A fantastic last minute addition to Molotow's line up and very rare opportunity to see Rory Charles perform solo and also with his band The Age of Glass in the same evening.

Rory and his band are due to perform at Fusion festival so are stopping off in Hamburg to do a special warm up gig for us. Also in addition they will be joined by their great friends AROMA, a home grown hamburg outfit, who have had fantastic success this year with their single 'smile like a rainbow'.

PREOCCUPATIONS kündigen ihre Rückkehr im Jahr 2018 mit einem neuen Album inklusive Welt-Tournee an! Unnötig zu erwähnen, dass „New Material“ ihr bislang stärkstes, nun ja, Material, enthält. „New Material” umgibt eine düstere und zugleich anregende Aura, geformt von einer Band, die momentan wohl ihre bislang beste Zeit erlebt. Das Quartett hat das Album selbst aufgenommen und produziert, um es anschließend in die Hände von Justin Meldal-Johnson (M83, WOLF ALICE) zu geben, der das finale Mixing ihres Post-Punk Gebräus übernahm. PREOCCUPATIONS Sound war schon immer geprägt von ihren Erkundungen rund um das Düstere und Dystopische im breiten Spektrum der Rock-Musik. Dabei arbeiteten sie sich besonders an den Themen Kreativität, Zerstörung und Sinnlosigkeit ab. „New Material“ begibt sich nun komplett auf die dunkle Seite der Musik. Das Resultat ist eine Sammlung von Songs, die PREOCCUPATIONS‘ Standing im Genre untermauern. Sie sind nun wahre Meister ihres Fachs.

Auf das neue Album angesprochen, antwortet Leadsänger, Songwriter und Bassist Matt Flegel: „It’s an ode to depression and self-sabotage”. Ohne mit im Vorfeld Geschriebenes oder Aufgenommenes, geriet der Prozess des Album-Schreibens zu einer im wahrsten Sinne des Wortes Kollaboration aller Bandmitglieder. Nie zuvor waren alle Musiker so intensiv an der Entstehung beteiligt. „Finishing „Espionage” was when I realized, that I looked at the rest of the lyrics and saw the magnitude of what was wrong,” erläutert Flegel.

Das rastlose Brooklyn'er Post-Punk Quartett um Frontmann A. Savage ist bekannt dafür, sich mit jedem Album neu zu erfinden. Ihr sechstes Album ›Wide Awake!‹ macht hierbei keine Ausnahme. Inspiriert von Punk und Funk gleichermaßen, saß diesmal niemand geringeres als Brian Burton aka Danger Mouse im Produzentensessel, der bereits den Black Keys und gar den Red Hot Chili Peppers zu signifikanten Schritten in neues Klangterritorium verhalf. Herausgekommen ist ein frisches wie druckvolles Album, das geradezu danach schreit, live gespielt zu werden.

Auf die Frage hin, wie man ihre Musik am besten hören sollte, geben Strange Bones die einzig richtige Antwort. "Live!", sagt Bobby, Sänger und Guitarist der Band. "Loud!", fügt Will der Bassist noch hinzu. Die vier Jungs aus Blackpool, U.K., kennen sich schon aus Kindertagen und gründeten im zarten alter von 9 Jahren ihre erste gemeinsame Band. Inspiriert von Brit-Punk Größen wie The Clash, UK SUBS und Rancid, haben "Strange Bones" ihren ganz eigenen Stil entwickelt, den Sie besonders bei ihren Gigs sehr wörtlich nehmen. "OFF THE BONE!", nennt Bobby diesen Stil. Irgendwie stimmig, da er sich schon mehrfach bei Auftritten übel verletzt hat. Mit ihrem energetischen und hemmungslosen britischen IndiePunk, kommen "Strange Bones" am 07.07. nach Hamburg. Nicht verpassen!

Pallbearer’s third album, Heartless, is an inspired collection of monumental rock music. The band offers a complex sonic architecture that weaves together the spacious exploratory elements of classic prog, the raw anthemics of 90’s alt-rock, and stretches of black-lit proto-metal. Lyrics about mortality, life, and love are set to sharp melodies and pristine three-part harmonies. Vocalist and guitarist Brett Campbell has always been a strong, assured singer, and on Heartless, his work’s especially stunning. This may in part be due to the immediacy of the lyrics. Written by Campbell and bassist/secondary vocalist Joseph D Rowland, the words have moved from the metaphysical to something more grounded. As the group explains: “Instead of staring into to the void—both above and within—Heartless concentrates its power on a grim reality. Our lives, our homes and our world are all plumbing the depths of utter darkness, as we seek to find any shred of hope we can."

Pallbearer emerged from Little Rock, Arkansas in 2012 with a stunning debut full-length, Sorrow and Extinction. The record, which played like a seamless 49-minute doom movement, melded pitch-perfect vintage sounds with a triumphant modern sensibility that made songs about death and loss feel joyfully ecstatic. Pallbearer possessed what many other newer metal groups didn't: perfect guitar tone, classic hooks, and a singer who could actually sing.

For their 2014 followup, Foundations of Burden, the band worked with legendary Bay Area producer Billy Anderson (Sleep, Swans, Neurosis) for an expansive album that was musically tighter and especially adventurous. Armed with a more technical drummer, Mark Lierly, Foundations feels like it was built for larger shared spaces—you could imagine these songs ringing off the walls of a stadium. It was a hint of things to come. While the debut earned the band a Best New Music nod from Pitchfork and rightly landed the band on year-end lists at places like SPIN and NPR, along with the usual metal publications, Foundations of Burden charted on the Billboard Top 100 and earned the band album of the year from Decibel and spots on year-end lists for NPR and Rolling Stone.

Returning to where it all began, the quartet recorded their third full-length, Heartless on their own in Arkansas, and it’s grander in scope, showcasing a natural progression that melds higher technicality and more ambitious structures with their most immediate hooks to date. The collection, which follows the 3-song Fear & Fury EP from earlier this year, was captured entirely on analog tape at Fellowship Hall Sound in Little Rock this past summer and then mixed by Joe Barresi (Queens of the Stone Age, Tool, Melvins, Soundgarden).

From the gloriously complex, sky-lit opener “I Saw the End” to the earth-shaking (and heartbreaking) 13-minute closer “A Plea for Understanding,” the entire group puts forth the full realization of their vision: More than a doom band, Pallbearer is a rock group with a singular songwriting talent and emotional capacity. Heartless finds the group putting forth their strongest individual efforts to date: Campbell and Rowland, along with guitarist/vocalist Devin Holt and drummer Mark Lierly, turn in peak marathon performances. Both Campbell and Rowland also handle synthesizers alongside their normal duties, and there are plenty of gently strummed acoustic guitars amid the crunchy electric ones, adding a moody, ethereal spareness to the towering metal. The almost 12-minute “Dancing in Madness” opens with dark post-rock ambience and moves toward emotional blues before exploding into a sludgy psychedelic anthem. A number of the seven songs feature a humid rock swagger.

By fusing their widest musical palette to date, Pallbearer make the kind of heavy rock (the heavy moments are *heavy*) that will appeal to diehards, but could also find the group crossing over into newer territories and fanbases. After having helped revitalize doom metal, it almost feels like they’ve gone and set their sights on rock and roll itself. Which doesn’t seem at all impossible on the back of a record like Heartless.

Gegründet wurde die Band 1982 von Joe Queer (damals noch unter dem Namen Joe King) an der Gitarre, Tulu am Bass und als Leadsinger und Wimpy am Schlagzeug. War am Anfang noch Tulu für das Songwriting und den Gesang verantwortlich, übernahm Joe dann recht schnell diese Aufgaben. In dieser Frühphase war die Musik der Band noch stärker durch die US-Hardcore-Legende Black Flag beeinflusst und deutlich ruppiger. Erst später sollte sich der melodischere, und durch Beach Boys Harmonien beeinflusste, für die Band heute typische Bubblegum-Punksound herausbilden. Die Band spielte einige Konzerte und veröffentlichte ein paar Songs auf diversen Compilations und zwei 7 inches (Love me, 1982 und Kick out the Webelos, 1984) in Eigenregie. Doch nicht zuletzt wegen diverser Besetzungswechsel, zeitweiligen Auflösungen und der Einstellung, die Band sei ein reines Partyding, sollte es bis 1990 dauern, bis sie ihr erstes Album Grow Up auf dem kleinen englischen Label Shakin Street Records herausbrachten. Es erschien in einer 1000er Auflage und das Label machte kurz darauf Pleite. (Das Album wurde 1994 von Lookout Records wieder veröffentlicht.) Durch den Einfluss von Ben Weasel, Sänger der Punkband Screeching Weasel und Kolumnist des amerikanischen Kult-Fanzines Maximum Rock’n’Roll, bekamen The Queers einen Vertrag bei Lookout Records. Dort veröffentlichten sie im April 1993 das Album Love songs for the retarded in der Besetzung Joe Queer, B-Face (Bass), den sie auf einem Konzert von Social Distortion kennengelernt hatten, und Hugh O'Neill (Schlagzeug). Für die Produktion zeichnete Ben Weasel verantwortlich. Es folgten die Alben Beat off (1994), Move back home (1995) und der herausragende Klassiker Don’t back down (1996). Im Januar 1999 verstarb der langjährige Schlagzeuger Hugh O’Neil an einem Gehirntumor und B-Face verließ kurz darauf ebenfalls die Band, er spielte danach unter anderem bei den Groovie Ghoulies. Joe Queer ist seitdem die einzige Konstante im Queers-Line Up.

Die Band wechselte von Lookout zu Hopeless und dort erschienen die Alben Punkrock Confidential (1999), Beyond the valley of the assfuckers (2001) und Live in West Hollywood (2002).
2004 erschien das, bis heute letzte richtige Studioalbum Pleasant Screams, wieder bei Lookout. Zusammen mit The Manges brachten sie die Split CD Acid Beaters heraus, auf dem die Queers allerdings nur Coversongs spielen. Das aktuelle Line-up besteht neben Joe aus Phillip Hill (Bass), ehemals Teen Idols, und Lurch Nobody (Schlagzeug).

The Dirty Nil play rock and roll. Loud, distorted, and out of control, they play like it’s a fever they’re trying to sweat out. Reveling in the din of distorted guitars, pounding drums, and desperately howled vocals, the Hamilton Ontario three-piece makes music for turntables and hi-fi’s - music for dive bars and house parties - for beer drinking and joint smoking - for road trips and barbecues - for fighting and yelling and shouting and singing and screaming and howling - for sweating and bleeding - trying and failing and trying again anyways. Gravel-in-your guts, spit-in-your-eye, staggering, bloodthirsty rock and roll. They have two 7"s available that capture the snarl and destructive noise they create. The Dirty Nil play rock and roll - cause they couldn’t do a damn thing else if they tried.

Airways haben einen Grundsatz: „Rather die trying to make it than die not trying to make it! Do or do not, there is no try.“ Genauso ist auch die Band entstanden: Der britische Singer/Songwriter Jake Daniels war nach Los Angeles gereist, um dort sein Repertoire zu erweitern, und traf im Haus seines Managers auf den Schlagzeuger Brian Moroney. Die beiden jammten zusammen und beschlossen im Spaß, eine Band zu gründen. Zwei Monate später klingelte es an Daniels’ Tür in Peterborough, und da stand Moroney und war zu allem bereit. Zusammen mit dem kurzerhand engagierten Schulfreund und Gitarristen Alex Ruggiero und dem Bassisten Jamie Reynolds aus Birmingham gründeten sie Airways getreu dem Motto: einfach machen! Ein Jahr und die erste Single „Ghost Town“ später standen sie 2016 in Reading und Leeds auf der BBC Introducing Stage. 2017 erschien die Debüt-EP „Starting to Spin“ mit fünf Songs irgendwo zwischen den Arctic Monkeys, Jamie T, Cage The Elephant, Gorillaz und Circa Waves - Airways spielen einen zutiefst britischen Indie-Rock. Der Amerikaner Moroney wird diese Charakterisierung sicher verzeihen, zumal er mit seinem Spiel genauso zur Vielfalt des Sounds beiträgt wie Daniels mit seinem eigenwilligen Songwriting. Ihre Live-Shows sind übermütige und selbstbewusste Feiern, die bestimmt ihren Gutteil zur stetig wachsenden Popularität der Band beitragen. Bald bietet sich die Gelegenheit, diese Qualitäten auch bei uns live zu erleben: Am 27. Juli spielen Airways im Hamburger Molotow.

It I can be said, without any exaggeration, that The Real McKenzies are a national treasure. Founded in 1992 by the larger than life, punkrock poet laureate, Mr Paul McKenzie, this merry band of miscreants has spent a quarter century circumnavigating the globe to bring the McKenzies gospel to an ever-adoring throng of rebels, scallywags and ne’er do wells. There’s not many bands that can boast of a twenty five year career as staggeringly adventurous, wildly tempestuous and utterly death-defying as The Real McKenzies. It would be a serious mistake to write them off as just another Celtic punk band. They are an unstoppable juggernaut of touring mayhem. A ferocious troupe of insanely talented minstrels, storytellers and entertainers melding traditional acoustic and electric to create a sound like no other. Their list of accolades is long. From sharing the stage with the likes of NOFX, Rancid, Flogging Molly, Metallica and Shane McGowan to appearing in film, books
and video games to signing with the legendary Fat Wreck Chords, their story continues to astound.
And now, to celebrate their landmark twenty-fifth anniversary, The Real McKenzies return with their 10th and very best long-player to date. And that’s not hyperbole. This is an absolutely monumental giant of an album. "Two Devils Will Talk" is fourteen tracks of pure, unbridled audio bliss. The songs are rebellious, poignant and achingly heartfelt with an extra helpings of Scottish charm and wit to boot. The recurring and very timely themes of Two Devils Will Talk are hope, perseverance and living your life to it’s fullest. Opening track “Due West” is an anthemic epic about moving forward and never looking back, while “Seafarers” is a rollicking tale that deals with accepting the fact that you can’t change how the waves roll, only how you roll through them. There’s even a glorious cover of Stan Rogers’ “Northwest Passage” and a spectacular reworking of “Scots Wha Ha'e” (one of the first ever Real McKenzies recordings). “Two Devils Will Talk” sees a resilient, triumphant and defiantly hopeful band at the very top of their game.
You may be asking yourself; how do I get in on what will surely be the party of the century? Well, fear not true believers, The McKenzies' ship will be embarking on massive tours across USA , Europe and Canada to bring the celebration to a stage near you in 2017. So raise a glass, raise a fist, or better yet, raise a little hell for twenty-five years of The Real McKenzies, and another one still for many more happy years to come!
For fans of: The Dropkick Murphys, Flogging Molly, Gogol Bordello, The Pogues. What the press is sayin’
“The Real McKenzies are the rare outfit that improves with every album.” – Punknews
“...they've never strayed far from their unique blend of Scottish folk and Spirit of '77 punk rock. Much like Boston's Dropkick Murphys, there is ample bagpipe to be heard on any of The Real McKenzies' releases, which lends well to the band's ear for melody.” – Absolutepunk
“They’ve been busting out solid Celtic punk rock for over a decade, yet you’ll still find kids on the internet calling them out for ripping off bands like Dropkick Murphys and Flogging Molly, both of whom came out of the gates a few years after the McKenzies released their first album in 1996 and were doubtlessly influenced by the band’s sound and look.” – Exclaim Magazine
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“With just as many guitar licks as there are bagpipe melodies, The Real McKenzies have written thirteen songs that would get any punk crowd moving in a pit and make any old Scot raise a pint and smile.” – The Punksite

Mystic Braves sind im Hier und Jetzt, auch wenn man sie auf den ersten Blick in die Retro-Schublade stecken könnte. Nicht nur die Gestaltung der Cover der ersten beiden Alben („Desert Island“ 2014 & „Mystic Braves“ 2012) zeigen deutlich, dass die Band in den 70ies schwelgt, auch ihre Musik und ihr Habitus wurzeln stark in der Psychedelic-Szene, die schon Bands wie Tame Impala und die Temples verinnerlicht und zurück in die Zukunft gebracht haben.

Mit ihrem Album „Days Of Yesteryear“ (VÖ: 2015 | Lolipop Records) haben sich Mystic Braves auch zurück in der Vergangenheit weiterentwickelt. So könnte das Cover durchaus aus der Sammlung der musikalischen Ikonen The Doors stammen, sie experimentieren noch mehr mit exotischen Instrumenten, es wird rockiger, das Songwriting ist noch ausgefeilter; dabei verlieren sie aber nicht ihren unverkennbaren Stil. “Wir sind schon immer eine psychedelische Pop Band gewesen und wir bleiben dieser Linie treu“, bemerkt Bandgründer Julian Ducatenzeiler.

Nach einer eindrucksvollen und ausgedehnten Tour von der West- an die Ostküste der USA und darüber hinaus, ihres im Voraus ausverkauften Konzertes in der legendären West Hollywood Location Troubadour in ihrer Heimat Los Angeles und als Vorgruppe von The Zombies, waren Julian Ducatenzeiler (Gitarre, Gesang), Tony Malacare (Bass, Gesang), Shane Stotsenberg (Gitarre, Gesang), Cameron Gartung (Schlagzeug) und Ignacio Gonzalez (Orgel, Tambourin) nun schon zweimal innerhalb eines Jahres in Deutschland!

New York City's Unsane assisted in pioneering a more aggressive, less studied version of noise rock, one that blended the scum/art industrial sturm und drang of Foetus, the Swans, Einsturzende Neubauten, and Sonic Youth with a decidedly more straightforward hardcore idiom. While developing the blueprint for noise bands to follow, Unsane cut a remarkable swath through underground music, inspiring a devoted, cult-like following around the globe. As a power trio, Unsane relied upon a hammering, power-press rhythm section, a searing Telecaster howl, and distorted vocals that resembled a chainsaw cutting a steel beam.

20 years ago, a bunch of friends founded the first Turbojugend in St. Pauli. 20 years later, the Turbojugend consists of more than 2000 chapters from San Francisco to Tokyo and from Oslo to Melbourne with St. Pauli as the forever epicenter. Deathpunk tourists from all over the world know about the exceptional nightlife around the Reeperbahn and the beauty of the harbor. The annual highlight in the Turboverse are the Weltturbojugendtage, an event that is hard to put into words. Being around hundreds and hundreds of denim demons and meeting handsome sailor (wo)men from allover the world, is a unique experience and something that is bringing back Deathpunk tourists now for the 14th time.

To welcome the early birds and prepare them for all the shows which will take place during the weekend a Warmup-Show is probably the best way.

Therefore SKALLBANK from Karlstad in Sweden will present you their groovy Metal/Punk which also contains sleazy, melodic Stoner-Parts. Afterwards one of the most-wished acts fly-inn straight from Hadeland in Norway. THE GOOD THE BAD AND THE ZUGLY is a guarantee to make you sweat and let it rain inside. Better stretch your muscles in advance.

Am 23.09.2016 standen The Dunts das allererste Mal auf einer Bühne und haben seit dem die Bühnen Schottlands und Englands unsicher gemacht, knapp zwei Jahre später werden sie euch nun im Molotow umhauen.

Gerade im letzten Jahr ist der Punk von der jungen UK Generation neu aufgelebt worden und The Dunts gehören auf jeden Fall an die Spitze der neuen und aufregenden Gitarrenszene der Stadt.
Energiegeladene Gitarrenriffs und Punk Attitude verschafft der jungen Band aus Glasgow gehör.

Mit Bands wie Strange Bones, Cabbage oder Baby Strange kamen viele neue und alte Strömungen wieder auf und Punkrock wird gerade von jungen Bands wieder neu erfunden und gelebt.

Mit „Dimitri“ zeigen die jungen Schotten, wie viel trotz und mutwillige Gitarren man in nur 2 ½ Minuten verpacken kann. Eine lyrische Reise, die die Ekstase und spirituelle Stimutlation beschreibt. Von der Ankunft, dem Höhepunkt bis zum amnesischen Ende.
Doch auch die anderen drei Songs auf der Debut EP „Not Working Is Class“ zeigen, was die Band drauf hat und versorgen euch mit sehr viel Energie, harten Girarrenriffs und Wut.
Indie Punk vom feinsten, von dem ihr euch am 08.09. das erste, aber bestimmt nicht letzte Mal, auch außerhalb der Insel, überzeugen könnt.

Triggerfinger haben sich in den vergangenen Jahren zu einer mitreißenden Live-Band und einem Publikumsmagneten entwickelt. Sei es bei den großen Festivals wie dem Hurricane oder dem Southside, sei es in kleinen, mittleren und inzwischen auch schon ganz schön großen Hallen: Stets stehen Gitarrist und Sänger Ruben Block, Drummer Mario Goossens und Bassist Paul Van Bruystegem im Mittelpunkt des Interesses.

Die Belgier überzeugen mit ihrem Rock’n’roll-geschulten Sound und ihrer dynamischen Show. Die drei Vollblutmusiker beschreiben ihre Konzerte als „verrückten Gewittersturm“ und ihre Fans lieben sie dafür. Die Band, die Rock, Blues, Rockabilly und den Style von David Lynch in ihrem Sound vereint, kann verdammt laut und wild, aber eben auch etwas leiser und puristischer rocken, mit einer Leidenschaft und Lockerheit, wie man sie nur selten zu hören bekommt. Auf der Bühne zeigen Triggerfinger ihren Charakter. Jahrelang waren die Belgier auf Tour, haben in Clubs, Pubs, Hallen und auf Festivals gespielt und am unnachahmlichen, kompromisslosen Sound gefeilt. Jetzt sind sie eine grandiose, laute Rockband, die im nächsten Moment ein in sich gekehrtes Trio wird, das von den feinen Nuancen des Lebens spielt oder den puren Blues verbreitet. Im Moment arbeiten Triggerfinger an neuen Stücken (demnächst wollen sie mehr darüber verraten) und am 13. September kommen sie im Rahmen ihrer „Colossus“-Tour nach Hamburg ins Molotow.

The Ruts were a reggae-influenced British punk rock band, formed in 1977 at the height of the Punk revolution. They finally released their first single ‘In A Rut’ in early 1979 on the People Unite label . This 7” vinyl was much played and highly regarded by the UK BBC Radio 1 D.J, John Peel. From then on and over the years, the record rightly became what can be considered to be a Punk anthem.
There were more to follow, with the singles ‘Babylons Burning’,’ Something that I Said’, ‘Jah War’ (all from the debut album ‘The Crack’) and ‘Staring at the Rude Boys’, ‘West One’ (both featured on the album ‘Grin and Bear It’).The band were quickly established as a major force in U.K music, but by 1980, The Ruts were over.
The history and tragedy surrounding the band is much documented – see Wikipedia and the book Love in Vain.

1989: In einem kleinen, grünen Holzhaus in Tokio sitzt ein 6-Jähriger aus Süddeutschland und hört zum ersten Mal in seinem Leben Public Enemy. Aufgelegt von seinem großen Bruder auf dessen Billig-Plattentellern im gemeinsamen 12qm Kinderzimmer. Schnitt. 29 Jahre später ist dieserJunge aka JUSE JU selbst eine Größe in der deutschen Indie-Rapszene im Dunstkreis von der Antilopen Gang, Fatoni, Dexter und Edgar Wasser. Am 16.März erschien JUSE JUs neues Album „Shibuya Crossing“. Sein erstes richtiges Album. Die Quintessenz seiner wechselhaften Geschichte und Weltsicht. Die Produzenten der Platte (Dexter, Torky Tork, Yourz u.a.) kombinieren 2017er Grooves mit dem warmen Klang von Samples und echten Instrumenten. So schaffen sie einen State of the Art Sound, der sich von der Bi-Polarität von Trap-Synthie-Sound und klassischem Boom Bap in Deutschland absetzt. Und Juse tut auf diesen Beats Unerhörtes: Im Omnipotenz-Becken Deutschrap rechnet er unironisch mit seinem eigenen, unfairen Verhalten gegenüber Frauen ab (Lovesongs). Positioniert sich klarpolitisch (Propaganda feat. Danger Dan). Und arbeitet schonungslos die eigene Familiengeschichte auf (Shibuya Crossing). Juse lässt Introspektiven zu, die man sich einer höher-reicher-besser Szene eigentlich nicht erlauben kann. Die bissige Ironie und Battleattitüde der Vorgänger-Mixtapes wird um ein offenes Visier erweitert.

Mit dem aus Dallas stammenden und in Nashville lebenden Sänger und Multiinstrumentalisten Conner Youngblood erhält das Singer-Songwriter-Genre eine neue, fulminant instrumentierte Färbung. Von Folk-Größen wie Bob Dylan und Elliott Smith ebenso beeinflusst wie durch die Gorillaz, findet in Youngbloods Sound die Simplizität des Akustischen auf eine höchst spielerische Weise zusammen mit elektronischen Versatzstücken und einer signifikant eigenen Instrumentierung.

Zu hören ist dies auf bislang drei digital erschienenen EPs, von denen die besten Songs als Vinylplatte über das Ninja Tune-Tochterlabel Counter Records unter dem Titel ›Generation of Lift‹ veröffentlicht wurden. Zuletzt konnte man ihn im Vorprogramm auf der Europa-Tour von Aurora erleben, am 9.Oktober kommt Conner Youngblood zu uns ins Molotow!

THE SONICS are back! Das sensationelle, brandneue Album der legendären 60“s Fuzzpunk- / Garage-Rock- Pioniere feat. JERRY ROSLIE, LARRY PARYPA und ROB LIND(Originalmitglieder) plus FREDDIE DENNIS (THE KINGSMEN, THE LIVERPOOL FIVE) und DUSTY WATSON (DICK DALE, AGENT ORANGE). Produziert von JIM DIAMOND (THE WHITE STRIPES,THE DIRTBOMBS). “This Is The Sonics” erschien Ende März 2015.

In den frühen sechziger Jahren in Tacoma, Washington gegründet, waren THE SONICS zu Beginn noch den instrumentalen Rock“n“Roll-Klängen verpflichtet, bevor sie kurze Zeit später mit ihrem aggressiv übersteuerten (und visionären) Garage-Rock die amerikanische Musikszene lautstark erschüttern sollten. Nach ihrem 1964 veröffentlichten Singledebüt “The Witch”, das unmittelbar zu einem lokalen Hit avancierte und der Band landesweite Tourneen mit den BYRDS, KINKS und BEACH BOYS bescherte, ging es Schlag auf Schlag für das Quintett. Es folgten weitere Fuzzmonster (über Autos, Mädchen, Surfen, Drogen und Horror) wie “Psycho”, “Boss Hoss”, “The Hustler”, “Don`t Be Afraid Of The Dark” oder “Strychnine” sowie drei Maßstäbe setzende Longplayer (“Here Are The Sonics”, “Boom”, “Introducing The Sonics”), die das Genre bis in die heutige Gegenwart definieren. So verwundert es nicht, dass die bekanntermaßen exzessiv performende Formation als inspirative Vorreiter sowohl der Punk- als auch der Grunge-Bewegung gelten und dabei von nachfolgenden Bands wie CRAMPS, DEAD BOYS, FUZZTONES, MUDHONEY, NIRVANA, WHITE STRIPES, FLAMING LIPS oder EAGLES OF DEATH METAL als Vorbilder genannt wurden.

Ende der sechziger Jahre war dann erstmal Schluss mit den Bandaktivitäten, doch ungeachtet dessen wurden ihren Platten mit schöner Regelmäßigkeit wiederveröffentlicht, blieb ihr Legendenstatus nicht nur unangetastet, sondern wuchs vielmehr stetig. 2007 kam es dann für einen Auftritt in Brooklyn / New York zu einer gefeierten Live-Reunion der Originalbesetzung, der weitere Gigs und Festivalshows (Muddy Roots Music, Primavera Festival, Sjock, Azkena Rock) nachfolgten, darunter auch ein Konzert im Berliner SO 36 (2012). Sensationellerweise warten die Garagenrock-Pioniere jetzt nach fast fünfzigjähriger Veröffentlichungsauszeit mit einem brandneuen Studioalbum auf. Eingespielt von den drei Gründungsmitgliedern JERRY ROSLIE, LARRY PARYPA und ROB LIND sowie hochkarätig verstärkt von dem Rhythmusteam FREDDIE DENNIS (THE KINGSMEN, THE LIVERPOOL FIVE) und DUSTY WATSON (DICK DALE, AGENTORANGE), schließen die Musiker dabei mit “This Is The Sonics” – das auf dem bandeigenen Label Revox erscheint – nahtlos an ihre früheren, musikalischen Großtaten an. Produziert wurden die zwölf Tracks (im gloriosen Mono-Mix) von JIM DIAMOND (THE WHITE STRIPES, THE DIRTBOMBS).

Freitag, der 16. Kein Datum für eine gepflegte „Ich-bleib-heute-Bett“-Haltung aus Gründen der Furcht vor Ereignissen, die einem übel aufstoßen könnten. In Wahrheit geht die Kombi eher in Richtung belanglos, wäre es nicht der 16. März 2018. Denn eben jener Tag markiert die überaus wahnwitzige Rückkehr der Hot Snakes! HOT WER? Ok, wir geben es zu, 14 Jahre sind eine halbe Ewigkeit in einem schnelllebigen Business und in einer noch schnelllebigeren Zeit.

Rock-Connaisseuren mit Langzeit-Gedächtnis sind Hot Snakes selbstredend noch ein Begriff, alle anderen mögen sich aus Gründen der Kurzfassigkeit bei Wikipedia darüber informieren, welche Fußspuren John Reis und RickFroberg im Schneegestöber der Rockgeschichte hinterlassen haben. Zur Auffrischung seien hier nur Namen wie Rocket from the Crypt, Drive Like Jehu, Obits oder The Night Machers. Und eben Hot Snakes.

„Jericho Sirens” heißt nun der Anlass ihrer Rückkehr, es ist ihr insgesamt viertes Album und es ist im wahren Satzsinne ein wahrhaftig lang Erwartetes. Insgesamt zehn Songs brachten die Rückfalltäter aus San Diego dazu, wieder eine Studio-Tür einzutreten und ihre Version von Punk Rock von Sub Pop (Who else?) auf CD/LP/DL/CS bannen zu lassen. In guter, alter DIY Tradition nahm das Quintett das Album selbst auf, benutzte dabei fast das ganze Jahr 2017 und quartierte sich dafür sowohl in Philadelphia als auch in San Diego ein. Dort wurde das Album dann auch von den Schlangen selbst produziert.

Eigentlich ist es eine klassische Rock‘n’Roll-Story. Gegründet von den Schulfreunden Oska Wald (Gitarre/Gesang), Jiles (Schlagzeug), und Lorenz O’Tool (Gitarre/ Gesang), wurden Chuckamuck schon als Teenager bei Staatsakt unter Vertrag genommen und produzierten 2009 ihre ersten Singles, 2011 die erste LP “Wild for Adventure”, und danach einen konstanten Strom von EPs. Dazu natürlich die Touren, der Rock'n'Roll Exzess, die zerstörten Hotelzimmer, alles Drum und Dran was man von einer jungen Rock'n'Roll Band im Rausch ihres ersten Erfolges erwartet. 2013 kam die zweite LP “Jiles”, 2014 die “Im Knast” EP und dann – Funkstille: eine nachdenkliche Pause.

Chuckamuck kennen sich mit der Rock'n'Roll Tradition aus. Eine Band, die sich im Spirit von Chuck Berry und nach einem Song von King Khan benannt hat, kann man nicht vorwerfen, mit der Geschichte ihres Genres nicht vertraut zu sein. What Would Neil Young Do? Die Jungs wussten genau was kommen musste: es war Zeit introspektiv zu werden und aufs Land zu ziehen. Es war Zeit sich selbst aufzunehmen, und das Resultat als “self-titled” Album zu veröffentlichen. Kurzum, es war Zeit für die dritte LP, welche im September 2017 auf dem Staatsakt-Label erschienen ist.

Nun gehen Chuckamuck wieder auf Tour – mit alten und auch ganz neuen, bisher unveröffentlichten Songs, unterwegs im neuen Van, mit neuem Bandmitglied Amit an Orgel und Bass. Dieses Spektakel sollte man sich nicht entgehen lassen!

The Vintage Caravan existieren nun schon seit zwölf Jahren. Die Mitglieder waren allerdings im Gründungsjahr 2006 gerade mal 12 Jahre alt. Und ernst wurde es für das Trio aus Reykjavik sowieso erst 2009. Als die Jungs 2012 bei ihrem ersten Festival auftraten, mussten noch ihre Eltern mitkommen, damit sie überhaupt in die Halle durften. Nach ihrer triumphalen Performance wartete bald darauf das Wacken Open Air auf die drei, und Nuclear Blast nahm sie unter Vertrag. 2011 wurde das selbstbetitelte Debüt veröffentlicht, die zweite Platte, „Voyage“, folgte Anfang 2014. Auf ihrem Drittwerk „Arrival“, welches 2015 erschien, zeigt sich das isländische Trio mit einer unglaublichen Reife, die man eher bei Bands vermutet, die bereits Dekaden in verrauchten Backstage-Räumen und schalem Bier hinter sich haben. Zwischen relaxten Nummern, blues-triefenden Burnern, deftigen Schwergewichtsdrums, psychedelischen Wirbelwinden und süßen Balladen brillieren die drei jungen Musiker ganz wie ein paar alte Hasen. Hinzu kommt die Leidenschaft für die Rocklegenden der 70er, sowohl instrumental als auch gesanglich. Die Isländer sind für ihre energische Bühnenperformance bekannt und waren in den vergangenen Jahren sehr aktiv. Inzwischen haben The Vintage Caravan ein Durchschnittsalter von rund 24 und arbeiten an einer neuen Platte, die im August erscheinen soll. Und natürlich gehen die heißen Isländer anschließend wieder auf Tour: Im Oktober kommen The Vintage Caravan, um uns mit klassisch bluesigem und rifflastigem Hardrock so richtig von den Beinen zu holen.

Aus Manchester kommen nicht nur die gerade sehr erfolgreichen Indie-Rocker The 1975, sondern seit kurzem auch die Newcomer-Band Pale Waves. Seit etwa zwei Jahren machen Sängerin Heather, Schlagzeugerin Ciara, Gitarrist Hugo und Bassist Charlie zusammen Musik. Doch die beiden Bands vereint mehr als nur ihre gemeinsame Heimatstadt, die aufgrund ihrer lebendigen Musikszene auch „Madchester“ genannt wird. Matty Healy, Frontmann von The 1975, ist überzeugter Pale-Waves-Fan der ersten Stunde und unterstützt die Band, wo er nur kann: als Support nahm er Pale Waves mit auf Tour, führte Regie bei ihren Musikvideos und war sogar als Produzent an Songs wie „There’s A Honey“ und „Television Romance“ beteiligt.

Im März erschien endlich – nach mehreren Singles - ihre Debüt-EP „All The Things I Never Said“. Im Sommer soll dann ein Longplayer folgen. Die Band ist sehr ehrgeizig und extrem überzeugt von dem, was sie macht. Daher haben sie es sich zum Ziel gesetzt, nicht nur ein Nummer Eins-Album zu produzieren, sondern auch eigene, ausverkaufte Touren zu spielen. Im Oktober sind Pale Waves erneut in Deutschland auf Tour.

"Radio Birdman, one of the pioneers of the high energy rock 'n' roll scene will be playing a limited number of European shows this coming June/July. These shows will be a unique opportunity to catch this legendary Australian underground band whose flame has influenced a multitude of current contenders under the banner of 'punk rock'.

The band have recently reissued their formidable back catalogue in a CD box set, the contents of which will soon be available as standalone CDs. Their LPs are also being reissued. Two (including a previously unreleased live double LP recorded in 1977) have already seen light of day and it is expected the remaining two will be available by the time the band tours.

The band features original members Rob Younger, Deniz Tek, Pip Hoyle along with long time bassist Jim Dickson. Nik Rieth (drums) and Dave Kettley (guitar) have recently been added to the line-up."

May 4, 2018 – Australian born and self-described vagabond Stu Larsen and Japanese harmonica player Natsuki Kurai released their second EP together, aptly titled Stu Larsen & Natsuki Kurai II.

Nearly eight years ago, Natsuki and Larsen met in the middle of Tokyo and quickly connected with each other. “I spoke no Japanese and Natsuki didn’t speak English so we found we had to communicate in other ways. We both agree that this allowed us to form a deeper connection, without words,” says Larsen. Since then, they’ve continued traveling back and forth from Australia to Japan, playing shows and festivals along the way.

The 4-song EP includes two original tracks – “My Poor Father” and “Hajimari” – but, also two reinterpretations of tracks from Larsen’s last album Resolute – “Chicago Song” and “Going Back To Bowenville.” Natsuki adds a swagger and energy to Stu’s observations on life from his travels.

“Everywhere I go, I tell people about Natsuki and how amazing he is as a person and also as a musician, but it's not until people see him with their own eyes that they truly understand what this man is capable of. It's one of my favorite things in the world, to play shows with Natsuki and watch the crowd fall in love with him each night,” adds Larsen.

Ein Livealbum im Stile von Pink Floyds „Live At Pompeii“ zu machen – ganz ohne Publikum, dafür mit den Vorteilen der Moderne, das schwebte dem Powertrio „Mother’s Cake“ für ihr zweites Livealbum vor. Die Idee für die Location war wagemutig und logisch zugleich: Der Bergisel, die legendäre Skisprungschanze im Herzen ihrer Tiroler Heimat. Mitte Jänner, bei minus zehn Grad Celsius musizieren Yves Krismer, Benedikt Trenkwalder und Jan Haußels wie in Trance ein 45-Minuten-Set herunter. Unterstützt von Drohnenkameras, beeindruckenden Visuals, grafischen Projektionen und einer einzigartigen Naturatmosphäre aus dem Herzen der österreichischen Bergwelt.
„Live At Bergisel“ ist nach drei Studioalben, weltweiten Touren und einer Amadeus-Nominierung die bisherige Krönung im Bandkosmos. Es zeigt Mother’s Cake mit Freude am Tun in ihrem natürlichen Habitat – der Bühne. Dort, wo die einzigartige Karriere der rockenden Stilverweigerer vor knapp zehn Jahren in Fahrt kam. Dort, wo noch so viel zu spielen und zu erreichen ist. Abseits vom Glitzer und dem Glamour einer sich selbst feiernden Industrie feiern Mother’s Cake auf dem schneebedeckten Bergisel lieber die Kraft der Musik und ihre unumkehrbare Passion für die mysteriöse Welt der Klänge. „Live At Bergisel“ fasst die Essenz der Band kompakt und aussagekräftig zusammen.
Fröwein Robert

Mit einer zeitgemäßen Version des ursprünglich aus dem Punk der frühen 90er stammenden DYI-Gedankens haben sich Rainbow Kitten Surprise innerhalb weniger Jahre und ohne jede professionelle Hilfe seitens der Musikindustrie in den USA eine landesweite Fanbasis erspielt. Ihre Songs wurden auf den digitalen Musikplattformen bislang rund 80 Millionen Mal angehört, auf ihrer ersten Headline-Tournee quer durch die Staaten spielten sie 45 ausverkaufte Konzerte. Nach vier Jahren und zwei Alben, mit deren Hilfe sie sich aus dem Untergrund Gehör verschafften, erschien nun am 6. April mit ›How To: Friend, Love, Freefall‹ ihr drittes Album, das erstmals in Kooperation mit einer großen Plattenfirma vertrieben wird. Derzeit spricht man in den USA davon, dass Rainbow Kitten Surprise das Zeug dazu haben, die neuen Mumford & Sons zu werden, auch deshalb, weil ihre Live-Shows geradezu als Erweckungserlebnis des Indie-Folk-Rock gefeiert werden. Einen ersten Eindruck davon kann man sich hierzulande im November machen, wenn das Quintett für zwei Konzerte in Hamburg und Berlin zu uns kommt.

Es ist so weit: Rolling Blackouts Coastal Fever veröffentlichen Mitte Juni ihr Debütalbum „Hope Downs“. Nach den ersten beiden EPs „Talk Tight“ und „French Press“ wurde es lange und ungeduldig erwartet. Benannt hat es die australische Band aus Melbourne nach einer riesigen Tagebau-Mine in der australischen Wüste, aus der Eisenerz gefördert wird. Tatsächlich beschreibt es aber auch den inhaltlichen Schwerpunkt der Platte. Über ein Jahr lang hat die Band in ihrem Proberaum am Album gearbeitet. Währenddessen sickerte so viel von außen in den Songwriting-Prozess ein, dass es sich irgendwann nicht mehr verleugnen ließ. Die Welt sei in dieser Zeit so viel verrückter geworden, so viele Ansichten und Menschen seien aus den Fugen geraten, sagte Gitarrist und Sänger Tom Russo über ihre gemeinsame Arbeit, „darum haben wir unsere Songs geschrieben wie eine Sammlung von Postkarten, in denen wir aus der Sicht einfacher Charaktere versuchen, die großen Dinge zu erklären“. Das hört sich schwerer an, als es am Ende wirkt: Das Schreiber-Trio Russo, Fran Keaney und Joe White, bringen es auf entspannt-australische Art auf den Punkt - und musikalisch kommt das sowieso ziemlich easy daher. Der coole Indie Rock, durchaus ein wenig vom Surf eines Dick Dale beeinflusst und mit einem poppigen Charme versehen, geht direkt in die Beine und sitzt auf derselben luftigen Wolke, auf der auch schon andere Aussie-Künstler geschwebt sein müssen: Der Sound von Rolling Blackouts Coastal Fever ist geprägt von der Unnachgiebigkeit von Radio Birdman, der Pop-Alphabetisierung der Go-Betweens und der ungestümen Energie der Easybeats, geteilt durch den Glauben von Courtney Barnett, dass Gitarren nicht nur entscheidend für die Botschaft sind, sondern auch sehr gut die Botschaft sein können. Lockere Hooks, catchy Gitarre, feine Melodien und intelligente Lyrics, die die witzige Weisheit der Australier wieder einmal unter Beweis stellen, kennzeichnen die Klangwelt. Im August spielen die Australier in München eine exklusive Show, jetzt haben sie bestätigt, dass sie im November für zwei weitere Shows erneut nach Deutschland kommen werden.