe berühmter Rockbands auf Tour begleitet, auf wichtigen Festivals gespielt und dürften eine der ganz wenigen Girl-Girl-Groups sein, die Blues-Rock spielen. Und zwar nicht den klassischen, sondern den knallharten. Etwa wie Jon Spencer’s Blues Explosion.

In den vergangenen Jahren hat George Watsky, kurz Watsky, die Rapszene ordentlich aufgemischt. Sein Album ‚Cardboard Castles’ (2013) stieg in fünf Ländern auf der Nr. 1 der iTunes Hip-Hop/Rap Charts ein. Im Oktober kommt der Schnellrap-Virtuose und leidenschaftliche Poetry-Slammer erneut auf Deutschland Tour.
Sein aktuelles und drittes Album „All You Can Do“ erschien 2014 und wurde zum Großteil von Anderson .Paak, dem HipHop Multitalent aus Kalifornien, produziert. Watsky ist bekannt für seine unglaubliche Rapgeschwindigkeit. Ohne sich zu überschlagen, rappt der Poet aus San Francisco so beeindruckend schnell, dass es vor allem bei seinen Live Shows zu ungläubigen Blicken im Publikum kommt. Das bleibt im Internet natürlich nicht unbeachtet: Seine YouTube Videos verzeichnen insgesamt satte 125 Millionen Klicks. Anfang Juli erschien sein neuester Tack „Stick To Your Guns“ feat. Julia Nunes.
Im Herbst zieht der Newschool Rapper mit seiner euphorischen Express Lyrik wieder durch Deutschland.

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OSCAR. Ganz einfach nur der Name. Klassisch reduziert. Wobei er mit Cher oder Prince oder Seal oder Sting nichts zu tun hat. Am ehesten noch mit Blur, oder besser mit Damon Albarn, an dessen Gesangstil der junge Brite entfernt gemahnt. Dann müsste man aber auch eine Menge andere Referenzen nennen, die in die Debütplatte „Cut And Paste“, die Mitte Mai erscheint, eingeflossen sind. Nach einigen Singles, die von Fans und Kritik hervorragend aufgenommen worden sind, nun also der lang ersehnte Geniestreich des Briten. Die Energie des Indie, die harmonische Vielfalt des Pop, knackige Gitarren und schwebende Synthies formen zusammen einen Ohrwurm nach dem anderen. Schon OSCARS Eltern haben gemeinsam in einer Band gespielt, der Vater hat frühe Acid-Tracks produziert, OSCAR selbst hat also allerhand unterschiedliche Musik inhaliert. So entstand die wilde Mischung aus Britpop, New Wave und Eastcoast HipHop der 90er. Das kann man sich zwar nicht so recht vorstellen, aber dieses Wunderkind bringt das alles und vieles anderes auf einen Punkt, hält es mit seinem Bariton zusammen und formt daraus dank Melodie und neuem Klang, Harmonie und Originalität die neue, exzentrische, britische Popmusik, auf die wir lange warten mussten. Im Oktober kommt OSCAR zu uns auf Tour.

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Die Cardinal Sessions machen schon seit einigen Jahren durch ihre intimen und meist spontan aufgezeichneten Live-Akustik-Sessions zahlreicher Musiker aus aller Welt von sich Reden. Internationale Größen wie Conor Oberst, The War on Drugs, Bombay Bicycle Club, Hozier, The Gaslight Anthem, The Avett Brothers oder Courtney Barnett waren schon zu Gast vor den Kameras der Kölner Filmcrew.

Ein weiteres Talent der Cardinal Sessions ist das Gespür für bis dato unbeachtetes Potenzial bei jungen Künstlern: das beweisen beispielsweise die frühen Aufnahmen von AnnenMayKantereit, Ry X, First Aid Kit oder Balthazar. Im Oktober wird nun zum dritten Mal ein kleines Festivalwochenende unter der Kuration der Cardinal Sessions in Zusammenarbeit mit Landstreicher Booking veranstaltet. Die ersten zwei Ausgaben waren bereits ein voller Erfolg - Auftritte von The Twilight Sad, Lola Marsh, Dale Barclay, Andy Shauf, The Graveltones und vielen mehr, Secret Gigs von Honig und AnnenMayKantereit begeisterten die Zuschauer.

Die dritte Runde startet diesmal in Köln: am 21.10. wird im Gebäude 9 wieder auf zwei Bühnen ein hochkarätiges Line-Up geboten, bevor der Zirkus am Samstag den 22.10. weiterzieht, um im Hamburger Molotow seine Zelte aufzuschlagen.

Psychedelic Soul nennt die junge Band Monophonics aus San Francisco ihre Musik. Die Bandmitglieder schöpfen in ihren Songs aus dem reichen musikalischen Schatz der Bay Area, werden dabei aber nie zu puristisch oder traditionell. Inspiriert wird die Band von Künstlern wie den frühen Funkadelic, Sly and The Family Stone und den von Norman Whitfield produzierten Alben. Mit der jüngsten Platte „Sound Of Sinning“ aus dem vergangenen Jahr öffneten sich Austin Bohlman (Schlagzeug), Myles O’Mahony (Bass/Background), Ian McDonald (Gitarre/Background Vocals), Ryan Scott (Trompete/Background Vocals/Percussion) und Kelly Finnigan (Keyboards/Lead Vocals) dem psychedelischen Sound der 60er und 70er Jahre – von den Zombies über die Beach Boys und Pink Floyd bis zu den Beatles – verloren dabei aber nie ihre eigenen Wurzeln im Northern Soul, Doo-Wop, Rock’n’Roll, Psych-Pop und der Filmmusik aus den Augen. Eingespielt wurde das Album – auch das ist bemerkenswert und für den Sound der Monophonics enorm wichtig – mit einem alten Tascam Achtspur-Aufnahmegerät in den bandeigenen Transistor Sound Studios im kalifornischen San Rafael; produziert haben die beiden Bandmitglieder Finnigan und McDonald. Was auf Platte schon sehr eindrucksvoll ist, entwickelt live noch einmal eine ganz eigene Energie, die die Band bei ihren US- und Europatourneen mit Künstlern wie zum Beispiel Ben L’Oncle Soul gezeigt hat. Oder wie Al Bell, Produzent, Songwriter und Mitbesitzer von Stax Records, es formuliert hat: „One of the best live soul bands I have ever seen!“ Am 27. Oktober spielen die Monophonics im Hamburger Molotow Club.

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There aren’t a lot of bands like Get Dead around these days. Instead of worrying about gimmicks and trends, this fivesome from San Francisco, California have always focused on the music and that’s evident with every passion-filled note they play. Get Dead started out performing together in 2007 after their respective bands called it quits and eventually attracted the attention of NOFX frontman Fat Mike who produced the band’s new full-length, Bad News and released it on his label Fat Wreck Chords.

“We were supposed to have band practice but instead we hollowed out a bunch of pineapples and put gin inside of them; it got sticky and since then we’ve just been Get Dead,” vocalist Sam King says of the group’s formation. Admittedly it’s been a long journey for the act from their humble (and messy) beginning to signing with Fat Wreck Chords, but the group—which also includes guitarists Mike McGuire and Moki Noodlez, bassist Tim Mehew and drummer Scott Powell—have never lost sight of the organic nature of their formation and are excited to share their newest collection of songs with music fans all over the world.

Merging elements of punk rock with traditional acoustic instrumentation, Bad News shows that Get Dead have stepped things up when it comes to both songwriting and arrangements. “Most of us are of Irish descent so I think that our style of punk rock comes from that upbringing,” King says about the band’s unique sound. While their past releases have focused on either acoustic or electric instruments, Bad News sees the band expanding their sound to include both of these elements for an album that perfectly encapsulates the group’s sound.

Fat Mike was introduced to Get Dead through a mutual friend and as soon as he saw the band he signed them to his label and offered to produce Bad News at his own Motor Studios, bringing a new voice into this tight-knit unit for the first time. “We were initially kind of scared to bring someone else into our writing process but Mike has such great ears and had really good input when it came to trying to add a chord or tweak a progression,” King explains. “It was actually nice to have an outside perspective from someone that we really respect and I think it helped make this album sound varied and vivid.”

From stripped-down acoustic numbers like “This One’s For Johnny” to rollicking rockers such as “Riverbank,” Bad News showcases how truly versatile the band are and it also serves as an accurate document of how spontaneous the band’s live shows can be. “For this record we just called up our buddies and had them come by to play horns, upright bass or whatever else we needed,” King explains. Ultimately members of Mariachi El Bronx, Lagwagon, Angry Amputees and more all pitched in to help the album retain the raucous feel of the band’s powerful live shows, which are more of a barroom sing-along than a traditional concert.

Lyrically Get Dead eschew fiction to focus on the subjects that they know like the back of their hands: heartbreak, traveling and, yes, drinking. (The band’s latest 7-inch wasn’t called Tall Cans & Loose Ends for nothing.) “Everything we write about is based on our own personal experiences and these songs are all about real-life events that actually happened to us,” King explains, referencing brutally honest tracks like “Welcome To Hell.” “I think when you’re singing about something that’s really close to you the crowd can feel that connection and feed off that energy, so that’s what we’ve always done.”

Despite the fact that Get Dead are on Fat Wreck Chords, they plan on continuing to stay self-sufficient when it comes to booking their own shows, printing their own shirts and keeping the original spirt of the band alive. “The last time I checked punk was supposed to be D.I.Y. and Fat gets that which is what makes them such a good match for us,” King summarizes. “We just can’t wait to get back out on the road and start playing these songs live for new audiences so we can represent our hometown and do right by the Bay Area.”

Der dänische Produzent Patrick Alexander Bech-Madsen aka Sekuoia hat schon für bzw. mit Künstlern wie MØ und Tomas Barfod gearbeitet und verdrehte mit seiner ersten EP „Trips“ im Jahre 2011 vielen den Kopf. Von Anfang an verband Sekuoia dabei mit traumwandlerischer Sicherheit dunkle Dubstep-Atmosphäre mit organischen, oft hell klingenden Instrumenten und Vocal-Samples. Bestes Beispiel dafür ist sicher „Something We Lost“ von besagter EP, das einen auch ohne Drogeneinfluss auf einen sanften Trip bringt. Gleiches gilt für die Folge-EPs „Faces“ (2012) und „Reset Heart“ (2015).
Aber auch seine Live-Sets verwischten die Grenzen zwischen Indie- und Electro-Publikum, wie man zum Beispiel im vergangenen Jahr auf dem Dockville Festival in Hamburg sehen konnte, wo er am Sonntag-Nachmittag eine stattliche Menschenmenge in Bewegung brachte. Trotzdem ließ ein Album noch auf sich warten. In einem Interview mit dem Blog Nothing But Hope And Passion, das er auf dem Festival führte, gestand der junge Däne noch freimütig: „Das Albumformat macht mir ein wenig Angst. Ich weiß nicht, ob es bloß Faulheit ist, aber eine EP geht mir irgendwie leichter von der Hand.“ Die Angst ist inzwischen bewältigt: das Debütalbum steht in den Startlöchern und erscheint im September.

Sekuoia setzt dabei allerdings nicht bloß auf seine bekannten Stärken. Im Gegenteil. In einem Statement zum Release kündigt er an: „Ich habe meinen Sound definitiv weiterentwickelt. Nach unzähligen Live-Shows ist meine Musik spürbar beatlastiger geworden.“ Auch stehen Vocals mehr denn je im Vordergrund. So arbeitete der 23jährige mit der dänischen Sängerin Kill J und Marc Roland von Kentaur zusammen. „Ich habe die beiden gezielt angesprochen, weil sie eben mehr einbringen können als bloß ihre Stimme. Sie sind starke Künstler, die ihren eigenen Blick auf meine Musik mitbringen.“

Sekuoia sagt auch, er stelle sich vor, dass diese neuen Songs am besten „nachts in einer dunklen Venue“ gespielt werden sollten. Man kann davon ausgehen, dass er genau das auf seiner kommenden Tour machen wird.

We are delighted to announce that by popular demand Austin Lucas is returning to
Europe to support the critically acclaimed album 'Between The Moon & The Midwest’.
Many of you have asked when Austin will be touring with a band, well the answer is he will
this October and November. AMA UK Award nominees The Dreaming Spires will be
Austin's band as well as playing the opening set before Austin graces the stage. Both acts
will be performing in some legendary venues including The Borderline London, Cleeres in
Kilkenny Ireland, The Molotow Hamburg and Bassy Club in Berlin among other favorites.

“Loyle Carner is Britains most recent new hope in hip hop,” according to The Fader and countless others. The 20 year old emcee from South London has been causing quite a stir following the release of his debut ‘A Little Late’ EP in September of last year. All but one track on the EP was produced by Loyle’s right hand man and live partner Rebel Kleff. The two of them create reminiscent old school hip hop with their own UK and modern influences.

After first appearing in 2013 on Rejjie Snow’s ‘Rejovich’ EP on track ‘1992’, Loyle’s name started to make the rounds, not least to mention the track being picked up by Majestic Casual and has racked up over 700k views to date. Following the release of the ‘A Little Late’ EP, Loyle has gone on to work with the likes of Kate Tempest, Maverick Sabre, Tom Misch and multiple others, all in preparation for releases in 2015.

With three successful UK tours now under his belt with Joey Bada$$, Kate Tempest and Atmosphere, Loyle is set to make some serious moves on the UK circuit and abroad, with strong support coming from all over Europe, the US and Australia. Support in the UK has come from all areas, being championed on Radio 1Xtra by DJ Semtex and Phil Taggart, Huw Stephens and Lauren Laverne at Radio 1. His latest single with Kate Tempest was added to 6Music’s B-list and then bumped up to the A-List immediately after a week and has not stopped being played.

The new year looks extremely promising for the young rapper, expect to be seeing a lot more from him in the coming months.

Will And The People besteht aus Will Rendle (Gesang, Gitarre, Bass), Jim Ralphs (Hammondorgel und Melodica), Charlie Harman (Schlagzeug) und Jamie Rendle (Gitarre/ Bass). Kennengelernt haben sie sich auf dem Glastonbury Festival, sind dann gemeinsam in ein Dorf westlich von London gezogen, wo sie nun zusammenleben, proben und schreiben.

„Ihre Einflüsse zeichnen sich zwar klar aus, aber trotzdem sind sie zugleich ausgefallen Britisch. Sie klangen so, als wäre es ein großer Spaß sie live zu sehen und ich habe den Eindruck dass es eine Band ist, die es weit bringt.“ Jamie Cullum

Sechs Monate und zehn auf zwei EPs verteilte Songs genügten Palace, um in der britischen Hauptstadt zu einem der meistdiskutierten Newcomer aufzusteigen. Die Printmedien sind voll des Lobes für das Quartett und nannten ihren zutiefst melancholischen, tiefschürfenden und bisweilen auch komplex konstruierten Sound unter anderem »perfekte Baby-mach-Musik« - was die Band für das schönste Kompliment hielt, das man ihnen machen konnte.
Im vergangenen Sommer erschien mit ›Chase The Light‹ ihre zweite EP, die wie schon der Vorgänger ›Lost In The Night‹ höchste Rotation auf BBC One erhielt und unter anderem die Radio-Legenden Zane Lowe und Huw Stephens zu aufrichtigen Palace-Fans reifen ließ. Gegenwärtig arbeitet die Band an ihrem Debütalbum,

Der Name ist Programm. Wir wissen nicht was kommt, aber es kommt.
Jesper Munk ist auf einer Reise, bei der allein schon der Weg das Ziel ist. Neue musikalische Universen haben sich in den letzten 12 Monaten aufgetan und so hat der junge Vollblutmusiker aus München mittlerweile nicht nur den Wohnort gewechselt, sondern auch in Sachen Albuminspiration in den Stilen der letzten 20 Jahre gesucht und auch gefunden, wonach sein Herz begehrt.
Nun kommt diese einzigartige Verbindung zwischen Tradition und Erfindungsgabe, diese in Ausführung befindliche Arbeit auf die Bühne - der wahren Heimat des Wahlberliners.
Rar gesät sind die Live Auftritte in 2016, mit Ausflügen nach Kanada, die Schweiz und Holland. Songwriting und Produktion des neuen Albums, das 2017 bei Warner Music erscheinen soll, nimmt dieser Tage den Löwenanteil seiner Tatkraft ein.
Klein und exklusiv, wie man ihn seit Beginn seiner Karriere nicht gesehen hat, präsentiert er auf seiner ›Working Title Tour‹, was ihn musikalisch bewegt und gibt einen Einblick darauf, wohin der Weg geht. Eine seltene Gelegenheit, bei der man sich auf einige Überraschungen und eine einmalige Vorausschau auf ein ganz besonderes Album freuen darf.

Tickets gibt es hier: kj.de

Die Gruppe Messer hatte sich zurückgezogen, trat in den letzten zwei Jahren nur vereinzelt auf, meist nicht im klassischen Rockkorsett: Die Vertonung der Tagebücher Romy Schneiders oder etwa eine Performance zu Boris Vian war auch ein Versuch, sich für neue Perspektiven zu öffnen. Still war es bei Messer also nicht, und während der intensiven Arbeit am dritten Album der Band tat sich hinter den Vorhängen so manches: Gitarrist Palle Schaumburg verließ die Gruppe, Manuel Chittkas Percussion wuchs als fester Bestandteil in die Band und verschmolz mit dem Schlagzeug Philipp Wulfs, Bassist Pogo McCartney wandte sich vermehrt der Orgel zu – und Milek stieß als neuer Gitarrist dazu. Der Multi-Instrumentalist fand schnell seinen Platz und bereichert ein Songwriting, das den Gedanken an ein musikalisches Genre endgültig hinter sich gelassen hat. In neuer Konstellation also nahm die Gruppe das Nachfolgealbum zu DIE UNSICHTBAREN auf, JALOUSIE wird im Spätsommer auf dem Hamburger Label Trocadero veröffentlichen.
Als erstes Lebenszeichen veröffentlicht die Band jetzt die EP KACHELBAD: Das Cover zeigt eine zerstörte Jalousie im Negativ, die auffordert, durch die Lamellen zu blicken. Was ist dort zu sehen?
Das titelgebende Stück »Kachelbad (Prolog)« entstand am Ende der Aufnahmen zum Album und versammelt textlich die Motivwelt, in der sich Messer bewegen. Es heißt: Sag Jalousie und sag noch was dahinterliegt. Wo ist das Ende? Ich kann es nicht mehr sehen. Messer arbeiten hier mit ihrem Gast Jochen Arbeit (Einstürzende Neubauten) zusammen, ergeben sich erneut dem Experiment einer strukturlosen Musik.

PREOCCUPATIONS. Das sind Bassist und Frontmann Matt Flegel, Gitarrist Danny Christiansen, Multi-Instrumentalist Scott Munro und Drummer Mike Wallace, aus Calgary in Kanada. Mitte April 2016 gaben die vier bekannt, dass sie ab jetzt nicht mehr VIET CONG heißen, nachdem ihnen aufgrund des kontroversen Bandnamens vor allem in Nordamerika mächtig entgegen blies, incl. Konzertabsagen.

In dieser schwierigen Situation nahm die Band ihr neues Album auf. Das selbstbetitelte "Preoccupations" erscheint am 19. September 2016 auf Jagjaguwar/Cargo und ist ein kleines Meisterwerk geworden, randvoll gefüllt mit dunklen Hooks und abgründigen Arrangements. Als "blast of cold air in a bruning hot place" bezeichnen sie selbst die klimatischen Interferenzen, unter denen das Album entstanden ist, doch vermittelt dies nur eine ungefähre Idee der inherenten Spannung und latenten Verzweiflung, die Preoccupations zu Grunde liegt. Sagen wir also mal so: Preoccupations ist eines der Post-Punk-Masterpieces 2016 und die Preoccupations wohl eine der besten Bands, um solch ein Meisterwerk (auch außerhalb des Studios) angemessen umzusetzen. Wie sie auch erst unlängst bei einem ausverkauften Konzert in Berlin unter Beweis stellten.

DEWOLFF zeichnen sich durch viele unverkennbare Eigenschaften aus. Sie besitzen diesen bestimmten Vintage-Charme, tragen den gewissen Groove in ihrer Musik und überzeugen mit standesgemäßer Instrumentierung, die an ihre Vorbilder Led Zeppelin, Deep Purple oder Black Keys erinnert. Im Herbst 2016 kommt das Niederländische Trio, bestehend aus den Brüdern Luka & Pablo van de Poel und ihrem Freund Robin Piso, auf Deutschlandtour und spielt acht Shows.
Im März 2016 veröffentlichten DEWOLFF ihr bereits sechstes Studioalbum „Roux-Ga-Roux“, welches eine amtliche Leistung für die 20-24-jährigen Künstler ist. Ihre musikalische Karriere begann bereits zu Schulzeiten und pflanzte sich bis heute fort. Über ihr neustes Werk schreibt die VISIONS ganz richtig: „Vintage Rock trifft auf wabernde Hammond-Orgeln, Blues-Skalen auf trocken groovenden Southern Rock, das kratzige Röhren von Sänger und Gitarrist Pablo van de Poel auf soulige Backing- Vocals [...]“ und in der Szene trifft das Werk auf viel Begeisterung.
Live haben DEWOLFF ebenfalls einiges zu bieten. Artverwandt mit dem Werwolf versprühen die drei Wolfmänner eine elektrisierende Energie, vor der es auch auf ihren Konzerten kein Entkommen gibt. Beeindruckende Improvisations-Sessions versetzen permanent das Publikum in Ekstase. Nicht weniger wird auf der Herbsttournee erwartet werden können.

THE HILLBILLY MOON EXPLOSIONsindeine laute paneuropäische Rock‘n’Roll Band mit Blutrausch-Charakterund einer schnell wachsenden Fanbase. Angeführt von der Schweiz-Italienerin Emanuela Hutter, dem englischen Sänger & Slap Bassisten Oliver Baroni, und gekonnt unterstützt von dem englischen Gitarristen Duncan James sowie dem Neuzugang der Band Drummer Sylvain Petite.Aus der Rockabilly Szene ihrer Wahlheimat Zürich entstanden, lehnten sie die Einladung zur Teilnahme am ’European Song Contest’für die Schweiz ab. Bekannt wurden THE HILLBILLY MOON EXPLOSIONdamals durch ihren Hit ’Johnny Are You Gay?’und lieber tourten sie durch Europa, traten im TV auf und supporteten Jeff Beck auf seiner Europa-Tour.’WITH MONSTERS AND GODS‘istdas vierteStudioalbum der Band; ein Cocktail aus lautem Rockabilly, purem Rock‘n’Roll, tätowiertem Rhythm & Blues & schizophrenen 50’er Blues.

Präsentiert von 30sto50s.com, livegigs.de und Ox Fanzine

ARKELLS folgen der guten, alten Rock’n’Roll-Ethik und gießen seit 2008 jede Menge Benzin ins Feuer. Nicht, dass die Kanadier auf das Internet verzichten würden. Aber brauchen tun sie es wirklich nicht. ARKELLS brauchen in erster Linie eine Bühne, egal welcher Größe, auf der sie ihren breiten und in alle Richtungen offenen Sound spielen können. Nicht umsonst lautet das Bandmotto von Anfang an und bis heute: „TOURING always.“ Um aber bei der Wahrheit zu bleiben: Hin und wieder verlassen ARKELLS die Stage auch, um eine neue Platte aufzunehmen. Jüngst erschien das vierte Studioalbum „Morning Report“, der Nachfolger des 2014er Albums „High Noon“, das der Band in ihrer Heimat die Nummer eins der iTunes Charts, die erste goldene Schallplatte und die Juno-Awards für Best Group und Best Rock Album bescherte. Darauf sind ARKELLS noch vielseitiger geworden als eh schon. Samples, Click-Tracks, ein bisschen Elektronik, sowie Streicher und Blasinstrumente, den einen oder anderen HipHop-Beat oder Gospelgesang gibt es zu hören. Purer Rock, süßer Soul, knarziger Indie, alles wird in perfekte Melodien verpackt und immer wieder neu gewendet und perfekt interpretiert. Die Ideen kamen der Formation beim Soundcheck in Berlin oder in Göteborg oder in Toronto, auf dem Weg, einfach überall. Die Lyrics decken ebenfalls die volle Bandbreite ab, vom Trennungsschmerz über Familiengeschichten bis hin zu den Freunden, die nach einigen Tequilas zu viel plötzlich ohne Unterhosen dastanden. Das Quintett besteht einfach aus fünf Leuten aus Hamilton, die mehr verbindet als eine gemeinsame Schulzeit, und der Bandname ist mehr als nur die Straße, in der man groß wurde und probte. Musik ist für sie alles, und das wie gesagt am besten live. Egal ob am kommenden Wochenende beim Highfield Festival auf der großen Bühne oder im November bei der Headliner-Tour in den kleinen Clubs: ARKELLS sind immer der Burner.

präsentiert von Delta Radio und der MoPo

Milliarden sind eine Band mit Doppelspitze: Sänger und Gitarrist Ben Hartmann und Multiinstrumentalist Johannes Aue. Was nicht ohne Symbolkraft ist. Denn der rote Faden, der sich durch ihre Songs zieht, ist eine an zwei Enden brennende Zündschnur aus Dualismus und Ambivalenz. Texte und Musik sprechen von Kreativität und Zerstörung. Punk und Pop. Scheiße und Gold. Krieg und Frieden. Himbeereis und Kokain. Sie sind Yin und Yang. Ende und Neubeginn. Rabiat und zärtlich. Himmelhoch jauchzend und zu Tode betrübt. Und leben in der Konsequenz vom Widerspruch. Die sich daraus ergebende Reibungsenergie ist der Treibstoff, mit dem ihr Motor läuft. Der Song „Freiheit is ne Hure“ untermalte Anfang letzten Jahres als Titeltrack Oskar Roehlers großartige Punk-Groteske „Tod den Hippies!! Es lebe der Punk“. Ein Song, der randalierende Gitarren, eine ungeschliffene Produktion und eigenwillige deutsche Texte mit einer eingängigen Melodie verband und dennoch alles, was nur entfernt nach Kompromiss roch, weiträumig umschiffte und der den beiden Freunden auf einen Schlag mediale Aufmerksamkeit und einen Plattenvertrag bescherte. Nachdem sie Ende letzten Jahres mit der EP „Kokain & Himbeereis“ ihren Einstand gaben, erscheint nun mit „Betrüger“ das erste Album der Berliner, die seitdem fast jeden Tag, den sie nicht im Studio verbrachten, mit ihrer Band auf der Bühne standen. Die Songs von Milliarden packen uns, ohne dass wir sie uns mühsam erarbeiten müssen. Sie verlangen nichts von uns. Stattdessen erzeugt diese Musik einen Sog, der so stark ist, dass er den Hörer kurzerhand kidnappt, ihn auf eine Achterbahnfahrt entführt, auf der ihm die Gefühle mit einer solchen Direktheit und Vehemenz um die Ohren fliegen, dass er entweder die Arme in die Luft reißt oder mit Schmackes aus der Kurve fliegt. Idealerweise geschieht beides, auch bei ihren Live-Auftritten. Zum Beispiel am 26. November Molotow in Hamburg.

Kobito (Kürzel: Kombination aus Bild und Ton) ist seit seinem Debütalbum „Kobito Ergo Sum“ (2005) unermüdlich aktiv. Der TickTickBoom Künstler, der zunächst mit der Crew Schlagzeiln unterwegs war, landete zusammen mit Sookee als Deine Elstern mit „Augen Zu“ 2010 einen Überraschungshit. Seine Soloalben „Zu Eklektisch“ (2011) und „Blaupausen“ (2014) rotieren auf den Plattentellern noch immer und werden geliebt. Mit dem bissigen Polittrack „The Walking Deutsch (feat. SpezialK)“ lieferte er im Herbst 2015 -auf dem Höhepunkt der gesellschaftlichen Auseinandersetzung um Immigration und passend zum ersten Geburtstag der PeGiDa-Bewegung -einen viralen Erfolg. In über zehn Jahren hat Kobito also einiges an Erfahrung mitnehmen können und hat seinen prägnanten Stil immer mehr verdichtet. Kobitos Raps haben ohne aufgesetzte Reimakrobatik einen angenehm natürlichen Flow, jede Zeile wirkt direkt und unaufdringlich. Doch was ist es, was ihn so besonders macht? Es sind diese Momente, wo man gleichzeitig über die Wahrheit hinter den Texten weinen und wegen der Wortwahl darüber lachen möchte. Gnadenlos kritische Bestandsaufnahmen der politischen Missverhältnisse und ein Gespür für den großen Pop-Moment gehen Hand in Hand und verstehen sich hervorragend. Es ist die perfekte Verschmelzung von solidem Rap und detailverliebtem Songwriting.Sein neuestes Album „Für Einen Moment Perfekt“ wurde von Riffsn (Grossstadtgeflüster) und Kobitos langjährigen Wegbegleiter MisterMo im Team produziert -und das hört man. Alles ist wie aus einem Guss, alles atmet den gleichen musikalischen Vibe. Elemente aus Oldschool Boom-Bap treffen auf Soul-Flavours und moderne Sounds. Dabei kreieren sie poppige Hooks und rollende Beats, als wäre es nichts. Zwölf Songs und drei Skits zeigen, was Kobito im Jahr 2016 ausmacht: Die Singles „Warten Auf Die Sonne“ mit Szenegröße Amewu und „About Blank“ sind Songs mit großen Breitwand-Refrains, die den Kopf nicht mehr verlassen wollen. Uptempo-Feger wie „Fluch der Akribik“ oder „Schlechter Scherz“ mit dem Schlagzeiln-Kollegen Refpolk passen genau so gut ins Bild wie die atmosphärischen Tracks „100.000 Kilometer“ oder der poetisch-jazzige Song „Die Nacht“. „Für einen Moment perfekt“ erscheint am 16. September. Manchmal schlägt Kobito dabei ernste Töne an, verursacht einen Stich im Herzen oder ein Grummeln im Magen. Und manchmal möchte man ihm nur ein High Five geben für seinen exquisiten Humor und mit ihm die nächste Buddel Pfeffi exen. Dieses Album ist auf jeden Fall weitaus länger als nur einen Moment perfekt!
Präsentiert von Intro, Noisey & Backspin

Antje Schomaker ist momentan eine der besten aufstrebenden Singer/Songwriterinnen. Noch ohne Plattenveröffentlichung, mit nur einem Stück online und vor allem mit charmanten und ehrlichen Auftritten hat sie sich in kurzer Zeit eine treue und begeisterte Fanschar erspielt. Vielleicht liegt es einfach daran, dass die Wahl-Hamburgerin die Herzen der Zuhörer mit leuchtender Großstadtromantik flutet und dem Gefühl: „Hey genauso geht es mir auch.“ Am liebsten würde man gleich mit ihr losziehen, Nächte durchtanzen und im ganzen Chaos des Lebens trotzdem alles genießen und mitnehmen. Sie ist eine von uns, nur dass sie unsere Gedanken und Gefühle besser in Worte und Lieder fasst, als wir das selbst könnten. Vor allem ist ihr Stillstand ein Greuel. Sie macht immer weiter und erweitert ihr Repertoire immer mehr. Seit zwei Wochen ist auf ihrer Youtube-Seite ein Video zu sehen, auf dem sie mit dem Cosby-Bassisten Kilian Reischl an der Gitarre und Felix Gerlach am Cello eine wunderschöne Akustik-Version von „Mein Herz braucht eine Pause“ einspielt, und am 17. Dezember wird sie zusammen mit ihrer Band auf die Bühne des Hamburger Molotow treten, um uns in größerer Besetzung noch mehr zu beglücken.

Das Debütalbum der Berliner Alex Mofa Gang mit dem schönen Titel „Die Reise Zum Mittelmaß der Erde“ ist ein neues Highlight im deutschsprachigen Alternative-Rock-Sektor, das erfolgreich Brücken zwischen treibend-rotziger Eingängigkeit, Nachdenklichem und smartem Witz schlägt. In ihrer ehrlichen, humorvollen Geschichte um den jungen Burschen Alex Mofa und seinen Roadtrip zum Mittelmaß der Erde, findet sich wohl jeder ein Stück wieder, es geht um Identitätsfindung, um das Meistern widrigster Hindernisse mit schnippischer Ironie, um den einsamen Cowboy in der urbanen Prärie. Musikalisch eint die Gang Punk und Indieballaden, sucht nach der Liebe mit Rockpop-Attitüde und huldigt der romantischen Belanglosigkeit der Großstadt. Ziel- und stilsicher fahren hier Emotionen und Trotz gemeinsam Richtung Sonne, frei von Klischees oder hohlem Pathos. Live funktionieren die knackigen Texte und Melodien als kraftvolles Gesamtpaket, was die Gang bereits bei Touren mit Montreal, Radio Havanna und La Vela Puerca oder auf dem Open Flair Festival unter Beweis stellte. Anfang kommendes Jahres geht Alex Mofa Gang wieder die Reise und unternimmt eine ausgedehnte Tour.

Präsentiert von Visions, piranha und Allschools