Mittlerweile lassen sich die  Blackberries als als eine der spannendsten  Psych  Bands Deutschlands beschreiben. Ausverkaufte  Festival-Slots  und ausgedehnte Touren durch Europa  erzeugten eine Sogwirkung, die den psychedelischen Untergrund mit dem  Independent Gedanken auf einen Nenner bringt.  
Mit ihrer besonderen  Mischung aus hypnotisch-psychedelischen Instrumentalpassagen, fiebriger Energie und melodieverliebtem Gesang, haben  sich die  Blackberries als eine eindrucksvolle  Live-Band  etabliert. Auf ihrem kommenden Werk werden sie die gesammelten Erfahrungen der letzten zwei  Jahre in neue Songs bündeln, welche  die alten Stärken mit den neu gewonnenen Fähigkeiten verbinden. 

Nach fünfjähriger Abstinenz melden sich Swearin’ eindrucksvoll mit ihrem neuen Album „Fall Into The Sun“ zurück, das Anfang Oktober auf dem legendären Merge Label erscheinen wird. Darauf verhehlen Allison Crutchfield (übrigens die Zwillingsschwester und langjährige musikalische Gefährtin von Waxahatchees Katie Crutchfield) und Kyle Gilbride, Gesang und Gitarre, Bassist Keith Spencer sowie Drummer Jeff Bolt gar nicht, dass einige Zeit ins Land gezogen ist, sondern setzt genau diese Erkenntnis in der Musik um: „Man wird älter, der Geschmack ändert sich, und was man tun möchte, ändert sich auch“, sagt Bolt. Dieser Wandel ist subtil, aber deutlich, und macht das neue Werk des Quartetts aus Philadelphia/New York/Los Angeles zu einem sehr erwachsenen Album. Swearin’ verabschieden sich in einem Stück namens „Big Change“ von ihrer alten Philly-Szene, in der sie groß geworden sind, und begeben sich in neue Gefilde. In „Dogpile“ singt Gilbride einen Satz, den wahrscheinlich jeder alternde Punk unterschreiben würde: „By pure dumb luck I’ve gotten where I’m going.“ Dabei sollte man jetzt nicht einen kompletten Richtungswechsel erwarten: „Fall Into The Sun“ ist immer noch Punk und immer noch straight, aber der Sound hat sich dank der neuen Offenheit verändert. Die Mitglieder von Swearin’ haben sich in der vergangenen halben Dekade offenbar neu kennengelernt und neues Vertrauen ineinander gefunden. Gleichzeitig ist da natürlich immer noch die rotzige Lässigkeit und der feine Humor, der die Songs immer ausgezeichnet hat: Swearin’ machen immer noch ordentlich Lärm, aber jetzt viel bewusster. Das darf man gerne auf der kommenden Tour im Februar erleben, wenn Swearin‘ mit ihrem neuen Album für drei Shows zu uns kommen.

BLOODHYPE sind ein Indie-Kollektiv aus Berlin, bestehend aus Elmar Weyland, Erik Laser, Matt Mueller und Chris Kohl.
Alle Bandmitglieder arbeiteten schon vor ihrer gemeinsamen Band hinter den Kulissen von Musik und Fashion, schleppten als Roadies Amps auf die Bühne, waren als Musiker auf der ganzen Welt auf Tour, Bandmanager, Werbemusikproduzent in Japan oder Fashiondesigner in London und Madrid. Diese Erfahrungen trugen ihren Teil zum Klang der Band bei und ihre ersten Live-Termine gaben BLOODHYPEs Songs den letzten Schliff. Ihr Sound ist geprägt durch die Jugend in den 90ern: Videospiele, Steven Spielberg Filme, New Order, Talk Talk, Grunge und Stephen King Romane sind in die DNA der Musiker übergegangen. Verzerrte Synthesizer schmiegen sich an grungy Gitarrentexturen, der Mix irgendwo zwischen einem Science-Fiction Soundtrack und Seattle Garage Rock.
Auf der Bühne merkt man jede Sekunde, dass die Jungs wissen, was sie tun. Im Januar 2019 geht es für die Jungs auf ihre erste gemeinsame Deutschland Tour.

Die unbestrittenen Champions des Psych-Rock aus dem Nahen Osten keh- ren mit ihrem dritten Album „Transporter“ zurück!
Nach zwei Jahren auf Welttournee und über 150 Shows gingen Ouzo Ba- zooka vor Ideen und Inspiration sprudelnd zurück ins Studio, um eine Platte aufzunehmen, die wohl ihre beste Arbeit bis jetzt sein dürfte.
Verdächtig riechend nach einer Mischung aus verbotenen Substanzen und selbstgebrauten Tränken, schafft es „Transporter“ mühelos, viele Dinge zu sein, die sich im selben Universum widersprechen. Es ist psychedelisch und zugänglich. Es ist abenteuerlustig und freigeistig aber gleichzeitig gefüllt mit Hymnen, die nur darauf warten entdeckt zu werden, wie das optimistische aber schelmische „It’s A Sin“ oder „Space Camel“, der perfekte Sound- track für ein sinnsuchendes Wüstenabenteuer. Der Sound ist wiedererkenn- bar, aber gleichzeitig eine Ausnahme im und Erweiterung des kreativen Spektrums der Band.
Stilistisch ist das Album die Summe seiner Bestandteile; es verpflichtet sich den anatolischen Psych-Rock-Legenden der 70er, gepaart mit den wildes- ten Momenten des Surf-Rock sowie den Klängen des Ökosystems des Mitt- leren Osten, wo das Album seinen Ursprung fand. Aber irren sie nicht, „Transporter“ ist sein eigenes Monster – sprühend vor unzähmbarer Energie, raffiniertem Songwriting, wilder Instrumentierung und überwältigender, viel- schichtiger Produktion.
Man kann viel entdecken und erkunden, wenn sich das Album beim Hören entfaltet. Es führt einen durch feuchtwarme Seitengassen und dunkle, ver- rauchte Clubs. Es ist wie ein VIP-Hintereingang zu einer verbotenen und ver- schwitzten Party, wo Schleier entfernt, Laster getestet und geheime Sehn- süchte erfüllt werden. Gefüllt mit versteckten Schätzen macht das Album Spaß und ist erstaunlich positiv trotz der Intensität und der Schwere der Grooves. Vor allen Dingen aber ist es ein Meilenstein in der akustischen Reise von Ouzu Bazooka und ein episches neues Kapitel in der Bandhistorie!

Slothrust sind Songwriterin, Gitarristin und reuelose Ästhetin Leah Wellbaum, Schlagzeuger Will Gorin und Bassist Kyle Bann. Auf ihrem bereits vierten Album ›The Pact‹ (VÖ: 14. Sep) konstruieren Slothrust einen üppigen, ätherischen Kosmos, der von Wurmlöchern und magischen Schränken durchdrungen ist – und die geschickte Zusammensetzung verschiedenster Sounds deutlicher zum Ausdruck bringt als jemals zuvor. Wir dürfen uns auf energetische Konzerte freuen.

Ida Maes Magie liegt in der sensiblen und sinnlichen Verzahnung zweier schwer fassbarer Stimmen sowie der Intimität ihrer Songs. Ihre Chemie auf der Bühne ist keine dramaturgische Pose, es ist ein betörender Anblick, ihnen zuzusehen. Chris' Gesang erinnert an Steve Marriott oder den Rod Stewart der Faces-Ära, Stephanie kombiniert die feinen Besonderheiten einer Patty Griffin mit dem unangestrengten Rock-Aplomb von Alison Mosshart.
Wenn sie zusammen singen, ergibt sich oft eine ›wer ist wer-Dynamik‹. Wirklich selten und wertvoll, solche Stimmen – und erst Recht eine Kombination aus diesen.

“You shouldn't have a tough time finding the angle to Deportation Blues,” claims Brian ‘BC Camplight’ Christinzio. “The past few years have been a fucking nightmare.”
But what a fucking great record he’s made off the back of his nightmare. His second album for
Bella Union, Deportation Blues is an exhilarating, dynamic document of calamity and stress, relayed through richly melodic and bold arrangements spanning singer-songwriter classicism, gnarly
synth-pop, ‘50s rock’n’roll and various junctures between, mirroring their maverick creator’s jarred emotions and fractured mindset.
Though Christinzio points out “this is no redemption I-saw-the-light story,” he is allowing himself a little bit of hope for once: “I’ve never been as pleased with where I am artistically as I am right now.”
On top, his new band, “is phenomenal.” Alongside trusted drummer Dawson is Luke Barton (guitars, synths), guitarist Tom Rothery and multi-instrumentalist/ backing singer Ali Bell. Leading them is a man that a bartender in Manchester recently described as, “like Mozart and Tony Soprano had a kid." Brian Christinzio, and BC Camplight, genius and pain, may be here to stay at last.

Think of Death Valley Girls as an acid-tripping science experiment that’s been buried alive, and resurrected as a sexually liberated dystopian chain-gang. A cosmic scar, if you will, on the hills of Echo Park, where the experiment began in 2013 by proto-punk Bonnie Bloomgarden and guitarist Larry Schemel — who got lost in the desert, returned to their haunted garage in Echo Park, and pieced together their vision with shopworn images of sexploitation babes, a blood-soaked Iggy Pop, and Bloomgarden’s series of phantasms, the result of spending a year in a mental institution, where she planned her neon-glowing odyssey by listening to Black Sabbath and UFO, reading about alien conspiracy theories, and deriving her band’s moral compass from a line she saw in a movie:

“Everybody’s gotta be in a gang,” from campy sexploitation romp Switchblade Sisters (1975).
Next album out in October on Suicide Squeeze Records !

Im September haben Dilly Dally ihr neues Studioalbum „Heaven“ veröffentlicht und verstehen es darauf meisterlich, den Punk, die kämpferische Attitüde und den gelangweilten Schmerz ihrer Vorbilder aus den 80ern und 90ern zu einem großen Ganzen zu verbinden. Dilly Dally versprühen dabei den Vibe der Pixies, schreien die Wut von Hole heraus, durchleiden die Verzweiflung eines Kurt Cobain und klingen dabei so frisch und eigenständig, dass dieses Namedropping eigentlich gar nicht notwendig ist: Dilly Dally sind Dilly Dally. Anfang Oktober haben die KanadierInnen aus Toronto eine exklusive Show in Berlin abgeliefert, die nichts zu wünschen übrig ließ. Live sind sie ein wahres Monster: Katie Monks, die Sängerin, deren Organ irgendwo zwischen Kim Deal und rostigem Metal angesiedelt ist, schreit, heult und grummelt sich durch die Stücke. Liz Ball an der Lead-Gitarre reißt halb aggressiv, halb liebevoll ihre Riffs aus den Saiten. Die Rhythmusfraktion, bestehend aus Jimmy Tony am Bass und Benjamin Reinhartz an den Drums, verhindert dabei noch in letzter Instanz das Abrutschen in ein virtuoses Punk-Tohuwabohu. Was Dilly Dally auf der Bühne abliefern ist schon große Kunst. So muss Punk sein: erschöpfend, ausgiebig, angstfrei, aggressiv, leidenschaftlich und vor allem laut, roh und dreckig. Jetzt haben Dilly Dally bestätigt, dass sie im Februar zurückkehren und drei weitere Deutschlandkonzerte spielen werden.

Das neue Mothers Album „Render Another Ugly Method“ ist ein kleines, frickeliges Super-Monster geworden, auf dem sich das Bandprojekt von Kristine Leschper auf einer Doppel-LP so richtig austoben darf. Es ist ein Experiment und der Versuch, zwei Dinge auf einmal zu tun, an zwei Orten gleichzeitig zu sein, alleine etwas zu schaffen und gemeinsam zusammenzuarbeiten, weitläufig und trotzdem knapp zu denken, hier zu sein und dennoch Distanz zu waren. Ein Ding der Unmöglichkeit also, aber für Leschper kein Problem. Sie kennt sich aus mit Widersprüchen. Von Anfang war Mothers als Band angelegt, aber mangels Mitgliedern startete sie solo. Zusammen mit Matthew Anderegg (Schlagzeug), Drew Kirby (Gitarre) und Patrick Morales (Bass) erweiterte sie den Sound immer mehr, zunächst mit dem Debütalbum „When You Walk a Long Distance You Are Tired“ und jetzt mit der zweiten Platte, die ihre Hörer so richtig fordern will. Das vorab veröffentlichte „Pink“ gab schon die Richtung vor. Die Struktur des gut siebenminütigen Stücks könnte mit seiner repetitiven Kraft direkt dem Krautrock entnommen sein. Die langsam immer vertrackter werdenden Taktwechsel verwirren sich immer mehr und das handlungsarme, artifizielle aber doch unheimliche Video tun sein Übriges dazu, dass der Song eine unglaubliche Wirkung erzeugt. Für Leschper ist Musik facettenreich und genau deshalb gleichzeitig stark fragmentiert. Noise und Folk, Rock und Beats und vieles andere schließen sich hier keineswegs aus, sondern bilden die vielen Seiten eines geschliffen scharfen Edelsteins. Noisey hat das mal als „Progrock einer Singer/Songwriterin für erwachsene Emo-Kids“ bezeichnet. Das ist einerseits ein etwas hilfloser Versuch, etwas zu kategorisieren, was sich jeder Einordnung entzieht. Andererseits dürften Kristine Leschper und ihre Jungs diese Beschreibung wohlwollend akzeptieren: Sie ist so gut wie jede andere. Wie gesagt, Widersprüche kann man entweder aushalten oder man setzt sie bewusst als Mittel ein. Auf alle Fälle ist aus Mothers eine grandiose Band geworden, die weiß was sie will und das auch genial umsetzt – widerständig und aufregend. Im Februar kommen Mothers für drei Temine nach Deutschland.

Zwei Musiker treffen sich in einer Bar. Open-Mic-Session, ein paar Bier. Tom trifft Evan Beltran, der als „The Strangest“ von sich reden macht. „Gleiche Wellenlänge“ beschreibt nur annähernd, was dann passiert, die beiden sind musikalisch ein perfect match. Ihre kulturgeschichtlichen Idole sind die gleichen, sie haben die gleichen Ambitionen. Der mexikanische Gitarrist und der britisch-deutsche Songwriter entscheiden an Ort und Stelle, dass sie ab sofort als „TOM ALLAN & THE STRANGEST“ weiter machen. Tom hat die Songs, Evan die Licks, die Attitüde, den rauen Gitarren-Sound. Lederjacken tragen beide.

Gemeinsam haben sie ihr Debütalbum aufgenommen. Die Paten sind schnell benannt: Oasis, The Clash, The Libertines … aufgenommen in den “Clouds Hill Recordings” Studios in Hamburg; wie eben Peter Doherty, einer der Musiker, die Tom zu Beginn inspiriert haben. „Dear Boy“ ist der Titel des Albums. Es ist sehr, sehr gut geworden und ab 16.11.2018 überall erhältlich.

Tom Allan und Evan Beltran träumen davon, der Gitarrenmusik mit Energie, Melodie, Melancholie und vor allem mit Haltung wieder mehr Geltung in der Popwelt zu verschaffen. Zwei hochtalentierte junge Musiker und Texter, denen es gelingt, sich einiges vom Besten aus der jüngeren musikalischen Vergangenheit zu eigen zu machen, zu modernisieren und in die Gegenwart zu transportieren.

In naher Zukunft transportiert die 4-köpfige Live-Band ihr Album-Repertoire auf die Bühnen Deutschlands. Besucher des Reeperbahn Festivals 2018 werden sich erinnern, wie der Bahnhof Pauli aus allen Nähten platzte, als TOM ALLAN & THE STRANGEST die Bühne betraten – und abbrannten.

Madrid rockers Toundra started their journey in 2007. Their sound blends powerful riffs, beautiful deep melodies and intricate atmospheres, all wrapped up in elongated electric songs that emphasized their dangerous flammable live potential, and soon saw them develop into one of the most applauded instrumental acts in Europe. Within a record time they managed to release three albums independently, toured Europe, were featured at some of the most important festivals, including Primavera Sound & FIB, and eventually also managed to land a record deal with Superball Music in 2014. Their last album, 'IV' (2015), made it to an impressive #2 in the Spanish general charts and saw them tour Europe intensively with more than 150 shows in 18 countries, the band even made their first live appearance in the US. Championed as one of the best records of the year, crossing countries and border, ‘IV’ was eventually chosen as 'Album Of 2015' in Spain's influential Mondosonoro magazine. Now, in 2018, the band returned with their fifth album 'Vortex', via InsideOut Music. Marking a new beginning for this loud instrumental rock n roll gang that took them to the #4 of the Spanish Charts and have seen them touring Europe and Mexico, and festivals like MadCool, Low Fest. The album will surely be the most straight-forward, heart-stopping, earth-shaking album of the year.

Das Detroit-Punk-Hardcore-Experimental-Kollektiv kündigt seine erste Europatournee an, die am 16. Februar in den Niederlanden startet und über 12 Konzerte nach Dublin führt. Das aktuelle Album ›Only Love‹ bekam beste Kritiken von Meinungsmachern wie The Quietus, Pitchfork, Noisey, Stereogum und weiteren.
Ihre Liveshows lassen das Publikum sprachlos zurück – die schiere Gewalt in ihrem komplexen, polyrhythmischen Noise-Gewand pustet einem ordentlich die Trommelfelle durch. Den Gang zum HNO-Arzt kann man sich sparen. Kein Wunder, denn niemand geringeres als Converges Kurt Ballou hatte bei den Aufnahmen zu ›Only Love‹ die Finger an den Reglern, während Ben Koller (ebenfalls Converge) die Drums an die Grenze ihrer Leistungsfähigkeit brachte.
Muss man gehört haben, um es zu glauben – am besten live.

Announces New Studio Album Back To The City
The Atlanta, indie rock band, Gringo Start is thrilled to announce their new studio album, Back to The City, to be released on August 24th on Nevado Music. Today the band has unveiled the first single, “Easy.” CLICK HERE to listen exclusively on Culture Collide.

Peter Furgiuele, from the band says, “We really didn’t know exactly what we were gonna do when we got our buddy Dave to add some string melodies we had thought up for the song. We kind of hummed it out for him as best we could and when we heard the playback we were blown away and at that point we pretty much got him to play on every other track on the album. “

The album is the band offering another fresh take of garage, psychedelic and classic rock and roll, this time even offering strings. Back To The City is the first album recorded with Gringo Star’s newest secret weapon – Joshua Longino who help swap on guitars, bass, percussion and vocals with the Furgiuele brothers. As well a first with some lush strings by Dave Claassen.

Gringo Star are insouciant explorers, tossing the paddles overboard and drifting on the currents of their lackadaisical curiosity across a rippling sonic ocean, out to the far edges of rock & roll. Shots pulsing from a vintage Leslie speaker, their guitars, keys and vocals create the psychoactive ingredients of their echo-slathered, doo-wop-indebted indie gems; psychedelic garage bangers, gritty R&B shuffles and spaghetti western weirdness. Taking cues from Santo & Johnny, The Stooges, Ritchie Valens, Marc Bolan, Percy Faith, Sam Cooke, the men working on the chain gang—uh! ah!—they’re all here, their electric ghosts reaching across time, tapping Gringo Star on the shoulder like the crossroads devil to Robert Johnson, bestowing secrets, passing torches.

The band has toured relentlessly across the U.S. and Europe building a diehard underground following while sharing bills with everyone from Cat Power and Feist to The Black Angels and Weezer, and also touring with Wavves, Best Coast, And You Will Know Us By The Trail of Dead, The Orwells, and fellow Atlantans The Black Lips.

Das Quartett Rikas steigt endlich in den Ring. Nachdem die Jungs bereits als Warm up für Bilderbuch, Von Wegen Lisbeth, Milky Chance, AnnenMayKantereit, Parcels oder The Lemon Twigs für Furore gesorgt haben, sind die 4 jungen Hombres diesen Herbst selbst an der Reihe.
Latin, Surf, Indie, Pop, Bossa und Funk geben sich bei der ‚Swabian Samba’Tour 2019 die Hand und fordern durch lebensfrohe, catchy Beats zum Tanzen auf. Gepaart mit den wechselnden Hauptstimmen und durch die immer wiederkehrende Mehrstimmigkeit, entsteht eine ganz eigene Identität. Schnallt Euch an und sagt euren Schwestern bescheid, die MS Rikas steuert den Hafen an!

Im Frühjahr 2019 geht das Indierock-Quartett auf ihre bisher größte Tour. Das Album wird durch ausgetüftelte Kompositionen geprägt, die an den richtigen Stellen krachend ausbrechen und an anderen die Luft anhalten. Wuchtige Parts voller verzerrter Dissonanzen treffen auf zuckersüße Harmonien, kantige Indie-Parts und softe Pophappen. Love löst Distortion ab. Es ist ein bisschen wie im echten Leben. Begleitet werden Abay von der Band Giirl. Am 16. März 2019 präsentieren die Jungs ihre Songs live in Hamburg in der Molotow Skybar.

Fews kommen nach Deutschland um bei kleinen, aber äußerst feinen Auftritten die Songs ihres kommenden, neuen Albums „Into Red“ zu präsentieren, das Anfang März erscheinen soll. Darunter ist natürlich auch die jüngste Single „Paradiso“, die seit ein paar Tagen die Fangemeinde umtreibt. Erneut ist der Crew aus Kalifornien und Schweden ein gehöriges Postpunk-Monster mit einem taktverzögerten Riff, das sofort ins Ohr geht, gelungen. Dabei haben sich die Jungs für das neue Werk hörbar emanzipiert und neue Sounds entwickelt, die man so von dem Quartett noch nicht gehört hat. Man merkt jetzt, warum sie London verlassen haben und nach Malmö gezogen sind, um sich dort von der kreativen und äußerst lebhaften musikalischen Szene inspirieren zu lassen. Spätestens mit dem Erscheinen ihrer Debütplatte „Means“ (produziert von Dan Carey, der vorher bereits Bands wie Bat For Lashes, Franz Ferdinand und Toy unter seinen Fittichen hatte) im Jahr 2016 hat sich das Quartett in die erste Reihe der psychedelischen Postpunker gespielt. Die verzerrten und verhallten Gitarren, die treibenden Rhythmen und die reibenden und trotzdem glasklaren Stimmen sind die Markenzeichen der Fans von Zlatan Ibrahimovic – ein frühes Stück ist sogar dem schwedischen Fußballstar gewidmet. Jetzt kommt die neue Platte, mit der Fews bestätigt haben, dass sie im März für zwei Auftritte zu uns kommen.

Die POINTED STICKS haben sich 1978 in Vancouver gegründet und waren Teil der Punk Szene dort. Ihre Songs handeln von Mädchen und Herzschmerz, ihre Musik ist von Pop-Punk/New Wave Sound geprägt. Ihr absolut größter Hit ist "Out Of Luck", der auch von diversen Punk Bands gecovert wurde. 1980 spielten sie sogar einige Songs in dem Dennis Hopper Film "Out Of Blue". 1981 lösten sie sich auch schon wieder auf. Außer einer kleinen England Tour haben die Pointed Sticks nie in Europa gespielt. Deswegen ist es eine große Sensation, dass sie wieder auf Tour gehen und auch noch in Hamburg spielen.
Macht euch bereit für eines der einzigartigsten Meisterwerke der Popgeschichte überhaupt, in Originalbesetzung
Die Band feiert ihr 40jähriges Jubiläum und hat alle Hits im Gepäck, Out Of Luck, Real Thing, What Do You Want Me To Do, Lies, Somebody’s Mom, Marching Song, Part Of The Noise und viele andere mehr! Pointed Sticks seit 1978. Always fun. Always will be fun!

With a string of BIG hits behind them, STRAIGHT ARROWS are fast becoming one of this island’s most popular underground groups.
The Sydney band have spent their time honing their fresh reverb-laden, fuzzed out, psychedelic punk sound into scrappy perfection on their own terms, and in the process have gained a cult following and an outstanding reputation worldwide.
After spending the last while touring the UK/Europe, then hitting the USA with the OH SEES, their BRAND NEW chart-topper ‘OUT AND DOWN’ is their first single of 2018; an ode to a friend’s recent coming out, an invitation to celebrate, and sure to be the start of BIG things for the group

The Eskies sind eine einzigartige Band. Ihre Musik spiegelt eine Bandbreite von Walzer, italienischen Tänzen, blechbläsernen Trauermärschen bis hin zu Klezmer-Klängen wieder. Das Quintett aus Dublin tanzt sich mit seinem Publikum durch die dunklen Seiten von allem und hält mit dem ironischen Unterton stets die Waage zwischen melodramatischem Timbre und großartigem Spaß. Die fünf selbsternannten Outsider bringen diese unwiderstehliche Mischung aus Gipsy-Jazz, Folk noir, Shanties und anderen Stilen auf die Bühne und verbreiten ein schwitzendes, schreiendes Spektakel in den Ballrooms, Pubs und Kneipen weltweit. Mit ihren Songs stürmen sie in jeder Show immer am Rande der Erschöpfung entlang zur Ekstase. The Eskies feiern das Leben in all seinen finsteren und abseitigen Seiten auf fantastische Art und Weise, mit lauter Musik, mit Tanz und Trunk und allen anderen sinnlichen Gelüsten, von denen die katholischen Kirche in ihrer Heimat gar nichts hält. Im Winter erschien mit „& Don’t Spare The Horses“ das zweite Album der Iren, das erneut mit großen Songs aufwartet. Aber in Wahrheit muss man sie zusammen mit gleichgesinnten Brüdern und Schwestern im Geiste in einer schwankenden und tanzenden Masse live erleben und dabei das Leben in seiner Gänze feiern. Im Oktober geben uns The Eskies wieder einmal diese Gelegenheit.

A native of Toronto, Tess Parks moved to London, England at the age of seventeen where she briefly studied photography before dropping out and deciding to focus on music. Tess managed to make an impression on industry legend Alan McGee, founder of Creation Records, albeit the timing of their meeting could hardly have been less ideal; McGee was no longer involved in music and Tess was due to move back to Toronto.

After moving back to her hometown in 2012, Tess formed a band on the advice of Alan McGee and less than a year after their meeting, he returned to music with his new label, 359 Music. Tess became one of his first six signings and released her debut record Blood Hot in November 2013 to excellent reviews. One reviewer described her as "Patti Smith on Quaaludes". Others have mentioned her "gauzy psychedelic sound" and "smouldering voice". Alan McGee himself said: "She's only 24 and is already an amazing songwriter... she just doesn't quite know she is yet ... her most beautiful quality is her lack of ego. Tess is an amazing lady".

In February 2014, she began recording with Brian Jonestown Massacre frontman Anton Newcombe in Berlin and they completed their debut record 'I Declare Nothing' in autumn 2014. The record was released in June 2015 to stunning reviews and a series of sold out UK and European tours. Tess Parks continued to collaborate with Newcombe and co-wrote several songs for Brian Jonestown Massacre, including the title track of Brian Jonestown Massacre's EP 'Pish', and several songs on the albums 'Third World Pyramid' and 'Don't Get Lost'. In July 2017, they completed their self-titled second album 'Tess Parks & Anton Newcombe‘, which was released in October 2018.

Im Januar erscheint mit „Power Chords“ das vierte Album von Mike Krol - und es ist enorm umfangreich geraten: Mit 34 Minuten Laufzeit ist es rund doppelt so lang wie alles andere, was der Kalifornier bislang veröffentlicht hat. Der Titel ist ein Versprechen, das eingehalten wird: Die Vorabsingle „Little Drama“ beispielsweise entstand aus einer Herausforderung, die sich der Musiker selbst gestellt hat: „To make the simplest, most primitive ,rock riff‘ progression ever.“ Der gelernte Grafikdesigner rauscht also immer noch mit aller Kraft durch einen Indie-Garagen-Punkrock-Kosmos. Wobei ihm selbst diese Zuschreibungen nicht nur egal, sondern eher verhasst sind. Er sei zu Indie für Punker und zu Punk für Indie-Rocker, hat er einmal zu Protokoll gegeben, seine Debütplatte hieß „I Hate Jazz“, obwohl er sich hier mehr um eine Hassliebe handeln dürfte. Musik hat Krols Leben zerstört und dann wieder gerettet - so könnte man den Prozess umschreiben, den der Amerikaner durchgemacht hat. Immer und immer wieder. Fehler zu machen gehört zum Leben, und alle Fehler zu machen, die nur möglich sind: Das war schon immer seine Spezialität. Daraus schöpft er seine Kreativität, daraus entstehen seine Monster, seine Songs. „Power Chords“ ist das beste Album dessen, was man bei jedem anderen Künstler eine Karriere nennen würde und was bei Krol eine Verweigerung ist. Es ist schmerzvoll, voyeuristisch und wütend, gleichzeitig aber auch transzendent und zeitlos. Da wird der Musiker durch eine Kraft bewegt, die größer ist als er selbst, da spielen die titelgebenden Akkorde den Gitarristen und nicht umgekehrt. Das hört sich verrückt an und ist es auch. Aber es ist laut und knackig und rumpelig und unglaublich gut. Im April kommt Mike Krol mit seinen neuen Tracks für zwei exklusive Shows nach Deutschland.

Alles begann mit einem kleinen Jungen und seinem Traum. Wer will so einen Quatsch eigentlich noch lesen? Oder die verlogene Geschichte von dem Sänger, der seine alte Band verlässt, um seine eigene „Stimme“ zu finden und ein Soloalbum aufzunehmen, das wirklich „wichtig“ ist? Irgendwo zwischen der Häufung von Superlativen und dem Vergleich mit den Songs der Nach-Beatles-Zeit der Pilzköpfe döst das Publikum dann doch sowieso weg. Bis E.B. The Younger seine Debütplatte „To Each His Own“ auflegt. Da stellt sich heraus: Alles ist wahr und echt und wunderschön. Hinter dem Pseudonym steckt kein anderer als Midlake-Gitarrist Eric Pulido, auch bekannt aus dem Indie-Super-Group-Projekt BNQT, wo er zusammen mit Fran Healy (Travis), Alex Kapranos (Franz Ferdinand), Ben Bridwell (Band of Horses) und Jason Lytle (Grandaddy) und etlichen anderen befreundeten Musikern laut Selbstaussage „eine Art Traveling Wilburys für Arme“ betreibt. Jetzt also ist Pulido alleine unterwegs. Besser gesagt, er gibt diesem Projekt seinen Namen und sein untrügerisches Gespür für großartige Musik. E.B. The Younger ist ein unglaublicher Crooner, der Melodien aus dem Ärmel schüttelt wie Lennon und McCartney zusammen, der breite Arrangements vor uns ausrollt wie einen roten Teppich. Der völlig ironiefrei die pure Schönheit feiert und mit allen Stilen und Geschmäckern spielt um uns daran zu erinnern, dass die Welt zwar den Bach runtergeht, aber auch Rom nicht an einem Tage gefallen ist. Solange bleibt uns noch Zeit, diese zeitlose Platte zu feiern und im April das eine oder andere Konzert von E.B. The Younger zu besuchen

Cherry Glazerr veröffentlichten ihr letztes Album „Apocalipstick“ am Tag der Amtseinführung von Donald Trump. Das Selbstbewusstsein, das aus jedem Ton und jeder Zeile der Platte sprach, könnte es zum musikalischen Gegenentwurf der Politik der vergangenen zwei Jahre werden lassen: Teenagerin Clementine Creevy gründet eine Band, spielt Gitarre und singt - und löst damit alle Probleme der Welt. Das ungefähr war der Anspruch, wie die junge Frau heute offen bekennt. Weil die Erde bekanntlich noch immer nicht gerettet ist, könnte es genau so weitergehen, zumal Cherry Glazerr in der Zwischenzeit einen beachtlichen Erfolg hatten und für ihre große Platte und ihre überzeugenden Auftritte hymnisch gefeiert wurden. Es gab Auftritte mit Against Me!, The Breeders und Portugal.The Man sowie eine gemeinsame EP mit Psychic Temple. Doch die zweite Platte „Stuffed & Ready“ ist inhaltlich nahezu das Gegenstück zur ersten: Nach innen gewandt enthüllt Creevy Aspekte, die sie vorher versteckt hielt. Das bedeutete nicht nur, dass das Songwriting sich geändert hat, sondern auch, dass die ganze Band, derzeit bestehend aus Devin O'Brien am Bass und Tabor Allen an den Drums, auf einen neuen Weg gebracht werden musste. Oder um es mit ihren eigenen Worten zu sagen: „Auf ,Apocalipstick‘ habe ich gesagt, was ich denke, auf ,Stuffed & Ready‘ zeige ich allen, wer ich bin.“ Und das tut sie bei aller Introspektion immer noch mit diesem unbekümmerten Rock’n’Punk’n’Grunge’n’Pop-Gestus, der die Musik von Cherry Glazerr so meilenweit von anderen Musikern unterscheidet. Auf dem Album verstecken sich immer noch Bikini Kill, die Pixies, The B-52s und etliche andere, aber der Sound ist sehr viel grader und fokussierter als auf den vorherigen Veröffentlichungen. Die neuen Cherry Glazerr mögen nachdenklicher sein, aber sie haben immer noch genauso viel Power. Im April kommen sie zu uns auf Tour.

Sie spielte bereits bei bedeutsamen europäischen Festivals wie Roskilde, Primavera Sound oder auch Haldern Pop und war Anfang 2017 zuletzt auf Tour in Deutschland. Im April 2019 kommt Julia Jacklin zurück, um ihr am 22. Februar erscheinendes, zweites Studioalbum „Crushing“ bei vier Shows in Köln, Hamburg, Berlin und München zu präsentieren.
Ursprünglich aus den australischen Blue Mountains, wuchs sie mit Billy Bragg und Doris Day auf, sang als Kind in Musicals und begann mit Anfang 20 ihre eigenen Lieder zu schreiben. Ihr erstes Album „Don’t Let The Kids Win“ veröffentlichte sie 2016, das von der internationalen Presse begeistert aufgenommen wurde „impressive indie country debut from Australia.“ (The Guardian). Nach der Veröffentlichung tourte Julia Jacklin nahezu pausenlos. So entstand „Crushing“ während eben dieser fast zweijährigen Tourphase und wurde anschließend von Burke Reid (Courtney Barnett, The Drones) produziert.

Stella Donnelly has forged her way to the forefront of the new guard of songwriters in Australia. She has most recently achieved her own identity with the release of her first critically acclaimed EP Thrush Metal. The first song from the EP, Mechanical Bull, has spread like wildfire since Stella was recently Triple J’s Unearthed Feature Artist.
Her brutally honest lyrics combined with jazz-folk sensibilities will leave you feeling like you've known Stella all your life.

BLINKER aus Mannheim macht urbanen Indiepop. Nachdem er zuvor in diversen Punk- und Indie-Bands spielte, präsentiert sich der 25-Jährige von nun an solo. Rollende Beats und verhallte Gitarren bilden das Setting der Songs, mit denen BLINKER seine Geschichten erzählt. Quarterlife Krisen, Parfüm von Ex-Freundinnen und Kupfergeld sind die Themen, die sich darin wiederfinden - erzählt von BLINKERs charismatisch-tiefer Stimme. Ein Projektor, der bildgewaltig Kinoleinwände in den Köpfen seiner Zuhörer bespielt.

THE GRAND EAST:
Niederländisches Quintett beschwört die goldene Ära der Rockmusik
Im April 2019 erstmals auf Headliner Tour durch Deutschland

Während viele Bands sich schwer damit tun, ihre eigene Musik zu kategorisieren, haben The Grand East keinerlei Scheu, sich unter dem Label Rock’n’Soul einzuordnen. Was schlicht und ergreifend eine absolut zutreffende Umschreibung ist, denn ihr energiegeladener, bluesdurchtränkter Rock verbindet den SouthernGroove der Allman Brothers mit dem hypnotischen Sound der Doors sowie dem Storytelling eines Captain Beefheart oder Tom Waits.
Ihr Debut ›Movano Camerata‹ stieß in den Niederlanden auf euphorische Kritiken. So seelenvoll wie The Grand East ihren Sound zelebrieren, hat man lange keine europäische Rockband mehr gehört. Kein Wunder also, dass die Begegnung mit der Band besonders live zu ekstatischen Publikumsreaktionen führt: Anders als bei den meisten Rockbands stehen bei The Grand East alle Bandmitglieder am Bühnenrand, während ihr Frontmann, einem Baptistenprediger gleich, mit rauer Soul-Röhre voller Inbrunst den Blues singt, als habe er soeben seine Seele dem Leibhaftigen überschrieben.
Kein Wunder also, dass der Band in ihrer Heimat längst der Ruf als absolute Bühnen-Macht vorauseilt. Die Tournee zum Release ihres Debuts war nicht nur in Windeseile restlos ausverkauft, sondern geriet zu nicht weniger als einem Triumphzug durch die legendärsten niederländischen Rockclubs. Logischerweise durften The Grand East 2017 und 2018 auf keinem Festival in Benelux fehlen – und erweiterten ihre Fanbasis dadurch beträchtlich.

www.thegrandeast.nl
www.facebook.com/the-grand-east


COPPERSKY:
COPPERSKY is formed by three brothers that were born during Colombia’s famed, heated, and rural 80ties. They make 70ties based rock ‘n roll with a sound that is rooted in bands like Led Zeppelin, The Who, Pearl Jam, and Rival Sons, yet delivered with their own unique modern twist. The Zwart brothers moved to The Netherlands, settled in Utrecht, and found their drummer; the fourth member that completes the brotherhood and taught the Zwart’s to keep a steady pace.
In October 2013 they released their debut album; ‘relief, be around the bend’, and in March 2016 the well-received sequel; ‘If We’re Losing Everything’. Staying true to the three-year album cycle, they emerge with a third album that will be released on the 22nd of February 2019 by Hamburg-based Pop Up Records – backed by Karsten Jahnke Bookings for European bookings and Dox Live for bookings in The Nether- lands.
COPPERSKY’s third album is called Orbiter; an ode to their never ceasing, always evolving, journey as musicians and temporary travelers of this cosmos.
The title also showcases their awe for everything Sci-Fi. Orbiter reveals nine strong composed rock-songs – another quality of the group – that were produced by Pablo van de Poel (lead singer and guitarist of DeWolff). The brothers; Marty, Bo, Ray, and Erik, each have their own strengths. These form the basis for COPPERSKY’s authentic sound.
Lead singer Erik Zwart, often compared vocally to Eddy Vedder and Bruce Springsteen, uses his lyrical talents to craft poetical narratives that speak to the imagination. He is sided by guitarist Marty Zwart that uses Neil Young and Pete Townshend inspired rock riffs, and bass guitarist Robert-Jan Zwart – seemingly born of a romance between John Entwistle and John Paul Jones. Backed by the adventurous thundering drums of Ray Murphy – that delivers each moment
in the spirit of Keith Moon.
These qualities can be heard on their third full length album, Orbiter, and during the often-improvised sweaty rock shows.

It’s been 10 years since Craig Dyer titled his creative project, The Underground Youth, and started releasing his lo-fi psychedelic recordings for free online. Following the prolific output of 2009’s ‘Morally Barren’ and ‘Voltage’ and 2010’s ‘Mademoiselle’ and ‘Sadovaya’, a loyal fan base quickly developed and never stopped growing.
Fifth album ‘Delirium’ was released in 2011 and was to be the first release for the brand new independent record label, Fuzz Club Records. Following the release the label urged Dyer to assemble a live band and bring TUY’s music to the stage.
The live band has seen a number of changes over the years but having moved from Manchester to Berlin in 2016, is currently settled with Craig (Vocals, Guitar) Olya Dyer (Drums) Max James (Bass) and Leonard Kaage (Guitar).
Since the live band was assembled in 2012, TUY have been constantly touring Europe and the rest of the world, consistently selling out shows and receiving widespread praise for their festival performances. Everywhere the band seems to go, their cult following grows.
Since signing to Fuzz Club Records, TUY have released a further 3 LP’s, 2013’s ‘The Perfect Enemy For God’, 2015’s ‘Haunted’ and 2017’s ‘What Kind Of Dystopian Hellhole Is This?’ Bringing the total number of releases to 8 LP’s and 3 EP’s, along with live sessions, singles and special re-releases, TUY have not dropped the prolific level of output over their 10 year existence.
With a developing sound over the years TUY have crossed from their unique brand of darkly cinematic psychedelia to a raw and blisteringly noisy style of post-punk. The live shows of recent years have seen this sound develop and the band are currently in their studio in Berlin capturing this sound for what will be their ninth studio album.
Focusing as always on beautiful melodies and dark poetic lyrics, the subconscious of this new album is set to be penetrated by the raw energy and noise of the band’s current live shows. With the release of the new album due for early 2019, TUY are set for a release tour that will see them travel across numerous continents throughout the year.

It seems hard to believe, but the boys in Teenage Bottlerocket aren’t boys any more: They’ve been a band for more than 15 years, and have spread their pop-punk gospel across the world through a series of killer records like Total and They Came From The Shadows and an equally killer live show, one that is packed full of sing-alongs and circle pits. What’s really wild is that the whole thing all started thanks to a well-placed CD-R.
Despite the rise of social media and digital streaming services, Carlisle knows the best way to connect to music is through one-on-one connections like that—and this helped inspire the creation of Stealing The Covers, the Wyoming punk quartet’s new album, comprised of 14 songs all by bands Bottlerocket has encountered throughout their travels, from groups who share their same ZIP code to complete strangers who passed along a CD at a gig.
“The idea first came to light 10 years ago,” Carlisle says. As far as I can remember, my brother Brandon came up with the idea. We just thought, ‘Let’s do an album of doing songs by our friends’ bands.’ But some of these bands aren’t even our friends!”
“Most of our friends were just fuckin’ thrilled we were doing this,” the singer says.
After whittling down their original list of 32 covers to 14, the band—Carlisle, vocalist/guitarist Kody Templeman, bassist Miguel Chen and new drummer Darren Chewka—gathered at the Blasting Room in Fort Collins, Colorado, for eight days in early March to knock this record out alongside engineer Andrew Berlin (Descendents, Rise Against). This was the first time Bottlerocket had recorded together since the passing of Brandon Carlisle, the band’s original drummer and Ray’s twin brother, in late 2015, and the experience was as challenging as it was rewarding.
“It’s kind of complicated to jump into the studio and do a bunch of other people’s songs—changing keys to fit our voices, moving tempos around, running into stuff we wouldn’t have necessarily run into if we would have just written these songs ourselves,” Carlisle says. “A couple of the songs are weird. There are some songs we chose to do that were out of our comfort zone. But it was cool to go into the studio and take on this record together—everybody had their say. Darren started tracking his drums on Sunday, and he was done tracking his drums on Monday afternoon. He was a beast.”
The album will mark Bottlerocket’s return to Fat Wreck Chords after a brief but successful stint with Rise Records. As Carlisle tells it, there’s no place else the band would rather be.
“It’s almost as if we didn’t leave,” he explains. “We had everyone at Fat’s blessing to go to Rise in the first place, and we were really happy with the way everything worked out with Tales From Wyoming, but coming back to Fat is like being out of town and then coming back home. We just feel more comfortable on Fat Wreck Chords.
“It’s cool when Fat Mike texts me and says, ‘I fuckin’ love your new record. It’s better than your last two records.’ It’s like, ‘Awesome, Fat Mike. We didn’t write these songs,’” Carlisle says, laughing.
The band will support Stealing The Covers with a world tour this year, bouncing through Europe and Australia before landing back in the U.S., just in time for a prime slot at the Fest in Gainesville, Florida. Expect some of these covers to pop up in the band’s set, too—and maybe even some new originals.
“Kody and I have been writing a lot of songs, and we recorded two original songs recently as well for a new 7-inch out later this year,” Carlisle says. “We’re just gonna keep on rockin’ in the free world.”

Ilgen-Nur ist die Indiepopentdeckung des Jahres: Sie singt über Zukunftsängste und Unsicherheiten, aber auch über die schönen Dinge des Lebens: Fahrrad fahren. Die Augenringe einer Person, die man mag. Verschmierten Lippenstift tragen und sich trotzdem wohl fühlen. Sie verbindet lässig Indiepop mit Slacker-Rock-Attitüde und DIY-Ästhetik. Das erinnert mal an Kate Nash, mal an Kurt Vile, dann wieder an Courtney Barnett oder Girlpool.

2017 veröffentlichte Ilgen-Nur ihre erste EP „No Emotions“ auf Tape und dazu ein selbstproduziertes Musikvideo zu ihrem Song „Cool“. Damals ist sie gerade 21 geworden und aus der Nähe von Stuttgart nach Hamburg gezogen. Dort findet sie schnell Anschluss an die Szene: Paul von Trümmer spielt Gitarre in ihrer Band, Max Rieger von den Nerven nimmt die ersten Songs auf. Und die Reaktionen auf ihre Songs sind überschwänglich: 2018 geht Ilgen auf Tour mit Tocotronic und spielt auf hochkarätigen Showcase-Festivals wie dem Great Escape in Brighton, dem Reeperbahn Festival und auf dem Wavves Vienna.

Und in der Schublade liegen noch mehr Songs, die raus wollen an die frische Luft, die gehört werden sollen, alles Songs, die auch kleine heimliche Hits werden wollen, wie „Cool“ und „17“ es schon geworden sind. Um diese Songs vorzustellen, geht Ilgen im April 2019 auf ihre erste eigene kleine Tour. Die Zeit ist reif für eine gehörige Portion Lässigkeit im deutschen Indie-Game.

The Blinders geben England wieder eine Stimme.
Das Trio aus Doncaster, das seit einiger Zeit in Manchester lebt, ist Vorreiter einer neuen Bewegung, die von unten kommt und endlich wieder einmal dem Establishment mit Vollgas in die Fresse springt. „In your face“ ist das Motto bei allem, was die Jungs machen. Schon lange hat keine Band derart politisch agiert und der Gesellschaft den zerkratzten, halbblinden Spiegel vorgehalten. Dabei schöpfen The Blinders musikalisch aus dem Vollen und der kompletten Rock-Geschichte. Sänger und Gitarrist Thomas Haywood, Bassist Charlie McGough und Schlagzeuger Matt Neale haben sich alles angehört, was ihnen nur unter die Finger gekommen ist, von Black Sabbath, Led Zeppelin, Bob Dylan und The Who über James Brown, U2 und The Clash bis hin zu ihren aktuelleren Helden wie den Arctic Monkeys, Cabbage oder Strange Bones. All das haben sie zusammengetragen und in ihren Bluesrock-geschwängerten Hymnen mit Punkadelic-Attitüde und psychedelischen Lyrics verarbeitet. Das Destillat daraus ist „Columbia“, das Debütalbum, welches seit September das Vereinigte Königreich in Aufruhr versetzt. Das kann man insbesondere auch von ihren Auftritten sagen. Die britische Presse urteilte jedenfalls fasziniert bis überschwänglich: „Die aufregendste Live-Band des Landes“ (Sound Addict), „Sie sind das neue Gesicht, wenn es um Protest-Songs, wenn es um Wandel geht“ (Girls At The Rock Show), „Es ist nur eine Frage der Zeit bis sie die Weltherrschaft übernehmen“ (Foxes Magazine). Und auch ihr exklusiver Auftritt vor einiger Zeit in Hamburg hinterließ zahllose staunende, schwitzende und letztlich begeisterte Fans. Jetzt haben The Blinders bestätigt, dass sie im Frühjahr für eine Tour zurückkommen werden.

2019, let’s go! On the 2nd of May Dutch punk rock revelation Tusky will release their ‘Love Love Love EP’. Five brand new songs, four dedicated to love… and one to hate. Just to yin and yang the shit out of things.

“We recorded the EP over Christmas and we figured: “Fuck it, the world could use a bit of punk rock love.” Apart from that, there’s a Woodstock being held this year and we did not want to miss out on a summer of love!” As there’s no good without evil, we wrote a song about that too.”

2002 gründete Lukas Scherfey die Band in Kopenhagen. Dieses three piece Powertrio spielen Mod Rock, und sie sind beeinflusst von solch großartigen Bands wie The Jam, The Who und The Clash. Ihre
politischen Vorbilder sind Rosa Luxemburg und Karl Marx!
Sie tragen Anzüge. Denn der Mod Slogan: Clean living under difficult circumstances“ ist ihr Motto. Ihr Name steht für eben diese Bewegung, The Movement! Die Band hat sich zum Ziel gesetzt, die Jugend wachzurütteln und alles zu hinterfragen.
Es gibt eine neue Generation an Kids, die an politischen Fragen interessiert sind und die sich gegen die globalen Effekte des Kapitalismus und deren Mechanismen zur Ausbeutung, Kriegsführung und Unterdrückung wehren. Junge Leute suchen nach Wahrheit und Aufklärung in Zeiten der totalen Manipulation und Lügerei. The Movement widmet sich genau diesen Themen und unterstützt diese Bewegung!
Wer The Movement schon einmal live auf der Bühne gesehen hat weiß, wie unglaublich charismatisch und mitreißend ihre Bühnenperformance und ihre im Soul verwurzelten punkbeeinflussten Songs sind! Und eine neue Platte ist in Planung.