Hypochondriac, the third full-length album from San Diego band The Frights, is an album full of addictively catchy songs about fear and frustration. “I’ve gotten better with time, but I’m pretty paranoid about most things, especially health issues—I think everything’s killing me,” says Mikey Carnevale, vocalist/guitarist for The Frights. “That, mixed with anxiety, means that I can be a real baby. All of these songs address this in one way or another.”

Produced by FIDLAR frontman Zac Carper, Hypochondriac follows The Frights’ 2016 album You Are Going To Hate This and marks a period of major creative growth for the band (which also includes bassist Richard Dotson, drummer Marc Finn, and guitarist Jordan Clark). “I wrote every song on an acoustic guitar, which is something I made a point to do,” says Carnevale. “With the records before, I always wrote on an electric guitar, super-loud, because I wanted to feel that kids could mosh to it. Now I don’t care.”

The result is a more nuanced album than The Frights have ever attempted, equally driven by their relentless melodies and flashes of surprising sonic detail: the sudden harmonies of “No Place Like (Not Being) Home,” the waltzy reverie of “Alone,” the dreamy textures of “Broken Brain.” Carnevale also altered his process in creating the revealing and vulnerable lyrics laced throughout Hypochondriac, taking a more deliberate and exacting approach. “I’m very ADD when writing lyrics. I can’t sit for very long,” says Carnevale. “So this time, I would actually force myself to sit and write a complete song. I would wake up, and before I did anything else, I would write…It was frustrating. But that’s what worked!”

With Carnevale pointing out that “I went through quite a lot of bullshit since the last record, so I had a lot to talk about,” Hypochondriac shows his rare ability to convey so much layered emotion in a single lyric (from “Whatever”: “And I’m still messed up from when you said you didn’t love me/Thirty minutes before we played ten songs about your name”). On songs like “CRUTCH,” with its throat-shredding confessionalism, Carnevale twists that dynamic and proves the power of plain-spoken truth (“I’ve been on medication I can’t pronounce and I’m fucking sick of it”). Meanwhile, “Goodbyes” gets more poetic in its storytelling (“Morning knocked me awake and ripped my clothes off”), an element perfectly suited to the song’s folky romanticism and cascading guitar work.

From song to song, Hypochondriac matches the uncompromising self-awareness of Carnevale’s lyrics with a sound that endlessly shifts and changes form. The album-opening “Tell Me Why I’m Okay” begins with stark acoustic guitar, then warps into a pogo-ready pop track, ultimately turning frenetic and unhinged in its final seconds. On “Pills,” The Frights deliver a furious anthem fueled by buzzy guitar riffs and chant-along vocals, its lyrics capturing a subtle determination (“I won’t lose you/I might lose my mind/But I will carry these pills ‘til the day I die”). And on “Hold Me Down”—one of the most rip-your-heart-out moments on Hypochondriac—the band brings graceful guitar tones to an epic expression of love (“As far as I can see you’re my favorite part of me”).

Recorded at Balboa Recording in Los Angeles, Hypochondriac came to life over 14 straight days of 12-hour-long sessions, during which the band consumed “14 bottles of tequila, 200 Tecates, and a few bottles of champagne, for some reason,” according to Carnevale. After this intense process, Carper delivered the songs to Rob Kinelski (Ed Sheeran, Billie Eilish, 30 Seconds To Mars) for mixing and to multiple Grammy Winner Greg Calbi (Arcade Fire, Tame Impala, The War on Drugs) for mastering. The album is their first full-length for Epitaph Records, who signed The Frights in early 2018. Formed in 2012, the band made their debut with 2013’s Dead Beach EP, then released their self-titled full-length later that year. Upon arriving in February 2016, You Are Going To Hate This debuted on the CMJ Top 200 chart. Also produced by Zac Carper (SWMRS, Dune Rats), the album earned acclaim from outlets like Brooklyn Vegan (who praised its title track as a “super catchy blend of Weezer, SoCal pop punk, and Burger-y garage rock”).

Throughout Hypochondriac, The Frights build a brilliant tension between their shiny hooks and painful lyrics, their goofball spirit and melancholy outlook. In the end, the album unfolds as their most emotionally honest work so far, just as the band intended it to be. “I talk about embarrassing things that I don’t even like saying to people I know, much less to complete strangers,” says Carnevale. “In the past, I think I’ve hidden behind distortion and reverb, and this one is very dry and raw and in your face. There’s nothing to hide behind.”

Canadian singer-songwriter Michael Rault is pleased to announce his new album and Wick Records debut (a Daptone Records subsidiary), It's A New Day Tonight, out May 18th. The Edmonton-born, Montreal-based singer-songwriter-producer began working on its songs in earnest after winding down the tour supporting his 2015 full-length Living Daylight, but getting to the point of having an album was a process. "Musically it came out of a period of dissatisfaction, creatively and personally, as I found myself pushing against the limitations of my abilities and approaches to making music." But those delays eventually paid off. As he was working on Tonight's songwriting, Rault kept entering the orbit of Wayne Gordon, producer and head engineer at Brooklyn's legendary Daptone studio. Sending Gordon early sketches of some songs led to Rault heading to Daptone for what was initially going to be a two-week recording stint. Midway through that Gordon approached him about signing to the Daptone Records label's fledgling rock spinoff, Wick—and becoming the first Canadian member of the Daptone family. Signing with Wick also led to Rault finishing the record at Daptone and bringing Gordon on as co-producer.
It's A New Day Tonight has the loose-limbed feel of a lost album by '70s bands that bridged the gap between folk rock's open-hearted strumming and power pop's crisp, melody-forward confections—Wings, Badfinger, Big Star, 10cc—yet possesses an energy shot through with 21st-century optimism. The album's title (and title track) comes from the most Canadian of overheard sources: a pregame interview with a hockey player coming off a rocky night. "He said, 'It's a new day tonight, we've got to put the past behind us.' At first, I thought it was an awkward phrase," says Rault. "But I quickly thought: 'Awkward turn of phrase... or a good album title?' [The title track] is almost completely describing a very positive nightlife experience, but the opening line implies that this evening is coming as a major relief after spending the majority of the day depressed." It's this idea of new hope born from a period of hardship that drives the record. Hope springs eternal when day is over it's a new day tonight.

Mit „Black Wash“ haben Pagan ein grandioses Debütalbum vorgelegt. Die vierköpfige Band aus Melbourne besteht aus Nikki Brumen (Gesang), Xavier Santilli (Gitarre), Dan Bonnici (Bass) und Matt Marasco (Schlagzeug). In ihrer Heimat Australien sind sie längst eine Kultattraktion und berühmt für ihre wilden, rituellen Performances und den kraftvollen, rock’n’rolligen Hardcore-Sound. Das Album besticht durch unbändige Power und Finesse. Irgendwo zwischen schweren und schnellen Metal und rollendem Rock schreit sich Sängerin Brumen den Frust aus dem Leib – Clean-Gesang sucht man hier vergeblich – und ihre Jungs prügeln wie wild auf ihre Instrumente ein. Wie ein Gewitter kommen die vier Heiden über den Zuhörer und reißen ihn in einen wilden Strudel. Freundlich ist hier wenig, dafür alles roh und unbehauen, laut und direkt. Von den Live-Auftritten von Pagan hört man Wunderdinge aus Down Under: Mit ihren ausufernden Energieausbrüchen rauschen sie durch ein intensives Set und lassen dabei nichts aus. Sie spielten bereits auf renommierten Festivals und neben diversen Clubshows mit King Parrot und Clowns im Vorporgramm von Rise Against. Im Dezember kommen Pagan erstmals auf Headliner-Tour zu uns.

Mancher kennt Florian Sievers als Teil des Popduos Talking to Turtles. Unter dem Künstlernamen ‚Das Paradies‘ schreibt und singt Sievers das erste Mal in seiner Muttersprache, und das macht er so beeindruckend leicht, als hätte er sein Leben lang nichts anderes gemacht.
Was ist hier los? Sievers Musik ist von Indierock der Sorte „Slacker von Weltruhm“ geprägt und mit feinen Soundtupfern aus der Reggae-, Dub- und Deephouse-Welt versehen, es herrscht eine freundliche, fast hippieeske Stimmung.

Der außergewöhnlichste Moment des Jahres 2016 kam für Kytes im Frühjahr in Austin als schwitzende Amerikaner beim weltgrößten Showcase-Festival South by Southwest die Tanzfläche enterten, um bei den vier atemlosen Konzerten der Band Vollgas zu geben. Zwischen der Bühne in Texas und dem heimischen München lagen 8.823 Kilometer, aber irgendetwas hat das junge Quartett sehr richtig gemacht. Das konnte man schon Anfang des Jahres beobachten, als ihrer Song „On the Run“ aus dem Debütalbum „Heads And Tales“ in einer Vodafone-Kampagne dabei half, schätzungsweise 100 Millionen CallYa-Tarife zu verkaufen. Doch statt der Tradition zu folgen und das Geld dafür sinnlos zu verprassen, kauften sich Kytes lieber einen eigenen Bandbus, mieteten einen Proberaum 50 Meter vom Isarstrand entfernt und spielten die Platte in kompletter Eigenregie ein. Wenn man die Musik der Kytes beschreiben müsste, käme wohl so etwas wie poppiger Indie-Rock von der tanzbaren, songverliebten Sorte dabei raus, die auf Platte funkelt und live dann etwas mehr Dreck ins Haus trägt. Es heißt, Bands wie Mando Diao, Foals oder Two Door Cinema Club funktionierten so ähnlich, aber Kytes funktionieren vor allem ganz gut alleine. Freuen darüber werden sich in erster Linie Sympathisanten infektiöser Rockmusik, die klassisches Drei-Minuten-Songs-Songwriting mit eloquenten Texten verbindet mit starken, tanzbaren Beats, catchigen Riffs, elektronischen Klangflächen und insbesondere Vielfalt. Im Moment arbeiten Kytes an neuen Songs und der zweiten Platte, im April waren sie umjubelter Support für die Shout Out Louds und Everything Everything.

Soul ist für Mamas Gun eine Herzensangelegenheit. “Golden Days”, das neue Album der Band aus London/England macht dazu ein klare Aussage. Waren die drei Vorgänger Routes to Riches (2009), The Life and Soul (2011) und Cheap Hotel (2014) noch famose Genre-Exkursionen mit Einflüssen von Pop, Disco und Rock, geht “Golden Days” den ganzen Weg hin zum Soul. Gründer, Sänger, Komponist und Produzent Andy Platts, seine langjährigen Begleiter Dave "Eighties" Oliver (Keyboards) und Terry "Spiller" Lewis (Gitarre) sowie die neuen Mitglieder Cameron Dawson (Bass) und Chris Boot (Schlagzeug) werden auf ihrem vierten Album zum echten Team.

Mamas Gun sind Weltreisende in Sachen Musik. Auf vier Kontinenten landeten sie bereits in Top 10s, inklusive diverser Nummer-1-Airplay-Hits in Japan und Hong Kong. Mit „Red Cassette“ gab es einen UK-Top-20-Airplay-Hit und „Cheap Hotel“ ein UK-Independent-Top-20-Album. Ihre funky fulminanten Performances führten Mamas Gun nach ausverkauften Tourneen durch Asien auf die Billboard Music Awards (Tokyo) und auf internationale Festivals wie WOMAD, Green Room, Java Jazz oder Pentaport. Spiller ist sich sicher: „Nachdem wir unterschiedliche kreative Phasen durchlaufen haben, manifestiert das jetzige Line-Up die beste Version von Mamas Gun, die es je gab“, während Andy Platts hinzufügt: "Unsere bisherigen Erfahrungen sind definitiv unersetzlich für unseren aktuellen Sound und dafür, was wir heute machen.“

Laura Carbone geht mit ihrem von Kritikern hoch gelobten, zweiten Album „Empty Sea“ im Januar 2019 auf ausgedehnte Tour.
Nach erfolgreichen Tourneen mit The Jesus And Mary Chain, INVSN und The Pains Of Being Pure At Heart taucht Laura Carbone auf „Empty Sea“ tiefer in den berauschenden Mix dunkler, hallgeladener Popmelodien, sengender Rockriffs und rauschendem Feedback-Chaos. Als ob Mazzy Star, Sonic Youth und The Doors sich gemeinsam auf einem beinahe unendlichen Tauchgang zu den Tiefen des Abgrunds befinden.
Der Entstehungsprozess zwischen dem klaustrophobisch grauen Winter in Deutschland, der goldenen Weite der kalifornischen Wüste und der strahlenden Helligkeit von Los Angeles ist auf „Empty Sea“ deutlich zu hören – düster, betörend, entwaffnend. Eben diese einnehmende Atmosphäre verströmt Laura Carbone auch bei ihren Konzerten und zieht das Publikum geradezu magisch in ihren Bann.


LAURA CARBONE is finally touring with her critically acclaimed 2nd album, "Empty Sea". Following recent tours with The Jesus And Mary Chain, INVSN and The Pains Of Being Pure At Heart, on “Empty Sea” Carbone delves deeper into the intoxicating mix of dark reverb-laden pop melodies, searing rock riffs and noisy feedback chaos hinted at on her debut album, “Sirens”. Think Mazzy Star, Sonic Youth and The Doors sharing an endless elevator ride from the depths of the abyss to ethereal stratospheric heights and back again. Written partly in the gray claustrophobia of the German winter and finished in the vast golden expanse of the California desert and the gritty glare of L.A., “Empty Sea” is a bold return oozing with the confidence and swagger of a survivor. Carbone moves effortlessly here from the sexy tribal stomp of “Cellophane Skin” to the delicate beauty of the current single “Tangerine Tree”, to the Brecht-ian mystique of the title track and beyond. Prepare to be charmed and disarmed, battered and bruised, only to emerge from the depths of the “Empty Sea” reaching desperately for the “REPEAT” button.

SHOSHIN sind ein Power/Rap/Rock- Trio aus Manchester, das es nach Berlin verschlagen hat. Sie
bezeichnen sich derzeit als “ Brefugees“!
2016/17 verwirklichten Sophie (Schlagzeug), Joe (Bass) und Pete (Gitarre/Gesang) einen Rock’n’Roll-
Traum, der auf den ersten Blick als völlig irreal erscheinen muss. Als eine absolut unbekannte Band
aus England überzeugten sie den Berliner Star-Produzenten Moses Schneider
(Beatsteaks/Tocotronic/AMK) von ihrem Material und einer gemeinsamen Produktion!
Die finanzielle Grundlage für ihr kühnes Unterfangen machte die Band in alter Punk-Manier selbst
klar. SHOSHIN spielten sich 2016/17 einmal quer durch Deutschland, um mit ihrer berühmtberüchtigten
Guerilla-Show Geld einzusammeln.
Dabei wurde in Windeseile - nach Konzerten von großen Rock,-Metal,- und HipHop-Shows - vor den
jeweiligen Hallen ein Equipment, inklusive Lightshow, aus dem Band-Bus gezaubert, und innerhalb
von 15 Minuten waren SHOSHIN startklar, um den großen Bands ihr Publikum zu „klauen“.
Positiv ausgedrückt vom eigenen Material zu überzeugen, was SHOSHIN regelmäßig nicht nur
zwischen Hamburg und München wiederholt gelang, sondern auch in anderen europäischen
Ländern.
Die durchschnittliche Spielzeit lag zwischen 15 und 30 Minuten, denn europaweit machten die
jeweiligen Freunde und Helfer SHOSHIN immer wieder aufs Neue klar, dass illegale Straßenkonzerte
mit amtlich-lautem Equipment schnell beendet werden müssen, was den Siegeszug von Sophie, Pete
und Joe allerdings nicht stoppen konnte!
Das Ergebnis der selbst auf diese Old School-Weise finanzierten Produktion mit Moses Schneider sind
10 Hammer-PunkRock-Songs, die am 27.07.18 als Album unter dem Namen “ A Billion Happy
Endings“ auf SHOSHINs neuem Label „DODO BEACH ORIGINALS“ veröffentlicht werden.
Musikalisch sind SHOSHIN ebenfalls eine Punk-Band, aber auch so viel mehr: Sänger Pete ist ein
„GitarrenGott“, er rapt und singt gleichermaßen begeisternd, und seine Falsettstimme erinnert
zuweilen an den jungen Sting (schon wieder: The Police …), Bassist Joe groovt wie die sprichwörtliche
Hölle, und Schlagzeugerin Sophie drischt härter und virtuoser auf die Felle als so mancher Kerl hinter
der Schießbude! Die Vergleiche sind mannigfaltig, reichen von NIRVANA über die RED HOT CHILI
PEPPERS bis hin zu MUSE.
Große Namen fürwahr, aber nicht umsonst sind auch in Deutschland bereits die allergrößten Namen
im Rock-Zirkus auf SHOSHIN aufmerksam geworden, und so durfte die Band sowohl für DIE TOTEN
HOSEN, als auch für die BEATSTEAKS, im Herbst 2017 mehrfach das Vorprogramm bestreiten.
„A BILLION HAPPY ENDINGS“ erscheint also am 27.07.18, und LIVE könnt ihr SHOSHIN sowohl vor der
Album-VÖ Anfang Juli in Hünxe beim „Ruhrpott Rodeo“, als auch nach der Album-VÖ Anfang August
beim „Open Flair“ in Eschwege erleben.
PUNX NOT DEAD !

Mittlerweile lassen sich die  Blackberries als als eine der spannendsten  Psych  Bands Deutschlands beschreiben. Ausverkaufte  Festival-Slots  und ausgedehnte Touren durch Europa  erzeugten eine Sogwirkung, die den psychedelischen Untergrund mit dem  Independent Gedanken auf einen Nenner bringt.  
Mit ihrer besonderen  Mischung aus hypnotisch-psychedelischen Instrumentalpassagen, fiebriger Energie und melodieverliebtem Gesang, haben  sich die  Blackberries als eine eindrucksvolle  Live-Band  etabliert. Auf ihrem kommenden Werk werden sie die gesammelten Erfahrungen der letzten zwei  Jahre in neue Songs bündeln, welche  die alten Stärken mit den neu gewonnenen Fähigkeiten verbinden. 

BLOODHYPE sind ein Indie-Kollektiv aus Berlin, bestehend aus Elmar Weyland, Erik Laser, Matt Mueller und Chris Kohl.
Alle Bandmitglieder arbeiteten schon vor ihrer gemeinsamen Band hinter den Kulissen von Musik und Fashion, schleppten als Roadies Amps auf die Bühne, waren als Musiker auf der ganzen Welt auf Tour, Bandmanager, Werbemusikproduzent in Japan oder Fashiondesigner in London und Madrid. Diese Erfahrungen trugen ihren Teil zum Klang der Band bei und ihre ersten Live-Termine gaben BLOODHYPEs Songs den letzten Schliff. Ihr Sound ist geprägt durch die Jugend in den 90ern: Videospiele, Steven Spielberg Filme, New Order, Talk Talk, Grunge und Stephen King Romane sind in die DNA der Musiker übergegangen. Verzerrte Synthesizer schmiegen sich an grungy Gitarrentexturen, der Mix irgendwo zwischen einem Science-Fiction Soundtrack und Seattle Garage Rock.
Auf der Bühne merkt man jede Sekunde, dass die Jungs wissen, was sie tun. Im Januar 2019 geht es für die Jungs auf ihre erste gemeinsame Deutschland Tour.

Slothrust sind Songwriterin, Gitarristin und reuelose Ästhetin Leah Wellbaum, Schlagzeuger Will Gorin und Bassist Kyle Bann. Auf ihrem bereits vierten Album ›The Pact‹ (VÖ: 14. Sep) konstruieren Slothrust einen üppigen, ätherischen Kosmos, der von Wurmlöchern und magischen Schränken durchdrungen ist – und die geschickte Zusammensetzung verschiedenster Sounds deutlicher zum Ausdruck bringt als jemals zuvor. Wir dürfen uns auf energetische Konzerte freuen.

Ida Maes Magie liegt in der sensiblen und sinnlichen Verzahnung zweier schwer fassbarer Stimmen sowie der Intimität ihrer Songs. Ihre Chemie auf der Bühne ist keine dramaturgische Pose, es ist ein betörender Anblick, ihnen zuzusehen. Chris' Gesang erinnert an Steve Marriott oder den Rod Stewart der Faces-Ära, Stephanie kombiniert die feinen Besonderheiten einer Patty Griffin mit dem unangestrengten Rock-Aplomb von Alison Mosshart.
Wenn sie zusammen singen, ergibt sich oft eine ›wer ist wer-Dynamik‹. Wirklich selten und wertvoll, solche Stimmen – und erst Recht eine Kombination aus diesen.

“You shouldn't have a tough time finding the angle to Deportation Blues,” claims Brian ‘BC Camplight’ Christinzio. “The past few years have been a fucking nightmare.”
But what a fucking great record he’s made off the back of his nightmare. His second album for
Bella Union, Deportation Blues is an exhilarating, dynamic document of calamity and stress, relayed through richly melodic and bold arrangements spanning singer-songwriter classicism, gnarly
synth-pop, ‘50s rock’n’roll and various junctures between, mirroring their maverick creator’s jarred emotions and fractured mindset.
Though Christinzio points out “this is no redemption I-saw-the-light story,” he is allowing himself a little bit of hope for once: “I’ve never been as pleased with where I am artistically as I am right now.”
On top, his new band, “is phenomenal.” Alongside trusted drummer Dawson is Luke Barton (guitars, synths), guitarist Tom Rothery and multi-instrumentalist/ backing singer Ali Bell. Leading them is a man that a bartender in Manchester recently described as, “like Mozart and Tony Soprano had a kid." Brian Christinzio, and BC Camplight, genius and pain, may be here to stay at last.

Think of Death Valley Girls as an acid-tripping science experiment that’s been buried alive, and resurrected as a sexually liberated dystopian chain-gang. A cosmic scar, if you will, on the hills of Echo Park, where the experiment began in 2013 by proto-punk Bonnie Bloomgarden and guitarist Larry Schemel — who got lost in the desert, returned to their haunted garage in Echo Park, and pieced together their vision with shopworn images of sexploitation babes, a blood-soaked Iggy Pop, and Bloomgarden’s series of phantasms, the result of spending a year in a mental institution, where she planned her neon-glowing odyssey by listening to Black Sabbath and UFO, reading about alien conspiracy theories, and deriving her band’s moral compass from a line she saw in a movie:

“Everybody’s gotta be in a gang,” from campy sexploitation romp Switchblade Sisters (1975).
Next album out in October on Suicide Squeeze Records !

Im September haben Dilly Dally ihr neues Studioalbum „Heaven“ veröffentlicht und verstehen es darauf meisterlich, den Punk, die kämpferische Attitüde und den gelangweilten Schmerz ihrer Vorbilder aus den 80ern und 90ern zu einem großen Ganzen zu verbinden. Dilly Dally versprühen dabei den Vibe der Pixies, schreien die Wut von Hole heraus, durchleiden die Verzweiflung eines Kurt Cobain und klingen dabei so frisch und eigenständig, dass dieses Namedropping eigentlich gar nicht notwendig ist: Dilly Dally sind Dilly Dally. Anfang Oktober haben die KanadierInnen aus Toronto eine exklusive Show in Berlin abgeliefert, die nichts zu wünschen übrig ließ. Live sind sie ein wahres Monster: Katie Monks, die Sängerin, deren Organ irgendwo zwischen Kim Deal und rostigem Metal angesiedelt ist, schreit, heult und grummelt sich durch die Stücke. Liz Ball an der Lead-Gitarre reißt halb aggressiv, halb liebevoll ihre Riffs aus den Saiten. Die Rhythmusfraktion, bestehend aus Jimmy Tony am Bass und Benjamin Reinhartz an den Drums, verhindert dabei noch in letzter Instanz das Abrutschen in ein virtuoses Punk-Tohuwabohu. Was Dilly Dally auf der Bühne abliefern ist schon große Kunst. So muss Punk sein: erschöpfend, ausgiebig, angstfrei, aggressiv, leidenschaftlich und vor allem laut, roh und dreckig. Jetzt haben Dilly Dally bestätigt, dass sie im Februar zurückkehren und drei weitere Deutschlandkonzerte spielen werden.

Nach fünfjähriger Abstinenz melden sich Swearin’ eindrucksvoll mit ihrem neuen Album „Fall Into The Sun“ zurück, das Anfang Oktober auf dem legendären Merge Label erscheinen wird. Darauf verhehlen Allison Crutchfield (übrigens die Zwillingsschwester und langjährige musikalische Gefährtin von Waxahatchees Katie Crutchfield) und Kyle Gilbride, Gesang und Gitarre, Bassist Keith Spencer sowie Drummer Jeff Bolt gar nicht, dass einige Zeit ins Land gezogen ist, sondern setzen genau diese Erkenntnis in der Musik um: „Man wird älter, der Geschmack ändert sich, und was man tun möchte, ändert sich auch“, sagt Bolt. Dieser Wandel ist subtil, aber deutlich, und macht das neue Werk des Quartetts aus Philadelphia/New York/Los Angeles zu einem sehr erwachsenen Album.

Das neue Mothers Album „Render Another Ugly Method“ ist ein kleines, frickeliges Super-Monster geworden, auf dem sich das Bandprojekt von Kristine Leschper auf einer Doppel-LP so richtig austoben darf. Es ist ein Experiment und der Versuch, zwei Dinge auf einmal zu tun, an zwei Orten gleichzeitig zu sein, alleine etwas zu schaffen und gemeinsam zusammenzuarbeiten, weitläufig und trotzdem knapp zu denken, hier zu sein und dennoch Distanz zu waren. Ein Ding der Unmöglichkeit also, aber für Leschper kein Problem. Sie kennt sich aus mit Widersprüchen. Von Anfang war Mothers als Band angelegt, aber mangels Mitgliedern startete sie solo. Zusammen mit Matthew Anderegg (Schlagzeug), Drew Kirby (Gitarre) und Patrick Morales (Bass) erweiterte sie den Sound immer mehr, zunächst mit dem Debütalbum „When You Walk a Long Distance You Are Tired“ und jetzt mit der zweiten Platte, die ihre Hörer so richtig fordern will. Das vorab veröffentlichte „Pink“ gab schon die Richtung vor. Die Struktur des gut siebenminütigen Stücks könnte mit seiner repetitiven Kraft direkt dem Krautrock entnommen sein. Die langsam immer vertrackter werdenden Taktwechsel verwirren sich immer mehr und das handlungsarme, artifizielle aber doch unheimliche Video tun sein Übriges dazu, dass der Song eine unglaubliche Wirkung erzeugt. Für Leschper ist Musik facettenreich und genau deshalb gleichzeitig stark fragmentiert. Noise und Folk, Rock und Beats und vieles andere schließen sich hier keineswegs aus, sondern bilden die vielen Seiten eines geschliffen scharfen Edelsteins. Noisey hat das mal als „Progrock einer Singer/Songwriterin für erwachsene Emo-Kids“ bezeichnet. Das ist einerseits ein etwas hilfloser Versuch, etwas zu kategorisieren, was sich jeder Einordnung entzieht. Andererseits dürften Kristine Leschper und ihre Jungs diese Beschreibung wohlwollend akzeptieren: Sie ist so gut wie jede andere. Wie gesagt, Widersprüche kann man entweder aushalten oder man setzt sie bewusst als Mittel ein. Auf alle Fälle ist aus Mothers eine grandiose Band geworden, die weiß was sie will und das auch genial umsetzt – widerständig und aufregend. Im Februar kommen Mothers für drei Temine nach Deutschland.

Zwei Musiker treffen sich in einer Bar. Open-Mic-Session, ein paar Bier. Tom trifft Evan Beltran, der als „The Strangest“ von sich reden macht. „Gleiche Wellenlänge“ beschreibt nur annähernd, was dann passiert, die beiden sind musikalisch ein perfect match. Ihre kulturgeschichtlichen Idole sind die gleichen, sie haben die gleichen Ambitionen. Der mexikanische Gitarrist und der britisch-deutsche Songwriter entscheiden an Ort und Stelle, dass sie ab sofort als „TOM ALLAN & THE STRANGEST“ weiter machen. Tom hat die Songs, Evan die Licks, die Attitüde, den rauen Gitarren-Sound. Lederjacken tragen beide.

Gemeinsam haben sie ihr Debütalbum aufgenommen. Die Paten sind schnell benannt: Oasis, The Clash, The Libertines … aufgenommen in den “Clouds Hill Recordings” Studios in Hamburg; wie eben Peter Doherty, einer der Musiker, die Tom zu Beginn inspiriert haben. „Dear Boy“ ist der Titel des Albums. Es ist sehr, sehr gut geworden und ab 16.11.2018 überall erhältlich.

Tom Allan und Evan Beltran träumen davon, der Gitarrenmusik mit Energie, Melodie, Melancholie und vor allem mit Haltung wieder mehr Geltung in der Popwelt zu verschaffen. Zwei hochtalentierte junge Musiker und Texter, denen es gelingt, sich einiges vom Besten aus der jüngeren musikalischen Vergangenheit zu eigen zu machen, zu modernisieren und in die Gegenwart zu transportieren.

In naher Zukunft transportiert die 4-köpfige Live-Band ihr Album-Repertoire auf die Bühnen Deutschlands. Besucher des Reeperbahn Festivals 2018 werden sich erinnern, wie der Bahnhof Pauli aus allen Nähten platzte, als TOM ALLAN & THE STRANGEST die Bühne betraten – und abbrannten.

Das Detroit-Punk-Hardcore-Experimental-Kollektiv kündigt seine erste Europatournee an, die am 16. Februar in den Niederlanden startet und über 12 Konzerte nach Dublin führt. Das aktuelle Album ›Only Love‹ bekam beste Kritiken von Meinungsmachern wie The Quietus, Pitchfork, Noisey, Stereogum und weiteren.
Ihre Liveshows lassen das Publikum sprachlos zurück – die schiere Gewalt in ihrem komplexen, polyrhythmischen Noise-Gewand pustet einem ordentlich die Trommelfelle durch. Den Gang zum HNO-Arzt kann man sich sparen. Kein Wunder, denn niemand geringeres als Converges Kurt Ballou hatte bei den Aufnahmen zu ›Only Love‹ die Finger an den Reglern, während Ben Koller (ebenfalls Converge) die Drums an die Grenze ihrer Leistungsfähigkeit brachte.
Muss man gehört haben, um es zu glauben – am besten live.

Announces New Studio Album Back To The City
The Atlanta, indie rock band, Gringo Start is thrilled to announce their new studio album, Back to The City, to be released on August 24th on Nevado Music. Today the band has unveiled the first single, “Easy.” CLICK HERE to listen exclusively on Culture Collide.

Peter Furgiuele, from the band says, “We really didn’t know exactly what we were gonna do when we got our buddy Dave to add some string melodies we had thought up for the song. We kind of hummed it out for him as best we could and when we heard the playback we were blown away and at that point we pretty much got him to play on every other track on the album. “

The album is the band offering another fresh take of garage, psychedelic and classic rock and roll, this time even offering strings. Back To The City is the first album recorded with Gringo Star’s newest secret weapon – Joshua Longino who help swap on guitars, bass, percussion and vocals with the Furgiuele brothers. As well a first with some lush strings by Dave Claassen.

Gringo Star are insouciant explorers, tossing the paddles overboard and drifting on the currents of their lackadaisical curiosity across a rippling sonic ocean, out to the far edges of rock & roll. Shots pulsing from a vintage Leslie speaker, their guitars, keys and vocals create the psychoactive ingredients of their echo-slathered, doo-wop-indebted indie gems; psychedelic garage bangers, gritty R&B shuffles and spaghetti western weirdness. Taking cues from Santo & Johnny, The Stooges, Ritchie Valens, Marc Bolan, Percy Faith, Sam Cooke, the men working on the chain gang—uh! ah!—they’re all here, their electric ghosts reaching across time, tapping Gringo Star on the shoulder like the crossroads devil to Robert Johnson, bestowing secrets, passing torches.

The band has toured relentlessly across the U.S. and Europe building a diehard underground following while sharing bills with everyone from Cat Power and Feist to The Black Angels and Weezer, and also touring with Wavves, Best Coast, And You Will Know Us By The Trail of Dead, The Orwells, and fellow Atlantans The Black Lips.

Das Quartett Rikas steigt endlich in den Ring. Nachdem die Jungs bereits als Warm up für Bilderbuch, Von Wegen Lisbeth, Milky Chance, AnnenMayKantereit, Parcels oder The Lemon Twigs für Furore gesorgt haben, sind die 4 jungen Hombres diesen Herbst selbst an der Reihe.
Latin, Surf, Indie, Pop, Bossa und Funk geben sich bei der ‚Swabian Samba’Tour 2019 die Hand und fordern durch lebensfrohe, catchy Beats zum Tanzen auf. Gepaart mit den wechselnden Hauptstimmen und durch die immer wiederkehrende Mehrstimmigkeit, entsteht eine ganz eigene Identität. Schnallt Euch an und sagt euren Schwestern bescheid, die MS Rikas steuert den Hafen an!

Im Frühjahr 2019 geht das Indierock-Quartett auf ihre bisher größte Tour. Das Album wird durch ausgetüftelte Kompositionen geprägt, die an den richtigen Stellen krachend ausbrechen und an anderen die Luft anhalten. Wuchtige Parts voller verzerrter Dissonanzen treffen auf zuckersüße Harmonien, kantige Indie-Parts und softe Pophappen. Love löst Distortion ab. Es ist ein bisschen wie im echten Leben. Begleitet werden Abay von der Band Giirl. Am 16. März 2019 präsentieren die Jungs ihre Songs live in Hamburg in der Molotow Skybar.

Die POINTED STICKS haben sich 1978 in Vancouver gegründet und waren Teil der Punk Szene dort. Ihre Songs handeln von Mädchen und Herzschmerz, ihre Musik ist von Pop-Punk/New Wave Sound geprägt. Ihr absolut größter Hit ist "Out Of Luck", der auch von diversen Punk Bands gecovert wurde. 1980 spielten sie sogar einige Songs in dem Dennis Hopper Film "Out Of Blue". 1981 lösten sie sich auch schon wieder auf. Außer einer kleinen England Tour haben die Pointed Sticks nie in Europa gespielt. Deswegen ist es eine große Sensation, dass sie wieder auf Tour gehen und auch noch in Hamburg spielen.
Macht euch bereit für eines der einzigartigsten Meisterwerke der Popgeschichte überhaupt, in Originalbesetzung
Die Band feiert ihr 40jähriges Jubiläum und hat alle Hits im Gepäck, Out Of Luck, Real Thing, What Do You Want Me To Do, Lies, Somebody’s Mom, Marching Song, Part Of The Noise und viele andere mehr! Pointed Sticks seit 1978. Always fun. Always will be fun!

The Eskies sind eine einzigartige Band. Ihre Musik spiegelt eine Bandbreite von Walzer, italienischen Tänzen, blechbläsernen Trauermärschen bis hin zu Klezmer-Klängen wieder. Das Quintett aus Dublin tanzt sich mit seinem Publikum durch die dunklen Seiten von allem und hält mit dem ironischen Unterton stets die Waage zwischen melodramatischem Timbre und großartigem Spaß. Die fünf selbsternannten Outsider bringen diese unwiderstehliche Mischung aus Gipsy-Jazz, Folk noir, Shanties und anderen Stilen auf die Bühne und verbreiten ein schwitzendes, schreiendes Spektakel in den Ballrooms, Pubs und Kneipen weltweit. Mit ihren Songs stürmen sie in jeder Show immer am Rande der Erschöpfung entlang zur Ekstase. The Eskies feiern das Leben in all seinen finsteren und abseitigen Seiten auf fantastische Art und Weise, mit lauter Musik, mit Tanz und Trunk und allen anderen sinnlichen Gelüsten, von denen die katholischen Kirche in ihrer Heimat gar nichts hält. Im Winter erschien mit „& Don’t Spare The Horses“ das zweite Album der Iren, das erneut mit großen Songs aufwartet. Aber in Wahrheit muss man sie zusammen mit gleichgesinnten Brüdern und Schwestern im Geiste in einer schwankenden und tanzenden Masse live erleben und dabei das Leben in seiner Gänze feiern. Im Oktober geben uns The Eskies wieder einmal diese Gelegenheit.

A native of Toronto, Tess Parks moved to London, England at the age of seventeen where she briefly studied photography before dropping out and deciding to focus on music. Tess managed to make an impression on industry legend Alan McGee, founder of Creation Records, albeit the timing of their meeting could hardly have been less ideal; McGee was no longer involved in music and Tess was due to move back to Toronto.

After moving back to her hometown in 2012, Tess formed a band on the advice of Alan McGee and less than a year after their meeting, he returned to music with his new label, 359 Music. Tess became one of his first six signings and released her debut record Blood Hot in November 2013 to excellent reviews. One reviewer described her as "Patti Smith on Quaaludes". Others have mentioned her "gauzy psychedelic sound" and "smouldering voice". Alan McGee himself said: "She's only 24 and is already an amazing songwriter... she just doesn't quite know she is yet ... her most beautiful quality is her lack of ego. Tess is an amazing lady".

In February 2014, she began recording with Brian Jonestown Massacre frontman Anton Newcombe in Berlin and they completed their debut record 'I Declare Nothing' in autumn 2014. The record was released in June 2015 to stunning reviews and a series of sold out UK and European tours. Tess Parks continued to collaborate with Newcombe and co-wrote several songs for Brian Jonestown Massacre, including the title track of Brian Jonestown Massacre's EP 'Pish', and several songs on the albums 'Third World Pyramid' and 'Don't Get Lost'. In July 2017, they completed their self-titled second album 'Tess Parks & Anton Newcombe‘, which was released in October 2018.

Sie spielte bereits bei bedeutsamen europäischen Festivals wie Roskilde, Primavera Sound oder auch Haldern Pop und war Anfang 2017 zuletzt auf Tour in Deutschland. Im April 2019 kommt Julia Jacklin zurück, um ihr am 22. Februar erscheinendes, zweites Studioalbum „Crushing“ bei vier Shows in Köln, Hamburg, Berlin und München zu präsentieren.
Ursprünglich aus den australischen Blue Mountains, wuchs sie mit Billy Bragg und Doris Day auf, sang als Kind in Musicals und begann mit Anfang 20 ihre eigenen Lieder zu schreiben. Ihr erstes Album „Don’t Let The Kids Win“ veröffentlichte sie 2016, das von der internationalen Presse begeistert aufgenommen wurde „impressive indie country debut from Australia.“ (The Guardian). Nach der Veröffentlichung tourte Julia Jacklin nahezu pausenlos. So entstand „Crushing“ während eben dieser fast zweijährigen Tourphase und wurde anschließend von Burke Reid (Courtney Barnett, The Drones) produziert.

2002 gründete Lukas Scherfey die Band in Kopenhagen. Dieses three piece Powertrio spielen Mod Rock, und sie sind beeinflusst von solch großartigen Bands wie The Jam, The Who und The Clash. Ihre
politischen Vorbilder sind Rosa Luxemburg und Karl Marx!
Sie tragen Anzüge. Denn der Mod Slogan: Clean living under difficult circumstances“ ist ihr Motto. Ihr Name steht für eben diese Bewegung, The Movement! Die Band hat sich zum Ziel gesetzt, die Jugend wachzurütteln und alles zu hinterfragen.
Es gibt eine neue Generation an Kids, die an politischen Fragen interessiert sind und die sich gegen die globalen Effekte des Kapitalismus und deren Mechanismen zur Ausbeutung, Kriegsführung und Unterdrückung wehren. Junge Leute suchen nach Wahrheit und Aufklärung in Zeiten der totalen Manipulation und Lügerei. The Movement widmet sich genau diesen Themen und unterstützt diese Bewegung!
Wer The Movement schon einmal live auf der Bühne gesehen hat weiß, wie unglaublich charismatisch und mitreißend ihre Bühnenperformance und ihre im Soul verwurzelten punkbeeinflussten Songs sind! Und eine neue Platte ist in Planung.