Hey folks,

dieses Mal wenden wir uns direkt an Euch, die Leute sprechen ohnehin so wenig miteinander:)
Wer uns kennt hat ja sicher schon bemerkt, dass wir so ziemlich alles besser können, als uns selbst anständig zu vermarkten. Aber, es gibt Top-News:
Wir kommen zu Euch, mit unserem vierten Album, das am 19.10 erscheint. Wir freuen uns wieder unterwegs zu sein und viele tolle Konzerte zu spielen, freuen uns auf unvergessliche Abende in der Fremde, mit alten und neuen Freunden und natürlich, ganz besonders auch, zu Hause, bei Euch!

Wir sind sehr glücklich ein wundervolles Album gemacht zu haben, glücklich, dass wir unbekanntes Terrain betreten dürfen, glücklich, dass wir als Band wachsen und zusammenhalten und uns neuen Herausforderungen stellen. Die Platte ist eckiger geraten, wilder und kantiger, mitunter auch experimenteller aber wir wären nicht BROKOF, wenn es nicht auch das herzzerreißende "Don’t Give Up On Me Now" oder den Kracher "A Ride" gäbe. Bei "Calling" kommen einem auch schon mal die Tränen. Wir freuen uns, Euch Songs wie das sechsminütige "Camouflage" vorlegen zu können, freuen uns über eine ganze Perlenkette an gelungenen Songs.
Ja, wir freuen uns, als wäre es unser erstes Album!

Natürlich ist uns klar, dass Musik nicht mehr die gleiche gesellschaftliche Funktion hat wie in den Sechzigern und Neunzigern, und es den meisten heute reicht, wenn im Hintergrund ein bißchen bumm-bumm läuft, aber wir wissen auch, dass es da draußen eine Menge Leute gibt, Menschen, die wie wir einer Sehnsucht folgen, die immer weitersuchen, vielleicht zweifelnd in den Überlegungen aber konsequent in den Handlungen, in Bewegung, leidenschaftlich, einander achtend und voller Hingabe für die Momente des Lebens. Lasst uns diesem müden Gegeneinander, ein Gewicht entgegenstellen, ein knirschendes Sandkorn des Miteinanders im Getriebe dieser hektischen Zeit.

In freudiger Erwartung: Bis gleich!
Hugs,
BROKOF

Das australisch-dänische Duo mit Sitz und Studio in Kopenhagen veröffentlichte nach ›Waiting For The World To Turn‹, dem hochgelobten Debüt von 2016, am 4. Mai sein neues Album ›Nowadays‹ auf dem renommierten dänischen Label Tambourhinoceros (Efterklang, IRAH).
Palace Winter demonstrieren auf ›Nowadays‹ eine enorme Selbstgewissheit in Sound, Songwriting und Produktion, die sich in Geradlinigkeit und Energie ausdrückt.

Fatherson aus Glasgow sind zurück mit einem neuen Album: Mitte September erscheint mit „Sum Of All Your Parts“ die dritte Platte der Schotten und bereits jetzt rotiert die erste Single „Making Waves“ und zeigt, wozu das Trio in der Lage ist: Das ist Indie Rock mit großer Geste, präzisem Timing, einer soulig-scharfen Stimme und der gewohnt schicken Portion Pop.
Die drei Musiker, die schon als Kinder befreundet waren, haben sich für ihre Karriere viel Zeit gelassen. In der siebten Klasse haben sie ihre Band gegründet und machen seither zusammen Musik. Zunächst, wie sich das für eine Schülerband gehört, standen Cover im Zentrum des Repertoires, aber mehr und mehr haben sie sich dem Songwriting zugewandt und eine ganz eigene Sprache gefunden. Das merkt man auch dem neuen Song an. Fatherson verstehen sich blind und verbreiten gerade deshalb eine Lässigkeit, um die sie eine Menge Bands beneiden werden. Das gilt ganz besonders für die Auftritte: Leighton gibt den leidenschaftlichen Frontmann, seine Mitstreiter unterstützen ihn glänzend. Die Band beherrscht das, was man im Sport einen No-Look-Pass nennen würde: Sie spielt auf den Punkt genau zusammen, und fühlt dabei exakt, was der andere als nächstes tun wird. Diese höchste Perfektion kann man erleben, wenn Fatherson am 20. Oktober in Hamburg in der Molotow Skybar spielen

Sie werden von der Presse als „DIE Live-Band“ gefeiert und dies konnten sie, als Headliner des diesjährigen Eurosonic Festivals 2018, als Onlinegekürte beste Band des Reeperbahn Festivals 2017, im Rahmen ihrer ersten Deutschlandtour im Dezember, bei Live Sessions wie Arte Concerts und Sofar Sessions, unter Beweis stellen!

Sie dropten ihr Album "VIVID" im März und seit dem hören wir "Goodlife" und "Storm" beim Auto fahren, im Büro und bald sogar beim Zocken der #NHL19.

Die "Goodlife Tour" war einfach nur glühend heiß, aber Hamburg unsere Perle haben wir ausgelassen und jetzt ist die Zeit gekommen wieder mit Euch zu tanzen und zu jumpen.

Beim diesjährigen #MSDOCKVILLE habt ihr fleißig bei der Performance von THE COOL QUEST #moshpits üben können und nun ist der Moment gekommen Eure Künste in dem wohl legendärsten Club Hamburgs Molotow Sky Bar zu demonstrieren!

Also #Hamburg zieh dich aus: Am 24.10.2018 THE COOL QUEST kommen!

Seit dem Erscheinen ihres Debütalbums „Statues“ starten BLACK PEAKS so richtig durch. Das Quartett aus Brighton muss sehr viel richtig gemacht haben, denn das Lob kam und kommt aus allen Richtungen.
Egal ob von Fachzeitschriften für Metal, renommierten Tageszeitungen, Einträgen in der Musikblogosphäre und natürlich begeisterten Fans: Es hagelte Lob für die vertrackte Schönheit der Platte und die grandiosen Live-Auftritte der Band. Das liegt einfach daran, dass sich hier zwei musikalische Konzepte auf das Beste ergänzen. Zum einen sind da die drei Instrumentalisten von Shrine: Gitarrist Joe Gosney, Bassist Andrew Gosden und Drummer Liam Kearley hatten sich in der Vorgängerband zusammengetan, um so richtigen Breitwandkrach zu machen und alle musikalischen Fähigkeiten der drei voll auszuspielen. Und dann kam plötzlich ein Derwisch in Person von Will Gardner dazu und gab der musikalischen Ausrichtung einen neuen Dreh. Er verpasste den frickeligen Passagen abwechselnd mit Klargesang und rauen Schreien Ecken und Kanten und gab damit den zwar lauten, aber ziselierten Instrumentalparts die richtigen Konturen. Form und Funktion ergänzen sich jetzt perfekt bei BLACK PEAKS. Irgendwo zwischen Metal, Post-Rock, Hard- und dem Mathcore rauschen BLACK PEAKS durch ihre Musik. Das klingt unabhängig, ungezähmt und wild und wird durch die Musiker nur schwer im Zaum gehalten. Stets droht der Ausbruch, hinter jeder Harmonie wartet das Unerwartete, jede Hook wird zum Abenteuer. Aber bei aller aufregenden Komplexität sind die ausufernden Songs von BLACK PEAKS immer durchschau- und durchfühlbar. Das wird vor allem live deutlich, wenn BLACK PEAKSals geschätzter Support für Wesensverwandte wie Any Given Day, Bury Tomorrow oder The Dillinger Escape Plan oder auch als Headliner unterwegs sind. Bereits im vergangenen Herbst überzeugten die Jungs bei ihren fantastischen und gefeierten Auftritten bei uns. Jetzt haben BLACK PEAKS bestätigt, dass sie im Juni mit neuen Songs und in alter Frische wiederkommen.


Die Tour wird präsentiert von VISIONS, guitar, FUZE, SLAM, Pretty In Noise, handwritten-mag.de

Yunos Musik hat zwei Quellen: Der 27-Jährige aus Jacksonville stammt aus Großbritannien und dank seines jamaikanischen Elternhauses wuchs er mit Reggae, Ska, Rocksteady und klassischem R’n’B aus. Auf der anderen Seite verbrachte er den größten Teil des Tages mit Skaten, im Skate Shop und der Shopping Mall abhängen, Skate-Videos schauen und „Tony Hawk’s Pro Skater“ auf der Konsole spielen. So kam er in den Kontakt des passenden Soundtracks zwischen Rock und Rap. HIM, AFI oder Rancid wurden ebenso zu seinen Begleitern wie Run DMC und Frank Ocean. Eines Tages besuchte er eine Live-Show mit einem Rapper namens MC Lars und war begeistert. Das wollte er auch machen, ein Solo-Projekt starten, alleine nur mit einem Laptop auf der Bühne stehen und alles selbst machen. Auch wenn er selbst in seinem Leben, wie Yuno selbst erzählt, gerade einmal bei vier Konzerten war und beim Musikmachen nie über die Verwendung auf der Bühne nachdenkt. Lieber sitzt er alleine daheim, schreibt seine andersweltlichen Songs, spielt alle Instrumente, übernimmt die Produktion und das Mixen, schießt seine Pressefotos, dreht seine eigenen Videos und designt das Artwork für seine Platten – und das immer mit einem großen Augenmerk auf die Farbgebung: Pink ist seine Lieblingsfarbe. Er hatte schließlich auch rosa und schwarze Schuhe, Skateboard, und sogar das Schlafzimmer rosa und schwarz gestrichen. Entdeckt wurde der Musiker von Ishmael Butler von Shabazz Palaces und den Digable Planets. Dem fiel sofort auf, dass Yuno alle Merkmale eines großen Musikers besaß, dazu einen tadellosen Geschmack und gute Riffs, eingängige, aber nicht kitschige Lieder, irgendwie vertraut, aber dabei genial seltsam. Es gibt da diese verführerische Magie hinter den Songs, die man nicht erfassen und erklären kann. Aber das sei letztlich die Essenz seiner Einzigartigkeit, sagt Butler: „Der Junge ist ein Star.“ Im Oktober kommt Yuno für zwei exklusive Shows nach Berlin und Hamburg.

LUXEMBOURG SOUNDS LIKE… is a music showcase event organized by music:LX, Luxembourg’s music export office, the purpose of which is to show the world, what Luxembourg talent really looks and sounds like. Together, music lovers, music professionals and taste-makers of the industry will discover fresh up & upcoming acts that are breaking through to the international circuit.

Luxembourg Sounds Like… is back in Hamburg and will be held at the Molotow, Skybar on November 1st.

The line up includes:

Seed To Tree, the Pop/Folk Indie band who aren’t shy when it comes to putting on a good show. The band has a flirtatious relationship with indie pop and indie folk, incorporating colourful pop melodies and contrasting them with folk-like harmonies and lyrics.

Edsun, a young R&B artist who has been making waves and turning heads with every release and show so far. His R&B soundscapes are married with subtle and dark beats. His use of contemporary dance in his live shows is what makes Edsun so intriguing.

TUYS, the 4-piece from a small town with a big indie sound. They have an indie quality to their songs, tainted with alternative rock that carries a contagious and danceable energy.

Tusq ist eine Indie-Band mit Mitgliedern aus Berlin und Hamburg. Tusq waren viele Jahre lang eher eine Idee der beiden Gründungsmitglieder Uli Breitbach und Timo Sauer, bedingt auch durch die räumliche Trennung der beiden. 2010 erschien mit „Patience Camp“ ein wunderbares Debüt, 2013 gefolgt von dem zweiten Album „Hailuoto“. Mit den zwei Alben formulierten Tusq einen signifikant eigenen Sound, der sich an melodiösem 90er-Indie anlehnte, aber stets auch den Blick nach vorn richtete. Das dritte Album „The Great Acceleration“ erscheint nun am 02. November 2018. Ein gewichtiges Stück Gesellschaftskritik. „The Great Acceleration“ - man ahnt, wohin die Reise geht: um das Höher, Schneller, Weiter unserer modernen Gesellschaft – und die Frage nach dessen Sinnhaftigkeit. In Berlin fand man mit Schlagzeuger Matthias Frank und Bassist Michael Schlücker nicht nur zwei ausgezeichnete neue Mitmusiker, sondern obendrein zwei nicht minder begabte und leidenschaftliche Songwriter, die ihrerseits ihren Teil zum neuen Tusq-Sound beitrugen.

Entsprechend verlief die auch die Produktion von „The Great Acceleration“ anders als bei den beiden Vorgängern. Die Platte entstand mitten in ihrer Lebensrealität – und obendrein mit einem Produzenten, der seinerseits für einen besonderen Sound steht: Gordon Raphael (u.a The Strokes), dessen Stärke es ist, so Uli, „stets das Beste aus einer Band herauszuholen, anstatt ihr einen typischen Produzenten-Sound zu diktieren.“ Aufpoliert und zurecht gemacht in seiner nun so funkelnden, vielschichtigen Weise wurde „The Great Acceleration“ sodann in den Göteborger Svenska Grammofon Studios von Kalle Gustaffson Jerneholm (The Soundtrack of our Lives), in denen schon größte Stars Platten aufnahmen.

2014 sind Black Honey mit ihren schreienden Gitarren und lebhaften Sounds aus dem Äther geschossen und haben seither bewiesen, dass es keine vergleichbare britische Band gibt. Im September erscheint endlich ihr selbstbetiteltes Debütalbum, von dem sie gerade erst ihren starken Opener „I Only Hurt The Ones I Love“ veröffentlicht haben. Der Track, deutlich von Garbage beeinflusst, setzt den Tonfall für das, was da im Herbst auf uns zukommt. Nachdem die vier Musiker die letzten Jahre damit verbracht haben, ihr Indie-Spiel zu perfektionieren, wird alles, was man über sie und ihre einzigartig surrealistische Welt zu wissen glaubte, mit den neuen Songs über den Haufen geworfen. Tatsächlich haben es von den alten Stücken nur „Hello Today“ und „Dig“ auf das Album geschafft - die anderen neun Stücke zeigen vom Sound her eine deutliche Weiterentwicklung. Mit Widersprüchen, die an jeder Ecke lauern, ist die kommende Platte ein Album, das das Menschsein in all seinen Facetten feiert und dabei die Herzen aller berühren wird, die es hören. Auch auf der Bühne sind Black Honey ein ganzes Stück gewachsen. Die Live-Erfahrungen der vergangenen Jahre merkt man ihnen deutlich an, die Tightness und Lässigkeit, mit der die Band zusammenspielt, ist wirklich großartig. Und mit einer Frontfrau wie der reichlich aufgedrehten Izzy Philips kann da eh nicht viel schiefgehen. Im November kommen Black Honey zu uns auf Tour.

Die Unverfrorenheit ungeschliffenen Slacker-Rocks und die catchige Melancholie moderner Indiepop-Acts: Das ist der Boden, auf dem Some Sprouts gedeihen. Vintage-Synth-Sounds geben die Nährstoffe, die markante Stimme von Sänger Joshua das Wasser, sodass der Entfaltung der Sprouts keine Grenzen gesetzt sind. So touren die fünf Regensburger seit vergangenem Herbst mit ihrer Debüt-EP „Florescer“ quer durch Deutschland und erregen dabei aber Aufsehen, das über die deutsche Indie-Szene hinausgeht: Etablierte Größen aus den USA wie We Are Scientists oder Albert Hammond Jr von den Strokes wurden auf Some Sprouts aufmerksam und machten sie zum Deutschlandsupport für ihre eigenen Touren. Diesen Oktober nun veröffentlichen die Oberpfälzer ihre neue EP „IMMT“, welche komplett isoliert in einem kleinen Landhaus aufgenommen wurde. Auf der EP sind sechs Songs, inklusive der zwei Singles „Mindcrush“ und „She Longs for You“, die bereits zirkulieren. Die EP zeigt die Entwicklung der Band, die sie seit ihrer ersten Veröffentlichung durchlaufen hat und verbindet noch klarer ihre zwei Haupteinflüsse aus vorantreibendem Indie-Rock und träumerischem Pop/Folk-Sound. Gefolgt vom Release der neuen EP, gehen Some Sprouts natürlich wieder auf große Tour durch Deutschland, Österreich sowie die Schweiz und kommen am 6. November nach Hamburg in die Molotow Skybar.

„Wie kann eine Band in so kurzer Zeit so gut werden?“, fragte das Billboard Magazine kürzlich, als die erste EP des australischen Trios Middle Kids die Redaktionsräume und damit die Aufmerksamkeit des Autors erreichte. In der Tat eine gute Frage. Im vergangenen Jahr feierten die Middle Kids mit der Veröffentlichung der international gefeierten, selbstbetitelten EP ihr überaus kraftvolles Debüt. Die Band begeisterte bei mehreren SXSW- und The Great Escape-Showcases das Publikum, debütierte im US-Fernsehen in der Conan O’Brian Show und wurde von Kollegen wie Ryan Adams und The War On Drugs mit auf Tour genommen. Frontfrau, Sängerin und Gitarristin Hannah Joy, ihr Ehemann, Multiinstrumentalist und Produzent Tim Fitz sowie Schlagzeuger Harry Day scheinen einen Nerv getroffen zu haben. Die Songs der EP wurden alleine auf Spotify über 15 Millionen Mal gestreamt und brachten ihnen weltweite Aufmerksamkeit. Diverse Radiostationen nahmen Songs in Eigeninitiative auf Rotation, ohne dafür jemals bemustert worden zu sein und zahlreiche Magazine fanden lobende Worte. Soeben erschien das Debütalbum „Lost Friends“, die Art von Platte, die einen anfangs direkt in der Magengrube erwischt und seine Nuancen erst nach mehrmaligem Hören offenbart. Trotz sauberer Produktion behalten die Songs ihre Ecken und Kanten und versprühen durch die unauffällig eingestreuten Momente der Unvollkommenheit Wärme und Menschlichkeit. Middle Kids basteln klassische Hooklines und Riffs, die sich wie Lakritze im Gehirn festkleben, und singen Refrains, die lange nachdem der Song verklungen ist, noch umherschwirren, und so fühlt man, dass noch ein höherer Sinn dahintersteckt als die reine Musik. Vor einiger Zeit spielten die Australier zwei Konzerte in London, die umgehend ausverkauft waren. Jetzt haben Middle Kids bestätigt, dass sie im November erstmals auch nach Deutschland kommen.

präsentiert von Rolling Stone, piranha, kulturnews, DIFFUS, The-Pick.de und 917 XFM

TASKETE! sind zwei Mann, ein Sound. TASKETE! kommen mit Oktaver und Oktaven. Mit schneidiger Noisy-Gitarre und mit Trommel_Ding-Dong. Mit gesungenem Wort in Effekt-verballertem Englisch. Aren (Harmful, Emirsian) und Flo (Sportfreunde, Bolzplatz Heroes) symbiotisieren und tackern im Takt alternative Riffigkeiten, die sich in besonderen Momenten in Indiesken Melodien auflösen. Dass man Autotune-Voices über verzerrte Bretter spannt, überrascht die herkömmlichen Hörgewohnheiten. Wo Emotionen, da Headbangerei, wo Schwoof, da Zuckung!
TASKETE! (japanisch (fast): Obacht!) kommen und drücken. Und wenn alle brav waren, dann auch Hände!

Sicherlich ist es so, dass viele viele wichtige Alben fast niemals das Licht der Welt erblickt hätten. ,Stains On Silence" von GIRLS NAMES, acht Tracks gespeist aus Zweifel, Umbruch und finanzieller Dürftigkeit, ist so ein Album.

Nach ,Arms Around A Vision" von 2015 und der Trennung von Schlagzeuger Gib Cassidy nur ein Jahr später hing die Band mit den Zehenspitzen im Abgrund. ,Es gab einen fertigen und dann aufgegebenen Mix des Albums, den wir sechs Monate lang zurückstellten", erinnert sich GIRLS NAMES Frontmann Cathal Cully.

,Wir gönnten uns eine Pause von der Musik und kehrten zurück zur Vollzeitarbeit. Wir erholten uns von dem Stress, eine Platte herausbringen zu müssen, mit der wir nicht glücklich waren und davon, fast pleite zu sein und wir ständig darum fürchten müssen, unsere Miete nicht bezahlen zu können." Diese Stolpersteine sollten es schließlich sein, die der Durchbruch des Albums wurden.

Aufgenommen an verschiedenen Orten in Belfast, darunter das Start Together Studio mit Ben McAuley, das Wohnzimmer von Cully und der Proberaum der Band, entpuppten sich schließlich spontanes Songwriting, Schneidtechniken und Selbstzensur als die Schlüssel.

Wenn ,Arms Around A Vision" ein trotziges Mission-Statement war, dann bricht ,Stains On Silence" als Niedergang aus der Startbox. Was das Ende der Band hätte bedeuten können, war die Chance, alles auf Anfang zu stellen.

In der zweijährigen Genese des Albums hatten Cully, Bassistin Claire Miskimmin und Gitarrist Philip Quinn ein einziges Ziel für ihr viertes Album: ein altmodisches, um die 30 Minuten dauerndes Album zu machen, das den Hörer dazu bringt, direkt danach auf ,Repeat" zu drücken. Das ist ihnen mit "Stains On Silence" mehr als geglückt.

Lene Lovich startete 1978 mit dem Song I Think We’re Alone Now und veröffentlichte Anfang 1979 die Single Lucky Number, damit hatte sie einen Hit und landete auf Platz 3 der britischen Charts. Diverse Singlehits folgten.

1979 spielte Lovich an der Seite von Herman Brood und Nina Hagen im Film Cha-Cha mit. In dieser Zeit entstand auch einer ihrer bekanntesten Songs Home, der als B-Seite der Single Lucky Number veröffentlicht wurde.

Bekannt ist auch Lovichs Engagement für die Rechte der Tiere. Gemeinsam mit Nina Hagen schrieb und sang sie gegen Tierversuche 1986 den Song Don’t Kill the Animals, der als Single veröffentlicht wurde. Der Song wurde 1987 auch mit Titeln von The Smiths, U2 und anderen auf einem Benefiz-Sampler zugunsten von PETA veröffentlicht.

1989, nach einer mehrjährigen Auszeit, nahm sie das Album March auf. Die Pause kam aufgrund ihres Rückzugs in die Familie zustande. Das Album war mäßig erfolgreich und wurde, zur allgemeinen Verwunderung, erst ein Jahr nach der ersten Vorab-Single Wonderland veröffentlicht, welche in amerikanischen Clubs zu einem Dancehit avancierte.

2005 kündigte sich ein musikalisches Comeback an. Lovich sang auf der CD Take Me to Your Leader von Hawkwind mit und begleitete diese auf einer anschließenden Tour.

Lovichs erstes Album seit March, Shadows and Dust, wurde am 13. September 2005 auf Mike Thorne’s Stereo Society Label veröffentlicht. Auf dem Drop Dead Festival 2006 trat sie erstmals seit Jahren wieder mit ihrer kompletten Band auf.

Hypochondriac, the third full-length album from San Diego band The Frights, is an album full of addictively catchy songs about fear and frustration. “I’ve gotten better with time, but I’m pretty paranoid about most things, especially health issues—I think everything’s killing me,” says Mikey Carnevale, vocalist/guitarist for The Frights. “That, mixed with anxiety, means that I can be a real baby. All of these songs address this in one way or another.”

Produced by FIDLAR frontman Zac Carper, Hypochondriac follows The Frights’ 2016 album You Are Going To Hate This and marks a period of major creative growth for the band (which also includes bassist Richard Dotson, drummer Marc Finn, and guitarist Jordan Clark). “I wrote every song on an acoustic guitar, which is something I made a point to do,” says Carnevale. “With the records before, I always wrote on an electric guitar, super-loud, because I wanted to feel that kids could mosh to it. Now I don’t care.”

The result is a more nuanced album than The Frights have ever attempted, equally driven by their relentless melodies and flashes of surprising sonic detail: the sudden harmonies of “No Place Like (Not Being) Home,” the waltzy reverie of “Alone,” the dreamy textures of “Broken Brain.” Carnevale also altered his process in creating the revealing and vulnerable lyrics laced throughout Hypochondriac, taking a more deliberate and exacting approach. “I’m very ADD when writing lyrics. I can’t sit for very long,” says Carnevale. “So this time, I would actually force myself to sit and write a complete song. I would wake up, and before I did anything else, I would write…It was frustrating. But that’s what worked!”

With Carnevale pointing out that “I went through quite a lot of bullshit since the last record, so I had a lot to talk about,” Hypochondriac shows his rare ability to convey so much layered emotion in a single lyric (from “Whatever”: “And I’m still messed up from when you said you didn’t love me/Thirty minutes before we played ten songs about your name”). On songs like “CRUTCH,” with its throat-shredding confessionalism, Carnevale twists that dynamic and proves the power of plain-spoken truth (“I’ve been on medication I can’t pronounce and I’m fucking sick of it”). Meanwhile, “Goodbyes” gets more poetic in its storytelling (“Morning knocked me awake and ripped my clothes off”), an element perfectly suited to the song’s folky romanticism and cascading guitar work.

From song to song, Hypochondriac matches the uncompromising self-awareness of Carnevale’s lyrics with a sound that endlessly shifts and changes form. The album-opening “Tell Me Why I’m Okay” begins with stark acoustic guitar, then warps into a pogo-ready pop track, ultimately turning frenetic and unhinged in its final seconds. On “Pills,” The Frights deliver a furious anthem fueled by buzzy guitar riffs and chant-along vocals, its lyrics capturing a subtle determination (“I won’t lose you/I might lose my mind/But I will carry these pills ‘til the day I die”). And on “Hold Me Down”—one of the most rip-your-heart-out moments on Hypochondriac—the band brings graceful guitar tones to an epic expression of love (“As far as I can see you’re my favorite part of me”).

Recorded at Balboa Recording in Los Angeles, Hypochondriac came to life over 14 straight days of 12-hour-long sessions, during which the band consumed “14 bottles of tequila, 200 Tecates, and a few bottles of champagne, for some reason,” according to Carnevale. After this intense process, Carper delivered the songs to Rob Kinelski (Ed Sheeran, Billie Eilish, 30 Seconds To Mars) for mixing and to multiple Grammy Winner Greg Calbi (Arcade Fire, Tame Impala, The War on Drugs) for mastering. The album is their first full-length for Epitaph Records, who signed The Frights in early 2018. Formed in 2012, the band made their debut with 2013’s Dead Beach EP, then released their self-titled full-length later that year. Upon arriving in February 2016, You Are Going To Hate This debuted on the CMJ Top 200 chart. Also produced by Zac Carper (SWMRS, Dune Rats), the album earned acclaim from outlets like Brooklyn Vegan (who praised its title track as a “super catchy blend of Weezer, SoCal pop punk, and Burger-y garage rock”).

Throughout Hypochondriac, The Frights build a brilliant tension between their shiny hooks and painful lyrics, their goofball spirit and melancholy outlook. In the end, the album unfolds as their most emotionally honest work so far, just as the band intended it to be. “I talk about embarrassing things that I don’t even like saying to people I know, much less to complete strangers,” says Carnevale. “In the past, I think I’ve hidden behind distortion and reverb, and this one is very dry and raw and in your face. There’s nothing to hide behind.”

Canadian singer-songwriter Michael Rault is pleased to announce his new album and Wick Records debut (a Daptone Records subsidiary), It's A New Day Tonight, out May 18th. The Edmonton-born, Montreal-based singer-songwriter-producer began working on its songs in earnest after winding down the tour supporting his 2015 full-length Living Daylight, but getting to the point of having an album was a process. "Musically it came out of a period of dissatisfaction, creatively and personally, as I found myself pushing against the limitations of my abilities and approaches to making music." But those delays eventually paid off. As he was working on Tonight's songwriting, Rault kept entering the orbit of Wayne Gordon, producer and head engineer at Brooklyn's legendary Daptone studio. Sending Gordon early sketches of some songs led to Rault heading to Daptone for what was initially going to be a two-week recording stint. Midway through that Gordon approached him about signing to the Daptone Records label's fledgling rock spinoff, Wick—and becoming the first Canadian member of the Daptone family. Signing with Wick also led to Rault finishing the record at Daptone and bringing Gordon on as co-producer.
It's A New Day Tonight has the loose-limbed feel of a lost album by '70s bands that bridged the gap between folk rock's open-hearted strumming and power pop's crisp, melody-forward confections—Wings, Badfinger, Big Star, 10cc—yet possesses an energy shot through with 21st-century optimism. The album's title (and title track) comes from the most Canadian of overheard sources: a pregame interview with a hockey player coming off a rocky night. "He said, 'It's a new day tonight, we've got to put the past behind us.' At first, I thought it was an awkward phrase," says Rault. "But I quickly thought: 'Awkward turn of phrase... or a good album title?' [The title track] is almost completely describing a very positive nightlife experience, but the opening line implies that this evening is coming as a major relief after spending the majority of the day depressed." It's this idea of new hope born from a period of hardship that drives the record. Hope springs eternal when day is over it's a new day tonight.

Mit „Black Wash“ haben Pagan ein grandioses Debütalbum vorgelegt. Die vierköpfige Band aus Melbourne besteht aus Nikki Brumen (Gesang), Xavier Santilli (Gitarre), Dan Bonnici (Bass) und Matt Marasco (Schlagzeug). In ihrer Heimat Australien sind sie längst eine Kultattraktion und berühmt für ihre wilden, rituellen Performances und den kraftvollen, rock’n’rolligen Hardcore-Sound. Das Album besticht durch unbändige Power und Finesse. Irgendwo zwischen schweren und schnellen Metal und rollendem Rock schreit sich Sängerin Brumen den Frust aus dem Leib – Clean-Gesang sucht man hier vergeblich – und ihre Jungs prügeln wie wild auf ihre Instrumente ein. Wie ein Gewitter kommen die vier Heiden über den Zuhörer und reißen ihn in einen wilden Strudel. Freundlich ist hier wenig, dafür alles roh und unbehauen, laut und direkt. Von den Live-Auftritten von Pagan hört man Wunderdinge aus Down Under: Mit ihren ausufernden Energieausbrüchen rauschen sie durch ein intensives Set und lassen dabei nichts aus. Sie spielten bereits auf renommierten Festivals und neben diversen Clubshows mit King Parrot und Clowns im Vorporgramm von Rise Against. Im Dezember kommen Pagan erstmals auf Headliner-Tour zu uns.

Mancher kennt Florian Sievers als Teil des Popduos Talking to Turtles. Unter dem Künstlernamen ‚Das Paradies‘ schreibt und singt Sievers das erste Mal in seiner Muttersprache, und das macht er so beeindruckend leicht, als hätte er sein Leben lang nichts anderes gemacht.
Was ist hier los? Sievers Musik ist von Indierock der Sorte „Slacker von Weltruhm“ geprägt und mit feinen Soundtupfern aus der Reggae-, Dub- und Deephouse-Welt versehen, es herrscht eine freundliche, fast hippieeske Stimmung.

Der außergewöhnlichste Moment des Jahres 2016 kam für Kytes im Frühjahr in Austin als schwitzende Amerikaner beim weltgrößten Showcase-Festival South by Southwest die Tanzfläche enterten, um bei den vier atemlosen Konzerten der Band Vollgas zu geben. Zwischen der Bühne in Texas und dem heimischen München lagen 8.823 Kilometer, aber irgendetwas hat das junge Quartett sehr richtig gemacht. Das konnte man schon Anfang des Jahres beobachten, als ihrer Song „On the Run“ aus dem Debütalbum „Heads And Tales“ in einer Vodafone-Kampagne dabei half, schätzungsweise 100 Millionen CallYa-Tarife zu verkaufen. Doch statt der Tradition zu folgen und das Geld dafür sinnlos zu verprassen, kauften sich Kytes lieber einen eigenen Bandbus, mieteten einen Proberaum 50 Meter vom Isarstrand entfernt und spielten die Platte in kompletter Eigenregie ein. Wenn man die Musik der Kytes beschreiben müsste, käme wohl so etwas wie poppiger Indie-Rock von der tanzbaren, songverliebten Sorte dabei raus, die auf Platte funkelt und live dann etwas mehr Dreck ins Haus trägt. Es heißt, Bands wie Mando Diao, Foals oder Two Door Cinema Club funktionierten so ähnlich, aber Kytes funktionieren vor allem ganz gut alleine. Freuen darüber werden sich in erster Linie Sympathisanten infektiöser Rockmusik, die klassisches Drei-Minuten-Songs-Songwriting mit eloquenten Texten verbindet mit starken, tanzbaren Beats, catchigen Riffs, elektronischen Klangflächen und insbesondere Vielfalt. Im Moment arbeiten Kytes an neuen Songs und der zweiten Platte, im April waren sie umjubelter Support für die Shout Out Louds und Everything Everything.

Soul ist für Mamas Gun eine Herzensangelegenheit. “Golden Days”, das neue Album der Band aus London/England macht dazu ein klare Aussage. Waren die drei Vorgänger Routes to Riches (2009), The Life and Soul (2011) und Cheap Hotel (2014) noch famose Genre-Exkursionen mit Einflüssen von Pop, Disco und Rock, geht “Golden Days” den ganzen Weg hin zum Soul. Gründer, Sänger, Komponist und Produzent Andy Platts, seine langjährigen Begleiter Dave "Eighties" Oliver (Keyboards) und Terry "Spiller" Lewis (Gitarre) sowie die neuen Mitglieder Cameron Dawson (Bass) und Chris Boot (Schlagzeug) werden auf ihrem vierten Album zum echten Team.

Mamas Gun sind Weltreisende in Sachen Musik. Auf vier Kontinenten landeten sie bereits in Top 10s, inklusive diverser Nummer-1-Airplay-Hits in Japan und Hong Kong. Mit „Red Cassette“ gab es einen UK-Top-20-Airplay-Hit und „Cheap Hotel“ ein UK-Independent-Top-20-Album. Ihre funky fulminanten Performances führten Mamas Gun nach ausverkauften Tourneen durch Asien auf die Billboard Music Awards (Tokyo) und auf internationale Festivals wie WOMAD, Green Room, Java Jazz oder Pentaport. Spiller ist sich sicher: „Nachdem wir unterschiedliche kreative Phasen durchlaufen haben, manifestiert das jetzige Line-Up die beste Version von Mamas Gun, die es je gab“, während Andy Platts hinzufügt: "Unsere bisherigen Erfahrungen sind definitiv unersetzlich für unseren aktuellen Sound und dafür, was wir heute machen.“

Laura Carbone geht mit ihrem von Kritikern hoch gelobten, zweiten Album „Empty Sea“ im Januar 2019 auf ausgedehnte Tour.
Nach erfolgreichen Tourneen mit The Jesus And Mary Chain, INVSN und The Pains Of Being Pure At Heart taucht Laura Carbone auf „Empty Sea“ tiefer in den berauschenden Mix dunkler, hallgeladener Popmelodien, sengender Rockriffs und rauschendem Feedback-Chaos. Als ob Mazzy Star, Sonic Youth und The Doors sich gemeinsam auf einem beinahe unendlichen Tauchgang zu den Tiefen des Abgrunds befinden.
Der Entstehungsprozess zwischen dem klaustrophobisch grauen Winter in Deutschland, der goldenen Weite der kalifornischen Wüste und der strahlenden Helligkeit von Los Angeles ist auf „Empty Sea“ deutlich zu hören – düster, betörend, entwaffnend. Eben diese einnehmende Atmosphäre verströmt Laura Carbone auch bei ihren Konzerten und zieht das Publikum geradezu magisch in ihren Bann.


LAURA CARBONE is finally touring with her critically acclaimed 2nd album, "Empty Sea". Following recent tours with The Jesus And Mary Chain, INVSN and The Pains Of Being Pure At Heart, on “Empty Sea” Carbone delves deeper into the intoxicating mix of dark reverb-laden pop melodies, searing rock riffs and noisy feedback chaos hinted at on her debut album, “Sirens”. Think Mazzy Star, Sonic Youth and The Doors sharing an endless elevator ride from the depths of the abyss to ethereal stratospheric heights and back again. Written partly in the gray claustrophobia of the German winter and finished in the vast golden expanse of the California desert and the gritty glare of L.A., “Empty Sea” is a bold return oozing with the confidence and swagger of a survivor. Carbone moves effortlessly here from the sexy tribal stomp of “Cellophane Skin” to the delicate beauty of the current single “Tangerine Tree”, to the Brecht-ian mystique of the title track and beyond. Prepare to be charmed and disarmed, battered and bruised, only to emerge from the depths of the “Empty Sea” reaching desperately for the “REPEAT” button.

Mittlerweile lassen sich die  Blackberries als als eine der spannendsten  Psych  Bands Deutschlands beschreiben. Ausverkaufte  Festival-Slots  und ausgedehnte Touren durch Europa  erzeugten eine Sogwirkung, die den psychedelischen Untergrund mit dem  Independent Gedanken auf einen Nenner bringt.  
Mit ihrer besonderen  Mischung aus hypnotisch-psychedelischen Instrumentalpassagen, fiebriger Energie und melodieverliebtem Gesang, haben  sich die  Blackberries als eine eindrucksvolle  Live-Band  etabliert. Auf ihrem kommenden Werk werden sie die gesammelten Erfahrungen der letzten zwei  Jahre in neue Songs bündeln, welche  die alten Stärken mit den neu gewonnenen Fähigkeiten verbinden. 

Slothrust sind Songwriterin, Gitarristin und reuelose Ästhetin Leah Wellbaum, Schlagzeuger Will Gorin und Bassist Kyle Bann. Auf ihrem bereits vierten Album ›The Pact‹ (VÖ: 14. Sep) konstruieren Slothrust einen üppigen, ätherischen Kosmos, der von Wurmlöchern und magischen Schränken durchdrungen ist – und die geschickte Zusammensetzung verschiedenster Sounds deutlicher zum Ausdruck bringt als jemals zuvor. Wir dürfen uns auf energetische Konzerte freuen.

Think of Death Valley Girls as an acid-tripping science experiment that’s been buried alive, and resurrected as a sexually liberated dystopian chain-gang. A cosmic scar, if you will, on the hills of Echo Park, where the experiment began in 2013 by proto-punk Bonnie Bloomgarden and guitarist Larry Schemel — who got lost in the desert, returned to their haunted garage in Echo Park, and pieced together their vision with shopworn images of sexploitation babes, a blood-soaked Iggy Pop, and Bloomgarden’s series of phantasms, the result of spending a year in a mental institution, where she planned her neon-glowing odyssey by listening to Black Sabbath and UFO, reading about alien conspiracy theories, and deriving her band’s moral compass from a line she saw in a movie:

“Everybody’s gotta be in a gang,” from campy sexploitation romp Switchblade Sisters (1975).
Next album out in October on Suicide Squeeze Records !

Im September haben Dilly Dally ihr neues Studioalbum „Heaven“ veröffentlicht und verstehen es darauf meisterlich, den Punk, die kämpferische Attitüde und den gelangweilten Schmerz ihrer Vorbilder aus den 80ern und 90ern zu einem großen Ganzen zu verbinden. Dilly Dally versprühen dabei den Vibe der Pixies, schreien die Wut von Hole heraus, durchleiden die Verzweiflung eines Kurt Cobain und klingen dabei so frisch und eigenständig, dass dieses Namedropping eigentlich gar nicht notwendig ist: Dilly Dally sind Dilly Dally. Anfang Oktober haben die KanadierInnen aus Toronto eine exklusive Show in Berlin abgeliefert, die nichts zu wünschen übrig ließ. Live sind sie ein wahres Monster: Katie Monks, die Sängerin, deren Organ irgendwo zwischen Kim Deal und rostigem Metal angesiedelt ist, schreit, heult und grummelt sich durch die Stücke. Liz Ball an der Lead-Gitarre reißt halb aggressiv, halb liebevoll ihre Riffs aus den Saiten. Die Rhythmusfraktion, bestehend aus Jimmy Tony am Bass und Benjamin Reinhartz an den Drums, verhindert dabei noch in letzter Instanz das Abrutschen in ein virtuoses Punk-Tohuwabohu. Was Dilly Dally auf der Bühne abliefern ist schon große Kunst. So muss Punk sein: erschöpfend, ausgiebig, angstfrei, aggressiv, leidenschaftlich und vor allem laut, roh und dreckig. Jetzt haben Dilly Dally bestätigt, dass sie im Februar zurückkehren und drei weitere Deutschlandkonzerte spielen werden.

Nach fünfjähriger Abstinenz melden sich Swearin’ eindrucksvoll mit ihrem neuen Album „Fall Into The Sun“ zurück, das Anfang Oktober auf dem legendären Merge Label erscheinen wird. Darauf verhehlen Allison Crutchfield (übrigens die Zwillingsschwester und langjährige musikalische Gefährtin von Waxahatchees Katie Crutchfield) und Kyle Gilbride, Gesang und Gitarre, Bassist Keith Spencer sowie Drummer Jeff Bolt gar nicht, dass einige Zeit ins Land gezogen ist, sondern setzen genau diese Erkenntnis in der Musik um: „Man wird älter, der Geschmack ändert sich, und was man tun möchte, ändert sich auch“, sagt Bolt. Dieser Wandel ist subtil, aber deutlich, und macht das neue Werk des Quartetts aus Philadelphia/New York/Los Angeles zu einem sehr erwachsenen Album.

Das neue Mothers Album „Render Another Ugly Method“ ist ein kleines, frickeliges Super-Monster geworden, auf dem sich das Bandprojekt von Kristine Leschper auf einer Doppel-LP so richtig austoben darf. Es ist ein Experiment und der Versuch, zwei Dinge auf einmal zu tun, an zwei Orten gleichzeitig zu sein, alleine etwas zu schaffen und gemeinsam zusammenzuarbeiten, weitläufig und trotzdem knapp zu denken, hier zu sein und dennoch Distanz zu waren. Ein Ding der Unmöglichkeit also, aber für Leschper kein Problem. Sie kennt sich aus mit Widersprüchen. Von Anfang war Mothers als Band angelegt, aber mangels Mitgliedern startete sie solo. Zusammen mit Matthew Anderegg (Schlagzeug), Drew Kirby (Gitarre) und Patrick Morales (Bass) erweiterte sie den Sound immer mehr, zunächst mit dem Debütalbum „When You Walk a Long Distance You Are Tired“ und jetzt mit der zweiten Platte, die ihre Hörer so richtig fordern will. Das vorab veröffentlichte „Pink“ gab schon die Richtung vor. Die Struktur des gut siebenminütigen Stücks könnte mit seiner repetitiven Kraft direkt dem Krautrock entnommen sein. Die langsam immer vertrackter werdenden Taktwechsel verwirren sich immer mehr und das handlungsarme, artifizielle aber doch unheimliche Video tun sein Übriges dazu, dass der Song eine unglaubliche Wirkung erzeugt. Für Leschper ist Musik facettenreich und genau deshalb gleichzeitig stark fragmentiert. Noise und Folk, Rock und Beats und vieles andere schließen sich hier keineswegs aus, sondern bilden die vielen Seiten eines geschliffen scharfen Edelsteins. Noisey hat das mal als „Progrock einer Singer/Songwriterin für erwachsene Emo-Kids“ bezeichnet. Das ist einerseits ein etwas hilfloser Versuch, etwas zu kategorisieren, was sich jeder Einordnung entzieht. Andererseits dürften Kristine Leschper und ihre Jungs diese Beschreibung wohlwollend akzeptieren: Sie ist so gut wie jede andere. Wie gesagt, Widersprüche kann man entweder aushalten oder man setzt sie bewusst als Mittel ein. Auf alle Fälle ist aus Mothers eine grandiose Band geworden, die weiß was sie will und das auch genial umsetzt – widerständig und aufregend. Im Februar kommen Mothers für drei Temine nach Deutschland.

Das Detroit-Punk-Hardcore-Experimental-Kollektiv kündigt seine erste Europatournee an, die am 16. Februar in den Niederlanden startet und über 12 Konzerte nach Dublin führt. Das aktuelle Album ›Only Love‹ bekam beste Kritiken von Meinungsmachern wie The Quietus, Pitchfork, Noisey, Stereogum und weiteren.
Ihre Liveshows lassen das Publikum sprachlos zurück – die schiere Gewalt in ihrem komplexen, polyrhythmischen Noise-Gewand pustet einem ordentlich die Trommelfelle durch. Den Gang zum HNO-Arzt kann man sich sparen. Kein Wunder, denn niemand geringeres als Converges Kurt Ballou hatte bei den Aufnahmen zu ›Only Love‹ die Finger an den Reglern, während Ben Koller (ebenfalls Converge) die Drums an die Grenze ihrer Leistungsfähigkeit brachte.
Muss man gehört haben, um es zu glauben – am besten live.

Die POINTED STICKS haben sich 1978 in Vancouver gegründet und waren Teil der Punk Szene dort. Ihre Songs handeln von Mädchen und Herzschmerz, ihre Musik ist von Pop-Punk/New Wave Sound geprägt. Ihr absolut größter Hit ist "Out Of Luck", der auch von diversen Punk Bands gecovert wurde. 1980 spielten sie sogar einige Songs in dem Dennis Hopper Film "Out Of Blue". 1981 lösten sie sich auch schon wieder auf. Außer einer kleinen England Tour haben die Pointed Sticks nie in Europa gespielt. Deswegen ist es eine große Sensation, dass sie wieder auf Tour gehen und auch noch in Hamburg spielen.
Macht euch bereit für eines der einzigartigsten Meisterwerke der Popgeschichte überhaupt, in Originalbesetzung
Die Band feiert ihr 40jähriges Jubiläum und hat alle Hits im Gepäck, Out Of Luck, Real Thing, What Do You Want Me To Do, Lies, Somebody’s Mom, Marching Song, Part Of The Noise und viele andere mehr! Pointed Sticks seit 1978. Always fun. Always will be fun!