The Strumbellas haben einen Plan. Das Sextett mag ja vor zwei Jahren mit „Spirits“ einen Welthit gelandet haben und mit der zugehörigen Platte „Hope“ ihrer Musik und dem Folkrock eine neue Richtung gegeben haben. Für die jüngste Single „Salvation“ geht es aber wieder an die Anfänge ihrer Karriere zurück. Dabei werden Ideen verarbeitet, die schon 2009 bei den Arbeiten an ihrer Debüt-EP entstanden sind. Musik machen sei wie ein Puzzle, sagt Sänger, Gitarrist und Songwriter Simon Ward; man finde immer wieder Teile, die zusammenpassen. Ein kleiner Tempowechsel, eine Modifikation in der Melodie, und schon zündet es. So war es auch im Falle des neuen Songs. Nachdem jedes Mitglied seine Gedanken geteilt und seinen Beitrag geleistet hat, wurde aus den alten Ideen ein neuer Sound. Waren The Strumbellas bislang eher für ihre dunklen Sounds und Themen bekannt, ist „Salvation“ eine geradezu fröhliche Hymne, hoffnungsvoll und positiv. Das steht den Kanadiern durchaus gut zu Gesicht und ist das, was sich die Band schon lange vorstellt: „Unser Traum war es immer, coole, kanadische Kleinstadt-Musik zu machen, mit viel Spaß und einem poppigen Gefühl“, sagt Ward, „mit jeder Platte kommen wir diesem Ziel näher.“ Wie gesagt: The Strumbellas haben einen Plan. Dabei darf man sich sicher sein, dass sie sich auf ihrem neuen Album, an dem sie gerade arbeiten, nicht gar zu weit von ihren Ursprüngen entfernen werden, schließlich war dieser Wechsel zwischen dem melancholischen Herzschmerz mit ehrlichen Texten und dem gut gelaunten Alternative Folkrock schon immer ihr Markenzeichen. Im März kommen The Strumbellas dann mit ihren neuen Songs zurück auf unsere Bühnen.

Windhand werden erst 2009 gegründet, zählen aber mit ihren bisher erschienenen drei Alben zu den hoffnungsvollsten Newcomern der Doom Metal-Szene. Schon 2010 schlagen sie hohe Wellen mit einem Proberaum-Demo, auf dem sich gerade einmal zwei Songs befinden! Vergleiche werden sofort gezogen, es fallen Namen wie Electric Wizard, The Devil’s Blood und, wie könnte es anders sein, natürlich Black Sabbath. Im März 2012 wird dann folgerichtig ihr selbstbetiteltes Debüt zu einem Underground-Hit, dessen Vinyl-Pressungen innerhalb von Monaten ausverkauft sind. Ein Jahr später unterschreiben Windhand bei Relapse Records. Man geht auf Tour, um später im April 2013 zusammen mit Cough, einer befreundeten Band aus ihrer Heimatstadt Richmond, eine Split-Single namens „Reflection Of The Negative“ herauszubringen. Die Kritiken sind duchweg positiv, das ‘Pitchfork’-Magazin nennt es Windhands „beste Musik bis dato”. Mit Selbstbewusstsein geht man an den sehnlichst erwarteten Zweitling heran, „Soma“ erscheint im September 2013. In ’Stereogum’, ‘Spin’ und ‘LA Weekly’ schafft es das Album in die Best-Of-Listen, auch die Metalpresse in Form von ’Revolver‘, ’Invisible Oranges‘, ’MetalSucks’ und ’Metal Injection‘ überschlägt sich, sogar im ’Rolling Stone’, ’NPR ’ und ’Pitchfork ’ erhält „Soma“ gute Kritiken. Danach folgen Headliner-Tourneen durch Nordamerika, Europa und Australien, u.a. mit Bands wie Sleep, High On Fire, Dead Meadow und Kvelertak. Auch auf den großen Festivals sind Windhand prominent vertreten, sie spielen das ‘Roadburn‘, ‘SXSW‘, ‘Scion Rock Fest‘, ‘Day Of The Shred‘ und ‘Maryland Deathfest‘. Im Oktober 2014 erscheint eine weitere Split-Single mit den Schweden Salem’s Pot auf Riding Easy Records. Im September 2015 dann ernten Windhand mit ihrem dritten Werk „Grief’s Infernal Flower“ die Früchte ihrer bisherigen Arbeit: Produziert wird es von Mischpult-Legende Jack Endino (Nirvana, High On Fire, Soundgarden, etc.). Besonders Frontfrau Dorthia Cottrell etabliert sich mit der Leistung auf diesem Album als einer der besten Sängerinnen des Genres. Dahinter müssen sich aber auch weder die Zwillings-Gitarren von Garrett Morris und Asechiah Bogdan mit ihren Mega-Riffs noch die kolossale Rhythmus-Sektion von Bassist Parker Chandler und Drummer Ryan Wolfe verstecken. Auch als Gitarrist Bogdan die Band 2018 verlässt, lassen sie sich nicht unterkriegen. Sie untermauern ihren Status mit ihrem vierten Album „Eternal Return“, das im Oktober 2018 erscheinen wird und ebenfalls wieder von Produzentenlegende Jack Endino in den Soundhouse Recordings Studios in Seattle aufgenommen wurde. Windhand haben sich dabei neu erfunden, fügen ihrem schweren Sound der Marke Black Sabbath und Sleep auch andere Stilistiken aus anderen Rock-Genres zu, u.a. könnte man frühe Soundgarden, aber auch Veruca Salt als Einflüsse nennen. Mit „Eternal Return“ machen Windhand den berühmten Schritt nach vorn und werden sich bald mit den ganz Großen der Szene messen können.

Wer mit Freddy Fischer und seiner Cosmic Rocktime Band noch nicht so recht vertraut sein sollte, braucht vielleicht doch erst ein paar Stichworte. Orientierungshilfen. Da hört man also einen Groove, den es aber geradewegs auf den Tanzboden zieht. Und Disco. Auch diese lässige Eleganz der Lieder, die Manfred Krug mal gesungen hat in den Siebzigern und damit selbst der DDR etwas Swing schenkte, wenigstens für einen Moment. Und jetzt vielleicht noch eine weitere Glitzerkugel voll Disco dazu. Das steckt man dann alles in einen schicken Smoking, und schon steht da ein Freddy Fischer ...
Aber so einfach ist es dann doch nicht, sonst würde man nach diesem Rezept so eine schmissige Unterhaltungsmusik ja an jeder Straßenecke hören, wo sich dann überall so ein Fischer herumtreibt, dass man gleich einen Chor voll davon hätte und nicht nur den einen Freddy. Diese Musik hat jedenfalls Groove, und auch auf jedem neuen Album orgelt Freddy Fischer wieder derart mit Lust, dass ein Keith Emerson nur beleidigt zur Seite schauen würde und Brian Auger anerkennend ein Auge lupfen und das andere gleich mit dazu, weil er ja gehört hat, dass er ihm nichts mehr vormachen kann an den Tasten. Und die Musik ist tight. Soul und Discokugel. Sie glitzert, diese Musik, und macht dann ganz im Gegensatz zu einem Keith Emerson nur genau so viele Noten, die man braucht, um die Menschen auch auf die Tanzfläche zu pumpen. Und dann singt dieser Freddy Fischer auch noch und immer wieder von der Liebe, und so eine Zeile wie „Du bist meine Liebe, und ich lieb’ dich so“ muss man sich ja erst einmal trauen. Aber Fischer macht das einfach, und das mag man jetzt Schlager nennen, mit dem es sich allerdings so verhält wie bei den Filmen von dem maulfaulen Finnen Aki Kaurismäki, die nur Aki Kaurismäki so machen kann, sentimental und doch auch warm und wahr. Und bei anderen wäre es nur sentimental und eben ein Kitsch.
Aber möglicherweise ist dieser Vergleich schon wieder ein Stück zu hoch gegriffen, und die Lieder von Freddy Fischer wollen auch gar nicht größer sein als sie sind. Denn das alles kann ja auch mit gutem Grund die Pest sein, der Jazzrock, der Schlager und selbst die Disco, wenn es sich gefühlsbetrügerisch aufplustert und prätentiös wird. Doch genau das ist bei Freddy Fischer kein Stück.
Das aber muss das Geheimnis von Freddy Fischer sein. Und spätestens beim nächsten Konzert mit ihm und seiner Cosmic
Rocktime Band werdet auch Ihr dann mitsingen bei diesem „Du bist meine Liebe, und ich lieb’ dich so“.
Einfach sehr gute Unterhaltungsmusik aus Berlin.

Wie gewohnt stellen wir euch bei MOTORBOOTY-LIVE! immer unsere coolsten und angesagtesten Neuentdeckungen an Bands vor.
Für den 23.03. haben wir BlackWaters eingeladen. Die junge Band, die sich in der Uni in Guildford kennen gelernt hat nimmt den Punk der 70er Jahre und macht daraus mit einer Portion Indie und einer Priese Britrock etwas neues und modernes.

Mit teilweise stadienmäßigen „sing-a-long“ Chorus bleiben Songs wie „Down“ sofort im Kopf hängen und laden zum tanzen und durchdrehen ein.
Der Gesang erhebt sich über eine laute und pulsierende Instrumentierung und singt aus einem ehrlichen und manchmal ironischen Standpunkt.

BlackWaters erhöhen garantiert dein Adrenalin und sorgen mit ihren eingängigen Melodien für eine ausgelassene Stimmung.

Over the past 17 years, Brother Ali has earned wide critical acclaim for his deeply personal, socially conscious, and inspiring brand of hip-hop. Under Rhymesayers Entertainment, he’s unleashed a series of lauded projects, establishing himself as one of the most respected independent voices in music. The latest chapter in that celebrated journey is All the Beauty in This Whole Life, a 15-track collection produced entirely by Atmosphere’s Anthony “Ant” Davis.
“This entire album is based on the reality that beauty is the splendor of truth” says the Minneapolis MC. “Beauty in all of its forms is the outward manifestation of love and virtue. It soothes the soul and pulls it gently toward the truth it communicates. Every word and note of this album is intended to either reflect beauty, or expose the ugliness that blocks us from living lives of meaning.”
All the Beauty in This Whole Life is Ali’s first official release in five years and represents the newest and most refined chapter of his life’s journey. “Each of my albums are the result of the pain, growth and eventual healing that I experience. Articulating the pain and navigating the healing allows the people who really feel my music to travel with me. It’s not only that we hurt together, we heal together as well.”
This year, Brother Ali’s debut album on Rhymesayers Entertainment, Shadows on the Sun, celebrates its 15th anniversary. To commemorate this occasion, Brother Ali will embark on a special 13-date headlining tour where he will perform the full album in its entirety each night. The Shadows on the Sun 15-Year Anniversary Tour kicks off November 1st in Washington D.C., with stops in New York, Minneapolis, Austin, Los Angeles, and more.

Als Sänger und Songwriter operiert Roo Panes in jener Region, in der man sonst auch Ben Howard, Sufjan Stevens oder Bon Iver verorten würde: Auch ihm geht es um gefühlvolles, zeitloses Songwriting und auch er schildert in seinen Songs persönliche Erfahrungen. Was jedoch immer wieder auffällt: Während die genannten Kollegen häufig auf melancholische Stimmungen setzen, basiert Roos Musik auf einer positiven Grundstimmung. Fast immer zelebriert er das Leben in seinen Songs, wenn er mehr auf Liebe und Hoffnung als auf deren Gegenparts setzt – und diesen Optimismus mit warmen Klangteppichen aus Akustikgitarre, Klavier, Streichern und Bläsern unterfüttert. Roo Panes stammt aus Wimborne in Dorset. Neben den drei bis dato veröffentlichten EPs Once (2012), Weight of Your World (2014) und Land of the Living (2013), legte er zuletzt die Alben Little Giant (2014) und Paperweight (2016) vor. Ein Dauergast im Programm sowie auf den Playlisten der britischen Radiosender – u.a. zählen Lauren Laverne (BBC 6 Music), Annie Mac und Phil Taggart (BBC Radio 1), Zane Lowe (Beats 1), Jo Whiley (BBC Radio 2) und Dermot O’Leary (BBC Radio 2) zu seinen Fans und Unterstützern; für letzteren nahm er sogar eine Live-Sesion auf. Seine Songs verzeichnen allein bei Spotify über 160 Millionen Streams. Die dazugehörigen Viewzahlen bei YouTube/VEVO liegen bei weit über 13 Millionen Views und untermalen seine internationale Beliebtheit nur. Das neue Album Quiet Man wurde komplett von Roo Panes geschrieben. Aufgenommen hat es der 29-jährige Brite in den Deep Litter Studios in Start Point, Devon. Zuletzt tourte er 2017 eine erfolgreiche Clubtournee und einige Festivals, die er mit begeistertem Publikum zurück ließ. Seine Show in Berlin im November ist fast ausverkauft und live kann man sich wieder im Frühjahr 2019 von ihm überzeugen.

Das Begrüßenswerte am Altern, daran, daß die vorbeistolpernde Zeit irgendwann nur noch
als kopfschüttelnd zu betrachtendes Gerumpel und Gerümpel sich präsentiert, ist ja, dass einem
selbst nichts weiter übrig bleibt, als sich zurück zu lehnen. Auf der “Höhe der Zeit” zu
bleiben, ist ohnehin niemandem vergönnt, und letztlich ist diese behauptete Höhe ja auch
nur tiefste Niederung. Nun hat dieser Schritt nichts mit einem Marsch in die Gedankenfaulheit
zu tun, vielmehr bedarf aus weiterhin stetiger Überprüfung eigener Paradigmen: was,
beispielsweise, fällt dir bei den Worten classic rock ein? Abwinken, abwehren dürfte man.
Lapidar hieß es in Maze Exlers höflicher Anfrage, ob ich ein paar Zeilen zum neuen Album
seiner Band PICTURES schreiben könnte: “Pictures werden ein neues Album veröffentlichen.
Getreu dem Motto: classic rock.“ Was ist nun damit anzufangen? Classic Rock wird laut Enzyklopädie
mit “elektromechanischen Instrumenten wie E-Gitarren“ hergestellt - wahnwitzig!
Hilfreicher ist es sicherlich, den Begriff auf die, nun ja, ursprünglichen Disziplinen der “Rockmusik“
anzuwenden, ohne sich auf einen Kontinent oder auf ein Jahrzehnt zu beschränken.
PICTURES bestehen auch auf ihrem zweiten Album aus Markus Krieg am Bass, Ole Fries an
Gitarre & Gesang sowie dem Schlagzeuger Michael Borwitzky und dem Sänger und Gitarristen
Maze Exler. Die letzteren beiden spielten bereits zur Jahrtausendwende bei der höllisch abgehenden
Rockband Union Youth, in deren Kometenschweif die Band selbst verglühen sollte.
Doch die Brachialität der adoleszenten Verzweiflung ist verklungen. Hier vereint sich Britpop
aus einer Zeit, als man das Wort noch nicht kannte bzw. noch sagen durfte und Keyboards zum
guten Ton gehörten, mit dem melodiösen Selbstverständnis der Flamin’ Groovies und dem
sanften Größenwahn von Boston. In Verbindung mit der Wärme und Tiefe der Produktion von
Ole Fries und Thies Neu wird zudem die melodische Ästhetik des Grunge in ein hypermelodisches
Rock-Gewand gehüllt. “Can’t Stop Loving“ mit der tief bewegten ersten Zeile “I was sleeping
for a thousand years“ präsentiert sich gar in Donovanscher (!) Unbeschwertheit, hingegen sich
die Verschiebung des Soundempfindens in eine Siebzigerjahrehaftigkeit auch und besonders
in der fleetwoodmacschen Aufgeräumtheit von z.B. “Because“ recht kristallklar zeigt. Überhaupt
wird die Abgeschiedenheit des geheimnisvollen Bauernhauses, in das sich die Band für
zwei Wochen zurückgezogen hat, in der Offenheit des Sounds geradezu sichtbar; macht sich
die selbstgewählte Isolation in der Entspanntheit der aufspielenden Musiker bemerkbar. Wäre
abgehangen ein nicht gar so verbranntes Wort, man müsste ihm für die Single “Little Girl“, einen
famosen, ernsthaften Gitarrenpopsong, eine einmalige Benutzungsgenehmigung erteilen.
Nimm dies, Welt. Eine in sich ruhende, stimmige Gitarrenplatte ohne Zinnober.

Ein Teil des Deutschrap-Duos Audio88 & Yassin hat ja schon häufiger mit seinen Soloausflügen für Furore gesorgt. Jetzt ist auch der zweite Teil, namentlich Yassin, aus sich herausgegangen und wird im Januar sein eigenes Meisterwerk präsentieren, das auf den schönen Titel „Y“ hören wird. Aber sagt man eigentlich noch Deutschrap-Duo? Gehört das, was die beiden über die Jahre getrieben haben, wirklich zum Kanon des deutschen HipHop? Und sind die Scheidungspapiere schon unterzeichnet? Dreimal lautet die Antwort natürlich: Nein! Um von hinten anzufangen: A & Y gehen weiterhin gemeinsam ihren Weg und zelebrieren zum Beispiel vor dem heiligen Fest „Die Normale Weihnachtsmesse – Teil 2“. Zum traditionellen Teil der Rap-Gemeinde haben die beiden zum Glück noch nie gehört. Und altbacken ist ziemlich genau das Gegenteil des Yassin-Albums. Produziert in Hamburg, Köln und Berlin, mit einem Artwork von Audio88 versehen und mit Texten, die unter alle Häute und Schichten gehen wie noch selten, dürfte „Y“ der erste Höhepunkt des neuen Jahres werden. Seit einer Woche ist der erste Track „Abendland“ draußen und zeigt Yassin von einer neuen Seite. Abgesehen davon, dass er von Autotune unterstützt singt, hat es das Fachblatt Juice ganz treffend zusammengefasst: „Yassins sonst so hartes Gefeuer weicht ehrlicher Verletzlichkeit und macht Platz für Gefühle wie Angst und Hoffnung, während das Video geradezu treffend veranschaulicht, welche Emotionen man als Mensch mit ausländischen Wurzeln im aktuellen politischen Klima in Deutschland durchmacht.“ Schon jetzt ein wichtiges Stück Musik, und Yassin selbst ergänzt dazu: „Wenn morgen alles vorbei ist, habe ich auf dem Album alles gesagt.“ Da hat jemand was zu sagen, tut das laut und ehrlich und trocken und hart. Gut so. Am 31. März präsentiert Yassin seine Soloplatte live im Molotow.

Belzebong (PL) :
You would think, that Belzebong was forged in lava-filled bowels of hell, but you would be mistaken, it was actually Poland. Started off in 2008, since then bringing tons of evil weedian riffage under the sign of the Goat. The band drowns themselves in a sea of distortion, fuzz and enough bottom-end to cure the worst case of constipation - in other words this music will make you shit.
Their album "Sonic Scapes & Weedy Grooves" released on Emetic records was a wicked trip down the hazy and introspective fuzziness associated with a massive blast to the lungs. Followed by “Dungeon Vultures" 12" EP on Instant Classic label (re-released by Emetic records), brought yet another dimension of acid-heavy trip through the smoky dungeons. Latest album entitled “Greenferno” (again on Emetic Records) sounds akin to a giant walking the earth, simply moving things aside without noticing.
Headbonging and smokediving they traveled through the vast majority of Europe, visited US and South America as well. True evil blues this band has summoned, and you the listener, shall reap their rewards, as the new album is coming!

Necromancers (FR) :
''We tell stories, and we don't do happy endings.''
Formés en 2016 et signés sur Ripple Music, The Necromancers sont l'une des révélations européennes psyche occult rock de 2017! Leur premier album "Servants of the Salem Girl" (sorti en Aout 2017), pourrait se résumer à ce refrain : ''We tell stories, and we don't do happy endings.''
Trouvant leur inspiration dans les mythologies, religions, contes et légendes européens, ainsi que les classiques du cinéma d’horreur du siècle passé, c’est à coups de Fuzz et sons organiques que ces Poitevins imposent cette ambiance sombre et angoissante si particulière, qui nous renvoie immanquablement aux écrits d’E.A. Poe, H.P. Lovecraft ou G. de Maupassant.
Après 2 tournées Européennes (Septembre-Octobre 2017 et Avril-Mai 2018) les ayant conduit notamment au Up In Smoke Festival, Keep It Low Festival, ou encore aux Desertfests de Londres & Berlin, The Necromancers ont enregistré leur deuxième opus intitulé “Of Blood And Wine”, sorti sur Ripple Music en Octobre 2018 et suivi par une autre intense tournée européenne (12 pays différents) avec Belzebong!
En 2019, The Necromancers reprendra la route en Mars encore une fois avec Belzebong, et participeront à de nombreux festivals, notamment le Hellfest!

Bevor das auf St. Pauli lebende Alternative Rock Trio Ripe & Ruin, bestehend aus Gordon Domnick, Florian Kaninck und Jannis Balzer, im Februar 2018 ihre erste Single „Clarity“ veröffentlichten, war niemandem bewusst, was in den darauffolgenden Monaten passieren würde. Bis zur Veröffentlichung ihrer Debüt-EP „The Eye Of The World“ im April 2018 fand sich die Band in einigen Magazinen, Blogs und vor allem auf diversen Spotify-Playlisten wieder sowie Platz 8 der Spotify Viral 50 Charts Germany.

Ripe & Ruins neue EP „Breaking Circles“, die am 25. Januar 2019 veröffentlicht wird, versteht das Trio nicht nur als die musikalische Weiterführung der vorangegangenen EP, sondern auch als ein Wegweiser zum Debüt-Album, welches Ende 2019 folgen wird. Weiterführung, da sich die grundsätzliche Idee der beiden EPs, die Herangehensweise an die Musik und die Liebe zum Detail nicht verändert haben; Wegweiser, weil das Potential dieser Band auf „Breaking Circles“ noch deutlicher wird.

Nach dem Song „Gatekeepter“ veröffentlichten Ripe & Ruin bereits ihre aktuelle Single „The Claim“, die es auf Spotifys New Music Friday Playlist als auf das Cover der Alternative Generation Playlist schaffte, sowie den dritten Song der EP namens „Circles“.

Im Frühjahr geht es, nach diversen Support Shows für Bands wie Goodbye June, The Wake Woods, The Sheepdogs, The Wild! sowie mehreren eigenen Shows und Festivals im Jahr 2018, auf ihre erste zusammenhängende Tour durch Deutschland. Neben den beiden EPs haben Ripe & Ruin ihre energetische Live-Show im Gepäck als auch einige unveröffentlichte Songs aus ihrem Debüt-Album!

George Watsky ist einer der faszinierendsten und gleichzeitig zutiefst unabhängigen Rapper dieses Jahrzehnts. Er ist blass und unscheinbar, aber nach erster Konfrontation mit seinen Raps stehen Münder offen, und ungläubiges Kopfschütteln und gläubiges Kopfnicken wechseln sich ab. Ohne sich zu überschlagen, rappt Watsky in einer Geschwindigkeit, die selbst Urgesteine des Rap in den Schatten stellt. Seine bisherige Laufbahn ist nicht weniger beeindruckend: Mit gerade einmal 15 Jahren entdeckte er seine scharfe Beobachtungsgabe und seine Fähigkeit, Sprache kunstvoll in Lyrik umzuwandeln. Mit großem Erfolg nahm er an einer Poetry Slam Tour an 150 Universitäten innerhalb der USA teil und gewann den Brave New Voices National Poetry Slam. Nach der Veröffentlichung seiner zwei ersten Longplayer in den Jahren 2007 und 2010 trat er mit Künstlern wie Beyoncé und Stevie Wonder auf und nahm an der Rock The Bells Festival Tour unter anderem mit HipHop-Größen wie Missy Elliot, Timbaland, Nas, Mac Miller und Wiz Khalifa teil. Seither ist Watsky nur noch besser und schneller und versierter geworden. Die Stile wechseln sich rascher ab als Watsky sich neu frisiert – und keine der Frisuren sieht ernsthaft nach HipHop aus. Sein letztes Album „X Infinity“ aus dem Jahr 2016 war ein jazziges Meisterwerk voller großartiger Reime und musikalischer Einfälle. Jetzt steht neues Material an, das wieder ganz anders daherkommt: Im Januar erscheint seine sechste Studioplatte „Complaint“ und die Vorab-Single „Mean Ass Drunk“ sucht ihre Einflüsse beim Blues und beim britischen Soul – oder so ähnlich, genau lässt sich das eh nicht bestimmen. Auf jeden Fall aber kommt Watsky im April nach Deutschland und gastiert am 8. April in Hamburg im Molotow.

Grimy, pugnacious and playful, Amyl and The Sniffers is an Australian punk four-piece that channels AC/DC, Dolly Parton and Die Antwoord into an earth-shaking live show. Already legendary in their home country, The Sniffers made their international debut in May 2018, playing to packed houses at The Great Escape Festival and two sold-out headline shows in London before joining King Gizzard and the Lizard Wizard on a 22-date tour of the USA.

“Led by human firework Amy Taylor, Melbourne’s magnificent garage crew Amyl and the Sniffers play the single most exhilarating rock’n’roll show I’ve seen in years.” The Guardian.

Amyl and The Sniffers was founded by Amy Taylor (vocals), Bryce Wilson (drums) and Declan Martens (guitar) in their Melbourne sharehouse in 2016, with Gus Romer (bass) coming on board later to complete the line-up. The Sniffers formed the band, wrote a handful of tunes and released their debut EP, Giddy Up, all in a span of twelve hours – a burst of energy that has not stopped, that is threatening to take over the world.

Amyl and the Sniffers inked a deal with Flightless Records in early 2018, and went into Flightless HQ to record with King Gizzard and the Lizard Wizard’s Joey Walker. The band’s debut album is due out later this year.

Knapp ein Jahr nach der letzten Single geht es für Hi! Spencer jetzt in großen Schritten Richtung neues Album.
Mit „Wo immer du bist“ veröffentlicht die Indie-Punk-Band einen neuen Song und verrät: Das neue Album „Nicht raus, aber weiter“ erscheint am 15.02.2019 auf dem Label Uncle M.

Mit dem ersten Song aus der Platte gibt die Band die Marschrichtung vor: ein euphorischer Refrain, eine Gitarren-gewordene Umarmung für jedes Indierock-Herz, dazwischen Momente des Durchatmens.
Schlagzeug und Saiten preschen ohne Umwege los und besiegeln was die Chorus-Zeilen versprechen:

„Wo immer du bist, ich werde da sein. Halt dich daran fest. Bin wie ein Leuchtturm, der den Weg weist, solange du mich lässt.“

Das Video ist ein Mixtape aus Bandvideos der Albumproduktion und Tourleben – greifbar und nah.
Mit seiner orkanartigen Stimme liefert Frontmann Sven den Soundtrack für einen goldenen Herbst – schwelgerisch und stürmisch gibt er einen Ausblick auf das, was Freund*innen deutschsprachiger Gitarrenmusik am Hi! Spencer-Horizont erwartet.

Im Hi! Spencer-Kosmos schwingt etwas mit, was größer ist als die Summe der Teile.
Das Geheimnis ist vielleicht das Zusammenspiel der Themen, vielleicht ist es aber auch diese unverschämte Eingängigkeit.
Deutschsprachiger Indie-Punkrock mit Mut zur großen Geste, dem Herz auf der Zunge und Schweiß in den Augen.

Bandgründung 2012, Debütalbum 2015 und mehrere Ohrwurm-Singles: Die Spotify-Klicks haben für Hi! Spencer die Millionen-Marke längst hinter sich gelassen, der Hi! Spencer-Sound sorgt regelmäßig für strahlende Gesichter in diversen Radio-Redaktionen sowie auf Clubshows und Festivals.
Mit dem Album im Gepäck geht es im Frühjahr 2019 auf erste Headliner-Tour.

Ein Teil des Deutschrap-Duos Audio88 & Yassin hat ja schon häufiger mit seinen Soloausflügen für Furore gesorgt. Jetzt ist auch der zweite Teil, namentlich Yassin, aus sich herausgegangen und wird im Januar sein eigenes Meisterwerk präsentieren, das auf den schönen Titel „Y“ hören wird. Aber sagt man eigentlich noch Deutschrap-Duo? Gehört das, was die beiden über die Jahre getrieben haben, wirklich zum Kanon des deutschen HipHop? Und sind die Scheidungspapiere schon unterzeichnet? Dreimal lautet die Antwort natürlich: Nein! Um von hinten anzufangen: A & Y gehen weiterhin gemeinsam ihren Weg und zelebrieren zum Beispiel vor dem heiligen Fest „Die Normale Weihnachtsmesse – Teil 2“. Zum traditionellen Teil der Rap-Gemeinde haben die beiden zum Glück noch nie gehört. Und altbacken ist ziemlich genau das Gegenteil des Yassin-Albums. Produziert in Hamburg, Köln und Berlin, mit einem Artwork von Audio88 versehen und mit Texten, die unter alle Häute und Schichten gehen wie noch selten, dürfte „Y“ der erste Höhepunkt des neuen Jahres werden. Seit einer Woche ist der erste Track „Abendland“ draußen und zeigt Yassin von einer neuen Seite. Abgesehen davon, dass er von Autotune unterstützt singt, hat es das Fachblatt Juice ganz treffend zusammengefasst: „Yassins sonst so hartes Gefeuer weicht ehrlicher Verletzlichkeit und macht Platz für Gefühle wie Angst und Hoffnung, während das Video geradezu treffend veranschaulicht, welche Emotionen man als Mensch mit ausländischen Wurzeln im aktuellen politischen Klima in Deutschland durchmacht.“ Schon jetzt ein wichtiges Stück Musik, und Yassin selbst ergänzt dazu: „Wenn morgen alles vorbei ist, habe ich auf dem Album alles gesagt.“ Da hat jemand was zu sagen, tut das laut und ehrlich und trocken und hart. Gut so.

Präsentiert von Delta Radio

It seems hard to believe, but the boys in Teenage Bottlerocket aren’t boys any more: They’ve been a band for more than 15 years, and have spread their pop-punk gospel across the world through a series of killer records like Total and They Came From The Shadows and an equally killer live show, one that is packed full of sing-alongs and circle pits. What’s really wild is that the whole thing all started thanks to a well-placed CD-R.
Despite the rise of social media and digital streaming services, Carlisle knows the best way to connect to music is through one-on-one connections like that—and this helped inspire the creation of Stealing The Covers, the Wyoming punk quartet’s new album, comprised of 14 songs all by bands Bottlerocket has encountered throughout their travels, from groups who share their same ZIP code to complete strangers who passed along a CD at a gig.
“The idea first came to light 10 years ago,” Carlisle says. As far as I can remember, my brother Brandon came up with the idea. We just thought, ‘Let’s do an album of doing songs by our friends’ bands.’ But some of these bands aren’t even our friends!”
“Most of our friends were just fuckin’ thrilled we were doing this,” the singer says.
After whittling down their original list of 32 covers to 14, the band—Carlisle, vocalist/guitarist Kody Templeman, bassist Miguel Chen and new drummer Darren Chewka—gathered at the Blasting Room in Fort Collins, Colorado, for eight days in early March to knock this record out alongside engineer Andrew Berlin (Descendents, Rise Against). This was the first time Bottlerocket had recorded together since the passing of Brandon Carlisle, the band’s original drummer and Ray’s twin brother, in late 2015, and the experience was as challenging as it was rewarding.
“It’s kind of complicated to jump into the studio and do a bunch of other people’s songs—changing keys to fit our voices, moving tempos around, running into stuff we wouldn’t have necessarily run into if we would have just written these songs ourselves,” Carlisle says. “A couple of the songs are weird. There are some songs we chose to do that were out of our comfort zone. But it was cool to go into the studio and take on this record together—everybody had their say. Darren started tracking his drums on Sunday, and he was done tracking his drums on Monday afternoon. He was a beast.”
The album will mark Bottlerocket’s return to Fat Wreck Chords after a brief but successful stint with Rise Records. As Carlisle tells it, there’s no place else the band would rather be.
“It’s almost as if we didn’t leave,” he explains. “We had everyone at Fat’s blessing to go to Rise in the first place, and we were really happy with the way everything worked out with Tales From Wyoming, but coming back to Fat is like being out of town and then coming back home. We just feel more comfortable on Fat Wreck Chords.
“It’s cool when Fat Mike texts me and says, ‘I fuckin’ love your new record. It’s better than your last two records.’ It’s like, ‘Awesome, Fat Mike. We didn’t write these songs,’” Carlisle says, laughing.
The band will support Stealing The Covers with a world tour this year, bouncing through Europe and Australia before landing back in the U.S., just in time for a prime slot at the Fest in Gainesville, Florida. Expect some of these covers to pop up in the band’s set, too—and maybe even some new originals.
“Kody and I have been writing a lot of songs, and we recorded two original songs recently as well for a new 7-inch out later this year,” Carlisle says. “We’re just gonna keep on rockin’ in the free world.”

Du hast wahrscheinlich bereits davon gehört : GARAGEVILLE ist eine ungezwungene, sympathische und spaßige Kulturveranstaltung, die jedes Jahr in der wunderschönen Hafenmetropole Hamburg stattfindet. Dieses Mini-Festival bringt hochwertige Underground-Bands für anspruchsvolle Musikliebhaber zusammen. Zwei bis vier Nächte Dauerparty.

Press Club ist die musikalische Verkörperung der Haltung einer Generation, die Vergänglichkeit in jeder Hinsicht erlebt. Rasend und roh, das lang erwartete Debütalbum der Band, Late Teens, wurde selbst produziert, aufgenommen, gemischt und unabhängig veröffentlicht.

Late Teens wurde über sechs Wochen aufgenommen, als Bassist Iain MacRaes Haus in einen temporären Songwriting-Sweatshop verwandelt wurde, in dem die Band die Songs schrieb, die die Trackliste von Late Teens ausmacht. Basierend auf den Erfahrungen ihrer Freunde, nähern sich Late Teens thematisch Vertreibung, Beziehungen, innere Unruhen, Gentrifizierung und Ungleichheit.

Als eine der wirklich unabhängigen Bands Australiens setzen Press Club ihr ungezwungenes, ungezügeltes Toben fort, nachdem die Band 2018 gesehen hatte, wie sie das Land durchquerte und die Smith Street Band bei ihrem Besuch in jedem Staat und jedem Territorium auf einer epischen Tour mit über 30 Terminen unterstützte.

Not On Tour wurde eigentlich als Spaßprojekt gegründet. Als alle Freunde im Sommer 2008 mit ihren Bands auf Tour gingen, machten es sich die Tel-Aviver zur Aufgabe, selbst eine Band zu gründen. Blitzschnell wurden Songs geschrieben und Shows gebucht, um sich selbst und die Zurückgeblieben zu bespaßen, die ebenfalls “not on tour” waren.
Blöderweise waren die zusammengewürfelten Songs garnicht mal so schlecht, die Shows liefen viel zu gut und irgendwie wollte man nach dem Sommer dann doch nicht so richtig aufhören. Zehn Jahre später gibt es Not On Tour immer noch und die Band ist, gegensätzlich zum Bandnamen, ständig unterwegs.

Seit 2014 waren die Vier in Japan mit Strung Out und A Wilhelm Scream auf Tour, flogen nach Russland für Shows mit Satanic Surfers und Useless ID und spielten zwei Shows in Istanbul. In Europa touren sie mehrmals pro Jahr, auch als Support für Bands wie Descendents, Feine Sahne Fischfilet, Lagwagon, Pennywise, No Fun At All, Good Riddance und Face To Face und im Line-up von größeren internationalen Punk Festivals, wie Punk Rock Holiday, Xtreme Fest, Brakrock und Groezrock.

Not On Tour spielen melodischen, schnellen Punk Rock mit Ohrwurmgarantie. Die Band ist für ihre intensiven Shows bekannt, bewaffnet mit Liedern, die selten über 90 Sekunden lang sind. Die Thematik der Songs ist vielschichtig: Von den täglichen Herrausforderungen der modernen Welt, über Politik, Liebe und Herzschmerz und dem ein- oder anderem Fun Punk Hit ist alles dabei, gepaart mit einem rohen, positiven Sound. Die eingängigen Melodien warden besonders durch den beeindruckenden, weiblichen Frontgesang hervorgehoben.
Der ist mal wütend, mal gefühlvoll aber immer das tragende Herzstück der Songs. Ein schnelles, treibendes Schlagzeug und voluminöse Harmonien in den Backings verwandeln die Songs in Punk Rock Hymnen.

“Growing Pains” ist das vierte Studioalbum der Band und wurde von Ishay Berger von Useless ID produziert. Die LP wird im Frühling 2019 veröffentlicht.

Deutschlands neuntgrößte Stadt – Essen – ist die Homebase der drei jungen Herren, die sich ganz pragmatisch "International Music“ nennen.

Ihr Name ist komplett ungooglebar. Das geht gleichtzeitig als Zeichen sympathischer Verschrobenheit und gesunden Selbstbewusstseins durch. International Music spielen lakonisch knittrigen Rock mit einer Schippe Shoegaze.
Der halb genuschelte Gesang erinnert in seiner Coolness an Velvet Underground und illustriert herrlich verspulte Texte, die das Körnchen Komik in sich tragen, das sie von der matthiaschweighöferiserten deutschen Poplandschaft mehr als angenehm abhebt. Und irgendwo im Publikum steht Sven Regener, nickt mit dem Kopf und lächelt zufrieden. Starke Band. Glück auf!

Die Geschichte von Michael Spieler, Timothy Lush, Kerim Öke und Thomas Sedlacek dreht und windet sich bereits seit 2012. Seit der Schülerband machen sie in verschiedenen Konstelationen zusammen Musik, in dieser Zeit haben die Münchner viel an ihrem Sound und Songwriting gearbeitet und 2015 die ON THE RUN EP unter dem Milky Chance Label Lichtidicht Records released. Es folgte die erste Tour durch die Republik und eine große Festival Runde mit Stationen beim SXSW 2016 in Austin / Texas, Melt! Festival und MS Dockville. Das Debüt Album HEADS AND TALES, im September 2016 veröffentlicht, landete auf #14 der iTunes Alternative Charts, die Songs wurden bis dato mehr als 7 Millionen mal auf Spotify gestreamt. Kytes begannen im Sommer 2017 die Arbeiten am Nachfolgealbum zusammen mit dem Wiener Produzenten Filous, parallel dazu spielten sie auf weiteren europäischen Festivals u.a. The Great Escape (UK), Sziget (HUN) und FM4 Frequency (AU). Im April diesen Jahres headlineten Kytes die egoFM Feste und eröffneten quer durch Europa den Abend für die Indie-Heros Shout Out Louds und Everything Everything. Jetzt gehen Kytes, die mittlerweile mehr als 250 Shows auf dem Buckel haben, mit viel neuer unveröffentlichter Musik im Gepäck für 5 exklusive, kleine Club Konzerte auf Tour.

Anfang des Jahres erschien Rat Boys EP „Civil Disorder“. In Bezug auf die nächste Veröffentlichung und somit auch auf die Live-Dates müssen sich seine Fans jetzt allerdings doch noch gedulden. Die vier für Ende November geplanten Shows der „Dumb & Confused“-Tour müssen ins Frühjahr 2019 verlegt werden. Tickets für die Shows behalten ihre Gültigkeit.
Hier das offizielle Statement: “Really sorry to say that because due to the delay in the release of Internationally Unknown we need to move the November European tour dates back to 2019. There are some places we are unable to visit on this tour and we promise we will visit you soon.”

Wenn Rat Boy von seinem Großbritannien berichtet, dann wird selbst die Fahrt im Öffentlichen Personennahverkehr zur Schlacht gegen die Möchtegern-Vorstadt-Gangster, die einen abziehen wollen, und all die anderen Verlierer des britischen Sozialsystems. Der junge Mann aus Essex erzählt mit seinem unnachahmlichen Zwischending aus Rap und Gesang von seinem Leben in der Hood und von seinen beschissenen kleinen Jobs, aus denen er regelmäßig gefeuert wurde – was immer noch besser sei, als sie ein Leben lang machen zu müssen. Daheim setzte er seine Erfahrungen in Texte um und arbeitete sich am Rechner seiner Mutter in die Musiksoftware Logic ein, um den Strom von Ideen, der ihm durchs Hirn rauschte, irgendwie zu kanalisieren. Heraus kam seine erste Veröffentlichung „The Mixtape“. 2016, also knapp zwei Jahre später, hielt er den „NME Best New Artist“-Award in der Hand, und im vergangenen Jahr benutzte Kendrick Lamar eine seiner Textzeilen als Cut in seinem Song „Lust“ – eines der großen Vorbilder von Rat Boy neben The Clash, The Streets, Blur und Ian Dury. Mit „Scum“ erschien eine schillernde Debütplatte, auf der Rat Boy auf seine gallenbittere Weise erkundet, wie es ist, desillusioniert im suburbanen Essex auszuwachsen – Erfahrungen aus seinem Leben und dem seiner Freunde und Themen, mit denen sich jeder identifizieren kann, vorgetragen mit ungeheurem Wortwitz. Musikalisch springt das Album munter zwischen Hip-Hop, Punk, Indie-Hymnen, Gospel, Britpop, Big Beat und Bossa-Nova hin und her – eine Art Beastie Boys für die Generation Brexit. Und es scheint, als ströme es immer noch durchs Hirn des 22-Jährigen, als könne er einfach nicht aufhören, Musik zu machen: Anfang des Jahres veröffentlichte Rat Boy mit seiner Band die EP „Civil Disorder“. Jetzt hat Rat Boy bestätigt, dass er im Herbst im Rahmen seiner „Dumb & Confused“-Tour nach Deutschland kommt.

Präsentiert von Musikexpress, Testspiel.de, MusikBlog.de, The Postie, Nicorola

Jon Spencer kommt im Mai 2019 für eine ausgedehnte Tour erneut nach Deutschland. Der Blues Explosion-Gott, der Mann, der die Bellbottoms in den Film Baby Driver brachte, der rechte Rockabilly-Haken von Heavy Trash und Pussy Galore hat im Herbst 2018 nicht nur sein allererstes (Solo-)Album mit dem Namen Spencer sings the hits veröffentlicht, sondern auch in Köln und Münster gastiert und setzt dies nun im Rest der Republik fort.
Das wird rauer Garagenpunk für die Menschen für heute, ein magisches Gebräu aus Rhythm und Blues. Die Underground-Rock-Legende Jon Spencer ist wieder da – ganz so als wäre er nie weggewesen.
Immer aufgekratzt, immer voller Energie und purer Emotion öffnet Jon Spencer wie nie zuvor sein Herz dem geneigten Publikum, um ein in Rock’n‘Roll verpacktes Statement an eine postfaktische Welt voller Fake News herauszubrüllen. Die beiden Abende werden laut, kratzig und sicher nicht so leicht zu vergessen.
Unter dem Motto Spencer sings the hits erwarten uns also einzigartige Konzerte, die uns den Rock-Veteranen Jon Spencer unverblümt, frech aber keineswegs alt präsentieren.

Präsentiert von ByteFM und MusikBlog

Fragt man die Bandmitglieder von ABRAMOWICZ nach ihren musikalischen Beweggründen sind sie um eine schnelle Antwort nicht verlegen. Bei Konzerten der Band sollte jedem Anwesenden eine möglichst ausgelassene Zeit ermöglicht werden. Und was gibt es schöneres, als wenn (noch) fremde Menschen die Songs schon so weit verinnerlicht haben, dass sie vor der Bühne lauthals mitsingen? Das klingt ehrlich und unkompliziert und genau das ist es auch.

Die musikalische Essenz der 5 Hamburger liegt in den Ursprüngen des Rock der amerikanischen Arbeiterklasse. Indierock und teils melancholische, sowie Elemente des Punkrock runden den Sound ab und geben dem geneigten Publikum Grund genug euphorisch die Gliedmaßen zappeln zu lassen.

Seit 2016 auch erstmals auf Vinyl über Uncle M und Sportklub Rotter Damm verewigt, schlägt die neue EP „Call The Judges“ in die Kerbe derjenigen Zuhörer, die Wert auf handgemachte Musik und energetische Liveshows legen.

Ihr Debut ›Hit The Light‹ öffnete mit seinen über 30 Millionen Spotify-Streams die Türen für die beiden Songwriter Ben Moorhouse und Leo Duncan ganz weit: Ihr Hybrid aus tanzbaren Elementen der ›Madchester‹ Ära der späten 80er Jahre, die Indierock und Dancefloor und Springsteen-beeinflussten Americana verband, wurde sofort überall gefeiert. Es folgten viele ausverkaufte Shows. Mit der bevorstehenden Veröffentlichung von ›Future Perfect, Present Tense‹ präsentieren Ten Fé sich gereift und zeigen, dass dem zweiten Album gar nicht immer das Etikett ›schwierig‹ anhaften muss.
Im Mai kommt die Londoner Band für drei Konzerte nach Berlin, Hamburg und Köln.

Louder Than Death began as the love child between King Khan and the almighty punk rock legends the Spits. Sean Spits had the vision and passed it on to King Khan in a ceremony involving the waking of a sleeping volcano and the shrinking of a gaping black hole. They had been working on songs secretly for the past 13 years and now finally they have decided to share it with the world. (Including "Broken Heart" which was the first song ever written by a 5 year-old Saba Lou and sung as a duet with Erin Spits). Louder Than Death is the royal family of punk rock bringing mayhem, chaos and maximum pleasure. The first people Khan blessed into the family were Looch Vibrato and Aggy Sonora from the Magnetix and Fredovitch on bass. These rulers of Bordeaux came with pearls all over and now form Louder Than Death along side the King who is still waiting patiently for the day that he will get his shit together and bring Sean Spits over to join them. When will that be? When the moon hits your eye like a big pizza pie...... That's Amore!!!!! Hopefully Sean Spits will join them by 2019 until then watch these four tear time and space to shreds with their fierce razor sharp punk rock with full fisted action in their hearts and big brown middle fingers waving in the air.

A GIANT DOG

Austin's raucous, hook-driven indie rock outfit A Giant Dog play a boozy mix of glam, garage, and punk rock. Toy, their fourth LP and their second for Merge Records, captures the quintet at the height of their powers. A solid year of road-dogging and woodshedding has made the band tighter than ever, the charging dynamo of Andrew Cashen and Andy Bauer’s guitars in lockstep with the primal chug of the rhythm section, Graham Low on bass and Daniel Blanchard on drums, in the latter’s recorded debut. Singer Sabrina Ellis turns in another masterful performance, in equal parts brash, defiant, vulnerable, and raw.

Das 2014 in Montreal gegründete Trio versteht es auf äußerst kluge Weise, sonnige Melodien und Sounds mit tanzbaren Beats zu versehen – ohne sich dabei jemals der Gefahr der Belanglosigkeit auszusetzen.
Die Kernbesetzung, bestehend aus Sängerin und Gitarristin Emma, dem Gitarristen und Bassisten Jessy sowie Keyboarder und Video-Verantwortlichem Dragos, kümmert sich neben dem Schreiben und Aufnehmen ihrer gemeinsamen Musik gleichermaßen um den Vertrieb, die PR sowie der Erstellung Videos – und ist damit tatsächlich weitestgehend unabhängig von vielen Apparaten der Musikindustrie. Ihr im Frühjahr 2017 selbstveröffentlichtes Vinylalbum war umgehend vergriffen und durch Festivalauftritte in ihrer Heimat wie beispielsweise ›M for Montreal‹, ›Pop Montreal‹ sowie Shows in Shanghai, Shenzen und Bejing erreichte die Band größere Aufmerksamkeit über ihre Landesgrenzen hinaus.
Für das Frühjahr 2019 wurde das dritte Studioalbum der Band angekündigt. Wir freuen uns auf das Wiedersehen mit Men I Trust.

Wenn das australische Trio Methyl Ethel auf die Bühne kommt, kommt es, um alle abzuholen. Kaum sind die Instrumente aufgedreht, hebt der Dreier ab in eine weithin transzendentale, nicht greifbare und mystische Klanglandschaft aus Dream-Pop. Psychedelic-, Shoegaze- und Alternative-Rock, gespickt mit Akkorden voller Sehnsucht und einer Atmosphäre zwischen Euphorie und Beklemmung, gesungenem Glück und besungenem (Selbst-)Zweifel. Mit großer Inbrunst lassen sich Methyl Ethel in die Songs ihrer mittlerweile drei Alben fallen und laden jeden ein, mitzukommen. Wie viele mittlerweile weltweit dieser Einladung gern folgen, überrascht niemanden mehr als die Band selbst – deren Sänger, Gitarrist und Kopf Jake Webb die Alben stets in vollkommener Isolation aufnimmt und produziert, so auch das aktuelle, Mitte Februar erschienene dritte Werk ›Triage‹.
Live hingegen werden diese entsprechend intimen und persönlichen Stücke mit drei Freunden dargeboten. Zwischen dem 23. und 24. Mai kommen Methyl Ethel, die nicht nur dank ihrer Herkunft Perth häufig mit Tame Impala verglichen werden, für zwei Konzerte in Hamburg und Köln nach Deutschland.

Natürlich gibt es ältere Indie-Labels, aber 15 Jahre finden wir nun auch nicht so schlecht und wollen diesen Anlass gerne mit Euch und drei unserer Bands feiern – dazu veröffentlichen wir auch eine DD-Compilation mit 15 (!) Songs.

YES WE MYSTIC (CAN)
Das kanadische Quintett veröffentlicht am 19. April sein neues Album, welches übrigens von Marcus Paquin (The National, Aracade Fire) gemischt wurde und wer sie noch nicht live gesehen hat, wird ein gigantisches Sound-Monster erleben, welches jedem Mischer den Schweiß aufs Gesicht treiben dürfte. Ihre Instrumentierung ist hoch anspruchsvoll – Cello und Geige stehen für das klassische Element, Gitarre, Schlagzeug und Bass für das eher traditionelle Rock-Element und Keyboards und Computer für den modernen Pop!

GUNNER & SMITH (CAN)
Das fast neueste Pferd im DevilDuck-Stall kommt aus der Prärie Saskatoons und das zweite Album „Byzantium“, produziert von Andrij Tokic (Alabama Shakes) haben wir am 25. Januar gerade weltweit veröffentlicht. Geoff Smith, Sänger & Songschreiber, kommt im Zuge unserer „About Songs Youngbloods“-Tour Anfang Februar erstmal solo, bevor er dann mit Band auf unserem Geburtstag seine eindrucksvoll melancholische Art des „Dark-Country-Rock“ spielt.

SCOTCH & WATER (GER)
Das wirklich allerneueste Pferd und die erste deutsche Band bei DevilDuck seit fast 6 Jahren und dann auch noch aus unserer Heimat, großartig, oder? Das noch sehr frische Quartett konnte uns beim letzten Reeperbahn Festival überzeugen und nun bringen wir schon im Februar ihr Single ‚Time‘ raus.

Gothenburg, Sweden trio Monolord is a rare breed: A band both encompassing and
transcending genre; a vortex of heavy rock density that consumes all others. Their
thunderous, tuneful heft has built a rabid international fanbase in short order since
their 2014 debut. But Rust, the band’s third full length, truly exemplifies why some
refer to them as the Nirvana of doom.
Monolord’s enveloping, syrupy sludge is a vibe, it’s a state of mind. Not riffs for riffs
sake, but a collective buzzing, rattling and rumbling that’s more total environment than
collection of songs. Together, guitarist/vocalist Thomas Jäger, drummer Esben Willems
and bassist Mika Häkki create a massive, dynamic sound with ultra-low frequencies
serving as its fourth member.
“We've always been inspired by great band musicians — as opposed to technical solo
peacocks,” Willems says. “Because that force of a band really playing together as one
single unit is incomparable. At its best, it's just unstoppable.” And, Monolord is truly
unstoppable, on record and on stage. “A heavy groove that contains both bombastic
overkill and a lot of dynamics is what we always aim for in Monolord; in playing, in song
writing and arranging, in recording,” Willems says.
Album opener “Where Death Meets the Sea” perfectly exemplifies their mastery of
dynamics and hooks with a driving, infectious buzzsaw riff that lesser bands would ride
off into the sunset, but Monolord uses subtly to spur the song’s skull rattling rhythmic
core ever onward. Jäger’s watery vocals glide over ominously building verses that
erupt with the song’s insistent refrain. Being such a tight rhythmic unit, it sounds almost
like an early ZZ Top record played at half speed. “Dear Lucifer” squeals and hums with
slow deliberation as Willems summons Dale Crover pummel with chasm like low-tuned
toms and syncopated cymbal crashes. The album’s title track is also its centerpiece,
opening with a dramatic, shimmering Hammond organ intro as Jäger sings, “you are
the reason that I lied/ You are the reason that I cried/ Please don’t wait until tomorrow/
There’s only pain, hate, grief and sorrow.” Suddenly, the band kicks in with a bellowing
line downtuned to B that nosedives down the guitar neck as the drums hammer down
for the kill. Elsewhere, tastefully understated guitar harmonies elevate the behemoth
churn of “Wormland” and apocalyptic album closer “At Niceae” simmers in a slow build
of rumbling guitars and rolling drum triplets.
Monolord formed in 2013, quickly recording their 2xLP debut Empress Rising, which
RidingEasy Records released in April 1st, 2014. The second album, Vænir, followed
April 28th, 2015. The 2-song Lord of Suffering / Die in Haze EP was issued in late 2016
amid the band’s relentless touring schedule in order to tide fans over until the next full
length.
Noisey calls Monolord "universally beloved" and "Swedish doom royalty”, while
Consequence of Sound deems them, “a truly modern sound: recognizably doom, but
with glistening production values and adventurous songcraft.” Vænir landed on
countless Album of the Year lists in 2015, and Rust is poised to open an entirely new
range of possibilities for Monolord.
Rust will be available on LP, CD and download on September 29th, 2017 via
RidingEasy Records.

“Runway Markings Tour“
Am 31.05.19 erscheint das lang erwartete neue Okta Logue Album „Runway Markings“.
Um die Veröffentlichung spielt die international bekannte hessische Band ein paar Release-Shows in einigen ihrer Liebllingsclubs, bevor es dann im Herbst auf große Tour geht.“

Musiker mit Kante, Eigensinn und Unangepasstheit haben in England eine lange Tradition, und das Sextett Fat White Family aus den Londoner Arbeiterstadtteilen Peckham und Brixton schlägt punktgenau in diese Kerbe. In ihren Texten und Videos konfrontieren sie ihre Hörer mit unbequemen Wahrheiten über die postmoderne Gesellschaft. Ihr Sound kennt keine Beschränkungen und zitiert fröhlich und unverblümt aus fünf Jahrzehnten Musikhistorie, während ihre Konzerte nicht selten im spontan inszenierten Chaos enden. Ein englisches Magazin bezeichnete die Fat White Family als »krank, nicht im Sinne von schräg oder überdreht, sondern im echten Wortsinne – dabei aber gleichzeitig brillant«. Ähnliche Äußerungen vernahm man auch rund um die Veröffentlichung ihres zweiten Albums ›Songs For Our Mothers‹, einer mutigen, kontroversen Sammlung aus Stilzitaten, kompositorischer Frechheit und scharfzüngigen Texten.
Nun kündigt die Fat White Family für den 19. April den dritten Longplayer ›Serfs Up!‹ an, der laut der Band in Sachen Genre-Mixing noch weiter gehen soll als alles Bisherige. Am 2. und 3. Juni kann man sich auch live ein Bild davon machen, wenn die Fat White Family für zwei Konzerte in Hamburg und Berlin nach Deutschland kommt, um die Songs ihres neuen Albums erstmals vorzustellen.

Best friends since the age of 11, the members of Wallows have spent most of their lives obsessing over music together, steadily gathering a musical vocabulary that’s expansive and erratic and wildly eclectic. On their full-length debut Nothing Happens, the L.A.-based trio puts that vocabulary to work and draws from infinite inspirations: scores to Spike Jonze movies, the Beatles’ most rhapsodic digressions, bedroom pop and lo-fi hip-hop and ’70s post-punk. The result is an album that’s endlessly unpredictable, yet somehow as familiar and deeply felt as the world inside your head.

Like their 2018 debut EP Spring, Nothing Happens finds Wallows dreaming up a restlessly inventive breed of alt-rock with the help of Grammy Award-winning producer John Congleton (St. Vincent, Future Islands, Angel Olsen). Recorded at Sargent Studios in L.A., the album sprang from a mad-scientist-like approach to song construction, with the band refusing to fall back on formula. “Whenever we came to a crossroads as far as where we could take a song, we always went the weird way,” says Preston. “There are more risks on this than anything else we’ve done,” adds Minnette. “It came from a place of never wanting to repeat ourselves, and making sure everything feels different from what came before.”

The ever-shifting sound of Nothing Happens isn’t just the outcome of Wallows’ following their most idiosyncratic instincts: it’s also a reflection of the album’s volatile climate. With each member now in his early 20s, Wallows look back on the impossible mess of adolescence and exactingly capture the most chaotic and unwieldy emotions. Told in vignettes at turns sharply detailed and hazed in the fog of memory, Nothing Happens ultimately embodies both the melancholy of growing up and a wary determination to move forward.

But even in its most heavy-hearted moments, Nothing Happens emits a potent and palpable energy, echoing the unchecked experimentation that fueled its making. On opening track “Only Friend,” Wallows telegraph crushing loneliness but sustain a feverish intensity, embedding the song with an elegantly manipulated guitar part that packs all the grandeur of a full string section. Meanwhile, on “Treacherous Doctor”—whose title the band arrived at by translating the words “inverted narcissist” from Mongolian to English and back again—desperation manifests as a gorgeous frenzy of distorted guitars, warped piano melodies, and recklessly bashing rhythms.

While songs like “Treacherous Doctor” channel an existential dread, Wallows also examine love and loss all throughout Nothing Happens. Partly inspired by Joy Division’s bass-driven minimalism, “Remember When” unfolds in frantic harmonies and starkly pleading lyrics (e.g., “Don’t let me be one of the people that seek a lost romance”). On “Are You Bored Yet,” singer/songwriter Clairo lends her gauzy vocals to a bittersweet back-and-forth about the confusion that comes with young love. “When you’re in a relationship and you’re really young—which is an experience all three of us have had—it’s really easy to ask yourself, ‘There’s so much for me to do in my life, am I supposed to just be in this forever?’” notes Preston, who came up with the song’s demo. And with “Worlds Apart,” Wallows wander through what Lemasters describes as “the different stages of realizing someone’s not into you,” offering up fragments of strangely beautiful poetry (“Do I exist in your heart? Or did the ship sail away while I was in the gift shop?”) before collapsing into a fantastically shambolic drum sequence.

After the jittery splendor of “I’m Full” (a fuzzed-out meditation on substance abuse and social anxiety), Nothing Happens closes out with the gut-punching epic “Do Not Wait.” And though the song begins in a desolate mood, Wallows end on an intensely personal message of reassurance. “‘Do Not Wait’ is sort of a letter from me to my younger self,” says Minnette. “It’s saying, ‘All this stuff is going to happen to you, and it’s going to feel like the biggest deal in the world—but just try to know that something good comes out of everything bad, and it’s all gonna be okay.’”

From song to song on Nothing Happens, Wallows show an undeniable camaraderie that traces back to when Lemasters and Minnette first met as child actors (an endeavor that later led to Minnette’s starring role on Netflix’s 13 Reasons Why). With Lemasters hailing from Ohio and Minnette from Indiana, their moms connected via an online group for newly transplanted stage parents, and the boys quickly bonded over their love of music. “I was listening to the Beatles and Led Zeppelin and Dylan loved all that too,” Lemasters recalls. The two started writing their own songs, linked up with L.A. native Preston through San Fernando Valley-based music program Join the Band, and soon began scoring gigs at iconic venues like Whisky a Go Go. “We kind of grew up on Sunset Strip,” says Preston. “Our friends would come out to the shows, and afterward we’d all walk down to Millions of Milkshakes together. It was very wholesome, like we were all family.”

After spending their teen years honing their songcraft and sharpening their live set, the trio self-released four singles in 2017. “We didn’t have a label or management or anything—we didn’t even have a name when we recorded those songs,” says Lemasters. Eventually calling themselves Wallows (a word whose many definitions include “to indulge in an unrestrained way in something that creates a pleasurable sensation”), the trio drew buzz with “Pleaser”: an urgently catchy track that shot to #2 on Spotify’s Global Viral 50 chart, amassing over 11 million streams on the platform to date.

Following the breakout success of “Pleaser,” Wallows embarked on a headlining national tour and soon inked a deal with Atlantic Records. In April 2018 they put out Spring and won praise from the likes of TIME and Stereogum, with the EP hitting #15 on Billboard’s Vinyl Albums chart. Named a Critical Cut on SiriusXM’s Alt Nation, Spring’s lead single “Pictures of Girls” reached #1 on the alternative specialty radio chart, then landed at #4 on the year-end chart. Wallows also made their television debut with “Pictures of Girls,” taking the stage on The Late Late Show with James Corden in May and introducing the world to their impassioned live performance. Since then, they’ve played their first-ever international dates, in addition to appearing at major festivals like Lollapalooza, Austin City Limits, Camp Flog Gnaw Carnival, Life Is Beautiful, and Voodoo Music + Arts Experience. The band is now gearing up for another headlining tour, which they’ll kick off this spring by making their Coachella debut.

For Wallows, the release of Nothing Happens marks the realization of one of their most closely held and near-lifelong ambitions. “One thing we’ve said since we were like 14, and first had our minds blown by all these bands who mean a lot to us, is that we’d love to make an album that other people could feel the same way about,” says Preston. “We talked about our debut album so much growing up, and this record really feels like the most honest statement we could make after all these years of working together,” Minnette adds. “We’d love for people to feel that and find their own meaning in the songs, and hopefully get inspired to go out and make something of their own.”

„Es ist genug Energie in „Rips“, um den ganzen Energiebedarf eines kleinen Landes komplett zu decken“, schreibt NPR Music über Ex Hex.

Angeführt wird das Frauen-Trio von Sängerin und Gitarristin Mary Timony, einer Musikerin, die etlichen Fans von ihren früheren Bands Helium und Wild Flag her bekannt sein dürfte. Gemeinsam mit Drummerin Laura Harris und Bassistin und Sängerin Betsy Wright ist ihr ein famoses Album gelungen, das alle ihr vorheriges Schaffen in den Schatten stellt. Zwischen Power-Pop und Glam, Punk und New Wave pendeln die Songs von Ex Hex, die zudem die Inspirationsquellen des Garagen-Pop-Trios aus Washington/DC offenbaren und dabei mit viel Retro-Touch extrem frisch daherkommen: Ramones und Johnny Thunders, Blondie, The Pretenders, Tom Petty oder die Runawys. „Das Ergebnis ist eine der unpeinlichsten und frischesten Retro-Rockplatten seit langem“ schreibt der Stern über „Rips“ und das US-Netz-Magazin Pitchfork nennt es „definitely exciting“ und ist auch sonst voll des Lobes: „There’s a bit of environmental pressure built into this record: garage rock is adaptive music, where minimum resources can yield maximum impact … it plays well in a basement and also on a stage, and it’s easy to know when it’s working. If you can remember a garage rock song two minutes after it’s over, then it’s probably a good one.“ Dazu passen auch die beiden großartig gemachten Videos zu den Songs „Hot And Cold“ und „Waterfall“. Letzteres wurde gedreht vom „Roger Cormann der Cartoons“, dem New Yorker B-Movie-Fan und Cartoonisten M. Wartella, der in diesem kleinen grellen Meisterwerk auch noch einige legendäre Musiker auftreten lässt: den umtriebigen Gitarristen Kid Congo Powers (Gun Club, The Cramps), Michelle Man (The Make-Up) und die Dischord-Legende Alec MacKaye von Ignition. Produziert hat das Album übrigens kein Geringerer als Mitch Easter, der vor allem als Produzent der frühen REM-Platten berühmt und dessen gutes Ohr für feinen Power-Pop bekannt ist. Ex Hex machen großen Spaß und wird für einen tollen Partyabend im kleinen Club sorgen !

Post Punk ist tot. Aber bevor jetzt gleich alle ihre JOY DIVISION-Jutebeutel wegschmeißen, muss gesagt werden: Das ist auch gut so! Post Punk sollte nie am Leben sein, war nie dazu bestimmt, Ausdruck einer gewissen Lebendigkeit zu sein. Post Punk war, ist und bleibt der Blick in die Leere, der Widerhall einer Welt am Abgrund, die schon morgen nicht mehr dieselbe sein könnte. In den Achtzigern wussten das versehrte Grenzgänger wie Curtis, Coleman und Smith, heute ist es an Bands wie THEN COMES SILENCE, dieses Gefühl eines ungewissen Morgens in Klang zu verwandeln.
Es sieht nicht viel besser aus in der Welt als damals in den Achtzigern. Das säbelrasselnde Monster am roten Knopf, das damals Reagan hieß, heißt heute Trump und tweetet atomare Sehnsucht über den digitalen Highway hinaus, die Welt zieht die Mauern hoch und die Köpfe ein, hält kollektiv den Atem an. Dieses erschütterte Atemholen, diese Ruhe vor dem Sturm, ist so etwas wie der Post Punk-Nukleus, damals wie heute, apokalyptisch aktuell. Und wenn eine kontemporäre Band diese Schönheit einer Welt in Trümmern in düster schimmernde, desolate Musik zu kleiden weiß, dann sind es die Stockholmer THEN COMES SILENCE. „Jeder Tag bringt uns näher an den Untergang“, ist sich Oberhaupt Alex Svenson sicher. „Bevor es irgendwann besser wird, muss es erst mal richtig schlimm werden.“ Wer diese These nicht glaubt, dem sei nur mal ein Blick aus dem Fenster geraten.
Auf ihrem vierten Album »Blood« schöpfen THEN COMES SILENCE eine bemerkenswerte Energie, eine Art sehnsüchtiges Manifest an den unausweichlichen Untergang, der das hier alles ja irgendwie doch erst lebenswert macht. Erträglich. THEN COMES SILENCE flirten ganz ungeniert mit Tod und Leid, ringen dem Sensenmann ein Lächeln ab und zwingen ihn zum Totenschein im Widerschein eines atomaren Kollaps. Wer hätte gedacht, dass die Apokalypse so verdammt sexy sein kann?
2012 gründete er THEN COMES SILENCE und veröffentlichte noch im selben Jahr das selbstbetitelte Debüt. Mit »Blood« sind die Schweden bereit für den ganz großen Sprung. Sie liefern den unwiderstehlichen Soundtrack einer sterbenden Welt, den letzten Abendball vor dem großen Fall, sozusagen. Eine Party, bei der du ruhig mal über die Stränge schlagen kannst. Es ist eh deine letzte. Der Tod, er hängt eben über allem, auch über »Blood«. „Das Album lebt von dem Bewusstsein unserer Vergänglichkeit“, sagt Svenson. „Ich möchte keine Angst mehr vor dem Tod haben und habe mir diesen Wunsch mittlerweile fast erfüllt. Viel zu viele schieben das Thema weg von sich, wollen nichts damit zu tun haben. Das macht sie unglücklich.“ Nicht so THEN COMES SILENCE. Im Gegenteil: Man kann sie förmlich grinsen hören, wenn sie ihre Untergangsoden in die Welt schmettern. Wie viel Kraft sie aus diesen Gedanken ziehen, manifestiert sich auch im Albumtitel: „Blut ist der Ozean, auf dem wir segeln. Es ist in uns allen. Indem ich dem Album diesen Namen gab, wollte ich in mein Innerstes vordringen.“ Der Rest der Welt wird ihn zu gerne dabei begleiten. Denn letztendlich gilt: Der Tod ist auch nur ein weiterer Anfang.

Das Quartett Rikas steigt endlich in den Ring. Nachdem die Jungs bereits als Warm up für Bilderbuch, Von Wegen Lisbeth, Milky Chance, AnnenMayKantereit, Parcels oder The Lemon Twigs für Furore gesorgt haben, sind die 4 jungen Hombres diesen Herbst selbst an der Reihe.
Latin, Surf, Indie, Pop, Bossa und Funk geben sich bei der ‚Swabian Samba’Tour 2019 die Hand und fordern durch lebensfrohe, catchy Beats zum Tanzen auf. Gepaart mit den wechselnden Hauptstimmen und durch die immer wiederkehrende Mehrstimmigkeit, entsteht eine ganz eigene Identität. Schnallt Euch an und sagt euren Schwestern bescheid, die MS Rikas steuert den Hafen an!