It seems hard to believe, but the boys in Teenage Bottlerocket aren’t boys any more: They’ve been a band for more than 15 years, and have spread their pop-punk gospel across the world through a series of killer records like Total and They Came From The Shadows and an equally killer live show, one that is packed full of sing-alongs and circle pits. What’s really wild is that the whole thing all started thanks to a well-placed CD-R.
Despite the rise of social media and digital streaming services, Carlisle knows the best way to connect to music is through one-on-one connections like that—and this helped inspire the creation of Stealing The Covers, the Wyoming punk quartet’s new album, comprised of 14 songs all by bands Bottlerocket has encountered throughout their travels, from groups who share their same ZIP code to complete strangers who passed along a CD at a gig.
“The idea first came to light 10 years ago,” Carlisle says. As far as I can remember, my brother Brandon came up with the idea. We just thought, ‘Let’s do an album of doing songs by our friends’ bands.’ But some of these bands aren’t even our friends!”
“Most of our friends were just fuckin’ thrilled we were doing this,” the singer says.
After whittling down their original list of 32 covers to 14, the band—Carlisle, vocalist/guitarist Kody Templeman, bassist Miguel Chen and new drummer Darren Chewka—gathered at the Blasting Room in Fort Collins, Colorado, for eight days in early March to knock this record out alongside engineer Andrew Berlin (Descendents, Rise Against). This was the first time Bottlerocket had recorded together since the passing of Brandon Carlisle, the band’s original drummer and Ray’s twin brother, in late 2015, and the experience was as challenging as it was rewarding.
“It’s kind of complicated to jump into the studio and do a bunch of other people’s songs—changing keys to fit our voices, moving tempos around, running into stuff we wouldn’t have necessarily run into if we would have just written these songs ourselves,” Carlisle says. “A couple of the songs are weird. There are some songs we chose to do that were out of our comfort zone. But it was cool to go into the studio and take on this record together—everybody had their say. Darren started tracking his drums on Sunday, and he was done tracking his drums on Monday afternoon. He was a beast.”
The album will mark Bottlerocket’s return to Fat Wreck Chords after a brief but successful stint with Rise Records. As Carlisle tells it, there’s no place else the band would rather be.
“It’s almost as if we didn’t leave,” he explains. “We had everyone at Fat’s blessing to go to Rise in the first place, and we were really happy with the way everything worked out with Tales From Wyoming, but coming back to Fat is like being out of town and then coming back home. We just feel more comfortable on Fat Wreck Chords.
“It’s cool when Fat Mike texts me and says, ‘I fuckin’ love your new record. It’s better than your last two records.’ It’s like, ‘Awesome, Fat Mike. We didn’t write these songs,’” Carlisle says, laughing.
The band will support Stealing The Covers with a world tour this year, bouncing through Europe and Australia before landing back in the U.S., just in time for a prime slot at the Fest in Gainesville, Florida. Expect some of these covers to pop up in the band’s set, too—and maybe even some new originals.
“Kody and I have been writing a lot of songs, and we recorded two original songs recently as well for a new 7-inch out later this year,” Carlisle says. “We’re just gonna keep on rockin’ in the free world.”

Wheatus ist das große musikalische Projekt von Brendan „BBB“ Brown. Er schreibt die Songs, produziert, singt, spielt eine Menge Instrumente ein und veröffentlicht alles auf dem bandeigenen Label Montauk Mantis, statt den Anweisungen irgendwelcher Business-Menschen zu folgen. Das mochte er noch nie. Die Besetzungen wechseln stetig, Verwandte, Freunde und Bekannte werden engagiert, um im Background-Chor zu singen, die Stilrichtungen werden aufs wildeste vermischt. Das hat vielleicht dem kommerziellen Erfolg nicht immer gut getan, künstlerisch war es dafür eine großartige Entscheidung. Wheatus haben ihre Karriere mit einem multi-platinveredelten Welthit begonnen: „Teenage Dirtbag“ ging im Juli 2000 steil durch die Decke. Was soll da noch Größeres kommen, hat sich Brown gedacht und von diesem Moment ab nur noch das gemacht, worauf er Lust hatte. Dazu gehört auch, dass Wheatus das zweite Album „Hand Over Your Loved Ones“ um zwei Songs erweitert und neu abgemischt unter dem Titel „Suck Fony“ ein zweites Mal veröffentlicht haben. Man ahnt, welcher großen Firma da noch einmal eine mitgegeben wurde. Seit einiger Zeit arbeitet Brown an der siebten Studioplatte. Hin und wieder erscheint ein neuer Song, und vielleicht wird das Ganze auch niemals gebündelt veröffentlicht. Vielleicht machen Wheatus demnächst eine hybride Postpunk-Surf-Classic-Rock-EP mit schweren Elektrobeats. Zum Glück weiß niemand, was dem Mastermind Brown als Nächstes einfällt. Das ist das Tolle an dieser außergewöhnlichen Band. Das, und die arschcoolen Shows, die Wheatus in regelmäßigen Abständen abliefern. Im April ist es endlich wieder soweit und für keine andere Band passt die Phrase besser: Man darf wirklich gespannt sein, was da auf einen zukommt.

Du hast wahrscheinlich bereits davon gehört : GARAGEVILLE ist eine ungezwungene, sympathische und spaßige Kulturveranstaltung, die jedes Jahr in der wunderschönen Hafenmetropole Hamburg stattfindet. Dieses Mini-Festival bringt hochwertige Underground-Bands für anspruchsvolle Musikliebhaber zusammen. Zwei bis vier Nächte Dauerparty.

Press Club ist die musikalische Verkörperung der Haltung einer Generation, die Vergänglichkeit in jeder Hinsicht erlebt. Rasend und roh, das lang erwartete Debütalbum der Band, Late Teens, wurde selbst produziert, aufgenommen, gemischt und unabhängig veröffentlicht.

Late Teens wurde über sechs Wochen aufgenommen, als Bassist Iain MacRaes Haus in einen temporären Songwriting-Sweatshop verwandelt wurde, in dem die Band die Songs schrieb, die die Trackliste von Late Teens ausmacht. Basierend auf den Erfahrungen ihrer Freunde, nähern sich Late Teens thematisch Vertreibung, Beziehungen, innere Unruhen, Gentrifizierung und Ungleichheit.

Als eine der wirklich unabhängigen Bands Australiens setzen Press Club ihr ungezwungenes, ungezügeltes Toben fort, nachdem die Band 2018 gesehen hatte, wie sie das Land durchquerte und die Smith Street Band bei ihrem Besuch in jedem Staat und jedem Territorium auf einer epischen Tour mit über 30 Terminen unterstützte.

Not On Tour wurde eigentlich als Spaßprojekt gegründet. Als alle Freunde im Sommer 2008 mit ihren Bands auf Tour gingen, machten es sich die Tel-Aviver zur Aufgabe, selbst eine Band zu gründen. Blitzschnell wurden Songs geschrieben und Shows gebucht, um sich selbst und die Zurückgeblieben zu bespaßen, die ebenfalls “not on tour” waren.
Blöderweise waren die zusammengewürfelten Songs garnicht mal so schlecht, die Shows liefen viel zu gut und irgendwie wollte man nach dem Sommer dann doch nicht so richtig aufhören. Zehn Jahre später gibt es Not On Tour immer noch und die Band ist, gegensätzlich zum Bandnamen, ständig unterwegs.

Seit 2014 waren die Vier in Japan mit Strung Out und A Wilhelm Scream auf Tour, flogen nach Russland für Shows mit Satanic Surfers und Useless ID und spielten zwei Shows in Istanbul. In Europa touren sie mehrmals pro Jahr, auch als Support für Bands wie Descendents, Feine Sahne Fischfilet, Lagwagon, Pennywise, No Fun At All, Good Riddance und Face To Face und im Line-up von größeren internationalen Punk Festivals, wie Punk Rock Holiday, Xtreme Fest, Brakrock und Groezrock.

Not On Tour spielen melodischen, schnellen Punk Rock mit Ohrwurmgarantie. Die Band ist für ihre intensiven Shows bekannt, bewaffnet mit Liedern, die selten über 90 Sekunden lang sind. Die Thematik der Songs ist vielschichtig: Von den täglichen Herrausforderungen der modernen Welt, über Politik, Liebe und Herzschmerz und dem ein- oder anderem Fun Punk Hit ist alles dabei, gepaart mit einem rohen, positiven Sound. Die eingängigen Melodien warden besonders durch den beeindruckenden, weiblichen Frontgesang hervorgehoben.
Der ist mal wütend, mal gefühlvoll aber immer das tragende Herzstück der Songs. Ein schnelles, treibendes Schlagzeug und voluminöse Harmonien in den Backings verwandeln die Songs in Punk Rock Hymnen.

“Growing Pains” ist das vierte Studioalbum der Band und wurde von Ishay Berger von Useless ID produziert. Die LP wird im Frühling 2019 veröffentlicht.

Deutschlands neuntgrößte Stadt – Essen – ist die Homebase der drei jungen Herren, die sich ganz pragmatisch "International Music“ nennen.

Ihr Name ist komplett ungooglebar. Das geht gleichtzeitig als Zeichen sympathischer Verschrobenheit und gesunden Selbstbewusstseins durch. International Music spielen lakonisch knittrigen Rock mit einer Schippe Shoegaze.
Der halb genuschelte Gesang erinnert in seiner Coolness an Velvet Underground und illustriert herrlich verspulte Texte, die das Körnchen Komik in sich tragen, das sie von der matthiaschweighöferiserten deutschen Poplandschaft mehr als angenehm abhebt. Und irgendwo im Publikum steht Sven Regener, nickt mit dem Kopf und lächelt zufrieden. Starke Band. Glück auf!

Autonomics sind ein Power- Trio aus Portland, bestehend aus Frontman Dan Pantenburg und den Zwillingsbrüdern Evan und Vaughn Leikam. Die Band ist eine Liveact ganz im Stile der Wavves, Seat Headrest oder der The Thermals und lässt keinen Zweifel aufkommen, dass die Bühne ihr zuhause ist und die Musik ihr Katalysator und Motor zugleich. Der treibende Sound der Autonomics ergibt sich aus den eingängigen Hooks und Riffs von Dan (Gesang & Gitarre) die auf die kompakte Rhythmusgruppe, gebildet von den Zwillingen Evan (Drums) und Vaughn (Bass), treffen.

In den letzten Jahren veröffentlichten die Autonomics ein Album sowie eine EP, tourte dreimal durch die USA und 2015 zum ersten Mal durch Europa. In ihrer Heimatstadt haben sie sich einen Namen als Liveband gemacht und füllen die Clubs mit tanzenden Fans. Im September und Oktober 2016 kam die Band zurück nach Europa und landete mit der neuen Single „Superfuzz“ einen Volltreffer. Das Album erscheint nun im März 2017 erwartet und dazu gibt es eine beeindruckende Europatournee.

Für ihr neuestes Werk gelang es den Autonomics Songs mit erhebenden Melodien und treibender Energie zu schreiben. Die teils düsteren Texte handeln vom altern, unrunden Beziehungen und vom verfolgen lebenslanger Träume. Das Album wurde vom Österreicher Dominik- Lukas Schmidt (Giantree, Thanks) in seinem Studio in Portland produziert und von Jeremy Sherrer (Modest Mouse, The Dandy Warhols, Gossip) gemischt.

Die Geschichte von Michael Spieler, Timothy Lush, Kerim Öke und Thomas Sedlacek dreht und windet sich bereits seit 2012. Seit der Schülerband machen sie in verschiedenen Konstelationen zusammen Musik, in dieser Zeit haben die Münchner viel an ihrem Sound und Songwriting gearbeitet und 2015 die ON THE RUN EP unter dem Milky Chance Label Lichtidicht Records released. Es folgte die erste Tour durch die Republik und eine große Festival Runde mit Stationen beim SXSW 2016 in Austin / Texas, Melt! Festival und MS Dockville. Das Debüt Album HEADS AND TALES, im September 2016 veröffentlicht, landete auf #14 der iTunes Alternative Charts, die Songs wurden bis dato mehr als 7 Millionen mal auf Spotify gestreamt. Kytes begannen im Sommer 2017 die Arbeiten am Nachfolgealbum zusammen mit dem Wiener Produzenten Filous, parallel dazu spielten sie auf weiteren europäischen Festivals u.a. The Great Escape (UK), Sziget (HUN) und FM4 Frequency (AU). Im April diesen Jahres headlineten Kytes die egoFM Feste und eröffneten quer durch Europa den Abend für die Indie-Heros Shout Out Louds und Everything Everything. Jetzt gehen Kytes, die mittlerweile mehr als 250 Shows auf dem Buckel haben, mit viel neuer unveröffentlichter Musik im Gepäck für 5 exklusive, kleine Club Konzerte auf Tour.

Anfang des Jahres erschien Rat Boys EP „Civil Disorder“. In Bezug auf die nächste Veröffentlichung und somit auch auf die Live-Dates müssen sich seine Fans jetzt allerdings doch noch gedulden. Die vier für Ende November geplanten Shows der „Dumb & Confused“-Tour müssen ins Frühjahr 2019 verlegt werden. Tickets für die Shows behalten ihre Gültigkeit.
Hier das offizielle Statement: “Really sorry to say that because due to the delay in the release of Internationally Unknown we need to move the November European tour dates back to 2019. There are some places we are unable to visit on this tour and we promise we will visit you soon.”

Wenn Rat Boy von seinem Großbritannien berichtet, dann wird selbst die Fahrt im Öffentlichen Personennahverkehr zur Schlacht gegen die Möchtegern-Vorstadt-Gangster, die einen abziehen wollen, und all die anderen Verlierer des britischen Sozialsystems. Der junge Mann aus Essex erzählt mit seinem unnachahmlichen Zwischending aus Rap und Gesang von seinem Leben in der Hood und von seinen beschissenen kleinen Jobs, aus denen er regelmäßig gefeuert wurde – was immer noch besser sei, als sie ein Leben lang machen zu müssen. Daheim setzte er seine Erfahrungen in Texte um und arbeitete sich am Rechner seiner Mutter in die Musiksoftware Logic ein, um den Strom von Ideen, der ihm durchs Hirn rauschte, irgendwie zu kanalisieren. Heraus kam seine erste Veröffentlichung „The Mixtape“. 2016, also knapp zwei Jahre später, hielt er den „NME Best New Artist“-Award in der Hand, und im vergangenen Jahr benutzte Kendrick Lamar eine seiner Textzeilen als Cut in seinem Song „Lust“ – eines der großen Vorbilder von Rat Boy neben The Clash, The Streets, Blur und Ian Dury. Mit „Scum“ erschien eine schillernde Debütplatte, auf der Rat Boy auf seine gallenbittere Weise erkundet, wie es ist, desillusioniert im suburbanen Essex auszuwachsen – Erfahrungen aus seinem Leben und dem seiner Freunde und Themen, mit denen sich jeder identifizieren kann, vorgetragen mit ungeheurem Wortwitz. Musikalisch springt das Album munter zwischen Hip-Hop, Punk, Indie-Hymnen, Gospel, Britpop, Big Beat und Bossa-Nova hin und her – eine Art Beastie Boys für die Generation Brexit. Und es scheint, als ströme es immer noch durchs Hirn des 22-Jährigen, als könne er einfach nicht aufhören, Musik zu machen: Anfang des Jahres veröffentlichte Rat Boy mit seiner Band die EP „Civil Disorder“. Jetzt hat Rat Boy bestätigt, dass er im Herbst im Rahmen seiner „Dumb & Confused“-Tour nach Deutschland kommt.

Präsentiert von Musikexpress, Testspiel.de, MusikBlog.de, The Postie, Nicorola

Jon Spencer kommt im Mai 2019 für eine ausgedehnte Tour erneut nach Deutschland. Der Blues Explosion-Gott, der Mann, der die Bellbottoms in den Film Baby Driver brachte, der rechte Rockabilly-Haken von Heavy Trash und Pussy Galore hat im Herbst 2018 nicht nur sein allererstes (Solo-)Album mit dem Namen Spencer sings the hits veröffentlicht, sondern auch in Köln und Münster gastiert und setzt dies nun im Rest der Republik fort.
Das wird rauer Garagenpunk für die Menschen für heute, ein magisches Gebräu aus Rhythm und Blues. Die Underground-Rock-Legende Jon Spencer ist wieder da – ganz so als wäre er nie weggewesen.
Immer aufgekratzt, immer voller Energie und purer Emotion öffnet Jon Spencer wie nie zuvor sein Herz dem geneigten Publikum, um ein in Rock’n‘Roll verpacktes Statement an eine postfaktische Welt voller Fake News herauszubrüllen. Die beiden Abende werden laut, kratzig und sicher nicht so leicht zu vergessen.
Unter dem Motto Spencer sings the hits erwarten uns also einzigartige Konzerte, die uns den Rock-Veteranen Jon Spencer unverblümt, frech aber keineswegs alt präsentieren.

Präsentiert von ByteFM und MusikBlog

Fragt man die Bandmitglieder von ABRAMOWICZ nach ihren musikalischen Beweggründen sind sie um eine schnelle Antwort nicht verlegen. Bei Konzerten der Band sollte jedem Anwesenden eine möglichst ausgelassene Zeit ermöglicht werden. Und was gibt es schöneres, als wenn (noch) fremde Menschen die Songs schon so weit verinnerlicht haben, dass sie vor der Bühne lauthals mitsingen? Das klingt ehrlich und unkompliziert und genau das ist es auch.

Die musikalische Essenz der 5 Hamburger liegt in den Ursprüngen des Rock der amerikanischen Arbeiterklasse. Indierock und teils melancholische, sowie Elemente des Punkrock runden den Sound ab und geben dem geneigten Publikum Grund genug euphorisch die Gliedmaßen zappeln zu lassen.

Seit 2016 auch erstmals auf Vinyl über Uncle M und Sportklub Rotter Damm verewigt, schlägt die neue EP „Call The Judges“ in die Kerbe derjenigen Zuhörer, die Wert auf handgemachte Musik und energetische Liveshows legen.

Ihr Debut ›Hit The Light‹ öffnete mit seinen über 30 Millionen Spotify-Streams die Türen für die beiden Songwriter Ben Moorhouse und Leo Duncan ganz weit: Ihr Hybrid aus tanzbaren Elementen der ›Madchester‹ Ära der späten 80er Jahre, die Indierock und Dancefloor und Springsteen-beeinflussten Americana verband, wurde sofort überall gefeiert. Es folgten viele ausverkaufte Shows. Mit der bevorstehenden Veröffentlichung von ›Future Perfect, Present Tense‹ präsentieren Ten Fé sich gereift und zeigen, dass dem zweiten Album gar nicht immer das Etikett ›schwierig‹ anhaften muss.
Im Mai kommt die Londoner Band für drei Konzerte nach Berlin, Hamburg und Köln.

Louder Than Death began as the love child between King Khan and the almighty punk rock legends the Spits. Sean Spits had the vision and passed it on to King Khan in a ceremony involving the waking of a sleeping volcano and the shrinking of a gaping black hole. They had been working on songs secretly for the past 13 years and now finally they have decided to share it with the world. (Including "Broken Heart" which was the first song ever written by a 5 year-old Saba Lou and sung as a duet with Erin Spits). Louder Than Death is the royal family of punk rock bringing mayhem, chaos and maximum pleasure. The first people Khan blessed into the family were Looch Vibrato and Aggy Sonora from the Magnetix and Fredovitch on bass. These rulers of Bordeaux came with pearls all over and now form Louder Than Death along side the King who is still waiting patiently for the day that he will get his shit together and bring Sean Spits over to join them. When will that be? When the moon hits your eye like a big pizza pie...... That's Amore!!!!! Hopefully Sean Spits will join them by 2019 until then watch these four tear time and space to shreds with their fierce razor sharp punk rock with full fisted action in their hearts and big brown middle fingers waving in the air.

A GIANT DOG

Austin's raucous, hook-driven indie rock outfit A Giant Dog play a boozy mix of glam, garage, and punk rock. Toy, their fourth LP and their second for Merge Records, captures the quintet at the height of their powers. A solid year of road-dogging and woodshedding has made the band tighter than ever, the charging dynamo of Andrew Cashen and Andy Bauer’s guitars in lockstep with the primal chug of the rhythm section, Graham Low on bass and Daniel Blanchard on drums, in the latter’s recorded debut. Singer Sabrina Ellis turns in another masterful performance, in equal parts brash, defiant, vulnerable, and raw.

Mit einer rockigen „In Your Face“-Attitude konnte Rebecca Lou sich in ihrem Herkunftsland Dänemark bereits einen Namen machen. Auf Tour mit Rockbands wie „Velvet Volume“ & „Le Butcherettes“ und nicht zuletzt auf dem SPOT Festival überzeugte sie mit ihrer energetischen und beeindruckenden Live Performance.
Aufgewachsen in einem kleinen Dorf, widersprach sie schon in ihrer Jugend der gesellschaftlichen Norm. Schnell zog es sie in die Großstadt, wo sich die Kämpfernatur in der Punk-Rock Szene von Kopenhagen etablierte. Nicht nur in ihrer Liebe zur Musik, sondern auch auf den Straßen der City lebt sie den Riot-Lifestyle als Mitglied der Girls Motorrad-Gang „knallert kragerne“ aus.
Aber Rebecca Lou verkörpert viel mehr als nur die Rock`n`Roll Attitude. Als Stimme der neuen Frauen-Bewegung steht die Sängerin mit ihrer Musik für Feminismus und Frauenrechte ein. Mit ihren bedeutungsvollen Texten erzählt sie die Geschichte, wie sie zu der starken und selbstbewussten Frau wurde, die sie heute ist und dient so als Vorbild für viele Frauen. Einige werden Rebecca für ihre eingängigen Songs lieben, manch andere für ihre positive Einstellung und ihre Ansichten über Kultur, Mode und Politik. Mit ihrer Musik wird die Band die Grenzen zwischen Underground Punk und Mainstream verschwimmen lassen.
Die EP „Skeletons“ wird via Motor Entertainment (GSA) & We are Suburban veröffentlicht.

Liily, das sind vier Teenager aus Los Angeles, genauer gesagt dem San Fernando Valley. Sie repräsentieren eine neue Generation junger Rockmusiker ihrer Stadt und ihre wilden frenetischen Shows mit dieser verrückten Intensität entwerfen nichts weniger als eine neue Vision von Rock. Und zwar eine, die eine Menge Spaß verspricht. Die inzwischen schon ziemlich zahlreichen Fans machen aus jedem ihrer Auftritte ein Fest, eine Party, einen Abriss. Die Erfahrung, die Gitarrist Sam De La Torre, Sänger Dylan Nash, Drummer Maxx Morando und Bassist Charlie Anastasis bei Haus- und Warehouse-Partys gesammelt haben, tut da ein Übriges dazu. Die enge Verbindung zwischen Musiker und Publikum, die ständige Kommunikation und das spontane Reagieren auf eine Situation prägen auch das musikalische Verständnis des Quartetts. Den ersten beiden erfolgreichen Singles „Toro“ und „Sold“ aus dem vergangenen Jahr folgte Anfang März die Debüt-EP „I Can Fool Anybody In This Town“. Liily schätzen die keimende Community, das Miteinander befreundeter junger Bands in ihrer Heimatstadt, die sich dadurch gegenseitig zu Höchstleistungen pushen. Ihr Credo lautet: „Wir wollen viel mehr Musik hören aus der Wärme der Vororte und viel weniger aus dem kalten künstlichen Herzen der Stadt.“ Folgerichtig klingen so auch die Songs von Liily. Sie pflücken sich einen Vintage-Sound, den sie mit modernen Methoden weiter verarbeiten. Dafür harken sie durch jeden Ort, an dem sie spielen und bauen mit Gitarre, Bass und Schlagzeug eine neue Kultur auf, an der jeder teilhaben soll. Wenn diese Jugend die Zukunft der Rockmusik ist, muss man sich vorerst keine Sorgen machen. Im Mai kommen Liily erstmals für eine Show nach Hamburg.

Das 2014 in Montreal gegründete Trio versteht es auf äußerst kluge Weise, sonnige Melodien und Sounds mit tanzbaren Beats zu versehen – ohne sich dabei jemals der Gefahr der Belanglosigkeit auszusetzen.
Die Kernbesetzung, bestehend aus Sängerin und Gitarristin Emma, dem Gitarristen und Bassisten Jessy sowie Keyboarder und Video-Verantwortlichem Dragos, kümmert sich neben dem Schreiben und Aufnehmen ihrer gemeinsamen Musik gleichermaßen um den Vertrieb, die PR sowie der Erstellung Videos – und ist damit tatsächlich weitestgehend unabhängig von vielen Apparaten der Musikindustrie. Ihr im Frühjahr 2017 selbstveröffentlichtes Vinylalbum war umgehend vergriffen und durch Festivalauftritte in ihrer Heimat wie beispielsweise ›M for Montreal‹, ›Pop Montreal‹ sowie Shows in Shanghai, Shenzen und Bejing erreichte die Band größere Aufmerksamkeit über ihre Landesgrenzen hinaus.
Für das Frühjahr 2019 wurde das dritte Studioalbum der Band angekündigt. Wir freuen uns auf das Wiedersehen mit Men I Trust.

Wenn das australische Trio Methyl Ethel auf die Bühne kommt, kommt es, um alle abzuholen. Kaum sind die Instrumente aufgedreht, hebt der Dreier ab in eine weithin transzendentale, nicht greifbare und mystische Klanglandschaft aus Dream-Pop. Psychedelic-, Shoegaze- und Alternative-Rock, gespickt mit Akkorden voller Sehnsucht und einer Atmosphäre zwischen Euphorie und Beklemmung, gesungenem Glück und besungenem (Selbst-)Zweifel. Mit großer Inbrunst lassen sich Methyl Ethel in die Songs ihrer mittlerweile drei Alben fallen und laden jeden ein, mitzukommen. Wie viele mittlerweile weltweit dieser Einladung gern folgen, überrascht niemanden mehr als die Band selbst – deren Sänger, Gitarrist und Kopf Jake Webb die Alben stets in vollkommener Isolation aufnimmt und produziert, so auch das aktuelle, Mitte Februar erschienene dritte Werk ›Triage‹.
Live hingegen werden diese entsprechend intimen und persönlichen Stücke mit drei Freunden dargeboten. Zwischen dem 23. und 24. Mai kommen Methyl Ethel, die nicht nur dank ihrer Herkunft Perth häufig mit Tame Impala verglichen werden, für zwei Konzerte in Hamburg und Köln nach Deutschland.

Natürlich gibt es ältere Indie-Labels, aber 15 Jahre finden wir nun auch nicht so schlecht und wollen diesen Anlass gerne mit Euch und drei unserer Bands feiern – dazu veröffentlichen wir auch eine DD-Compilation mit 15 (!) Songs.

YES WE MYSTIC (CAN)
Das kanadische Quintett veröffentlicht am 19. April sein neues Album, welches übrigens von Marcus Paquin (The National, Aracade Fire) gemischt wurde und wer sie noch nicht live gesehen hat, wird ein gigantisches Sound-Monster erleben, welches jedem Mischer den Schweiß aufs Gesicht treiben dürfte. Ihre Instrumentierung ist hoch anspruchsvoll – Cello und Geige stehen für das klassische Element, Gitarre, Schlagzeug und Bass für das eher traditionelle Rock-Element und Keyboards und Computer für den modernen Pop!

GUNNER & SMITH (CAN)
Das fast neueste Pferd im DevilDuck-Stall kommt aus der Prärie Saskatoons und das zweite Album „Byzantium“, produziert von Andrij Tokic (Alabama Shakes) haben wir am 25. Januar gerade weltweit veröffentlicht. Geoff Smith, Sänger & Songschreiber, kommt im Zuge unserer „About Songs Youngbloods“-Tour Anfang Februar erstmal solo, bevor er dann mit Band auf unserem Geburtstag seine eindrucksvoll melancholische Art des „Dark-Country-Rock“ spielt.

SCOTCH & WATER (GER)
Das wirklich allerneueste Pferd und die erste deutsche Band bei DevilDuck seit fast 6 Jahren und dann auch noch aus unserer Heimat, großartig, oder? Das noch sehr frische Quartett konnte uns beim letzten Reeperbahn Festival überzeugen und nun bringen wir schon im Februar ihr Single ‚Time‘ raus.

SUICIDE GENERATION is the new London Punk Bomb!
Ever since Suicide Generation exploded in London like a dirty bomb blast 18 months ago, they have morphed into various incarnations to quickly become an eagerly devoured proposition in the capital’s hi-energy rock 'n' roll scene with their chaotic and explosive shows; their attack and intent as unpredictable as their sound.
After signing a two-album deal with Dirty Water Records, and off the back of critical acclaim from the international music press, the band would then notch up two European tours and release a split single with LA’s Black Mambas, elevating their status as young, fast-rising upstarts on everyone's radar.

Cavity Search
Ein Mitglied und zwei Freunde von Plastic Propaganda taten sich 2016 zusammen,dann kam da noch die druckvolle Stimme von Violent Instinct dazu, fertig war die Band. Songs über Klischees,schlechte Tattoos,festgefahrene Geschlechterrollen, Bequemlichkeiten, falsche Ideale und alles was sonst noch so nervt!
Serviert wird das ganze stets melodisch und mit dem nötigem Respekt gegenüber Non-Konfirmitäten.

Gothenburg, Sweden trio Monolord is a rare breed: A band both encompassing and
transcending genre; a vortex of heavy rock density that consumes all others. Their
thunderous, tuneful heft has built a rabid international fanbase in short order since
their 2014 debut. But Rust, the band’s third full length, truly exemplifies why some
refer to them as the Nirvana of doom.
Monolord’s enveloping, syrupy sludge is a vibe, it’s a state of mind. Not riffs for riffs
sake, but a collective buzzing, rattling and rumbling that’s more total environment than
collection of songs. Together, guitarist/vocalist Thomas Jäger, drummer Esben Willems
and bassist Mika Häkki create a massive, dynamic sound with ultra-low frequencies
serving as its fourth member.
“We've always been inspired by great band musicians — as opposed to technical solo
peacocks,” Willems says. “Because that force of a band really playing together as one
single unit is incomparable. At its best, it's just unstoppable.” And, Monolord is truly
unstoppable, on record and on stage. “A heavy groove that contains both bombastic
overkill and a lot of dynamics is what we always aim for in Monolord; in playing, in song
writing and arranging, in recording,” Willems says.
Album opener “Where Death Meets the Sea” perfectly exemplifies their mastery of
dynamics and hooks with a driving, infectious buzzsaw riff that lesser bands would ride
off into the sunset, but Monolord uses subtly to spur the song’s skull rattling rhythmic
core ever onward. Jäger’s watery vocals glide over ominously building verses that
erupt with the song’s insistent refrain. Being such a tight rhythmic unit, it sounds almost
like an early ZZ Top record played at half speed. “Dear Lucifer” squeals and hums with
slow deliberation as Willems summons Dale Crover pummel with chasm like low-tuned
toms and syncopated cymbal crashes. The album’s title track is also its centerpiece,
opening with a dramatic, shimmering Hammond organ intro as Jäger sings, “you are
the reason that I lied/ You are the reason that I cried/ Please don’t wait until tomorrow/
There’s only pain, hate, grief and sorrow.” Suddenly, the band kicks in with a bellowing
line downtuned to B that nosedives down the guitar neck as the drums hammer down
for the kill. Elsewhere, tastefully understated guitar harmonies elevate the behemoth
churn of “Wormland” and apocalyptic album closer “At Niceae” simmers in a slow build
of rumbling guitars and rolling drum triplets.
Monolord formed in 2013, quickly recording their 2xLP debut Empress Rising, which
RidingEasy Records released in April 1st, 2014. The second album, Vænir, followed
April 28th, 2015. The 2-song Lord of Suffering / Die in Haze EP was issued in late 2016
amid the band’s relentless touring schedule in order to tide fans over until the next full
length.
Noisey calls Monolord "universally beloved" and "Swedish doom royalty”, while
Consequence of Sound deems them, “a truly modern sound: recognizably doom, but
with glistening production values and adventurous songcraft.” Vænir landed on
countless Album of the Year lists in 2015, and Rust is poised to open an entirely new
range of possibilities for Monolord.
Rust will be available on LP, CD and download on September 29th, 2017 via
RidingEasy Records.

“Runway Markings Tour“
Am 31.05.19 erscheint das lang erwartete neue Okta Logue Album „Runway Markings“.
Um die Veröffentlichung spielt die international bekannte hessische Band ein paar Release-Shows in einigen ihrer Liebllingsclubs, bevor es dann im Herbst auf große Tour geht.“

Schon beim Reeperbahnfestival 2018 war das Molotow bis zum Rand gefüllt, weil niemand sie verpassen wollte: Von wem hier die Rede ist? Von niemand geringerem als den Psychedelic Porn Crumpets – und nun sind wieder da! Im Sommer werden die Australier ihm Rahmen von Motorbooty Live! wieder mit euch im Molotow rocken. Das dürft Ihr Euch nicht entgehen lassen!

Musiker mit Kante, Eigensinn und Unangepasstheit haben in England eine lange Tradition, und das Sextett Fat White Family aus den Londoner Arbeiterstadtteilen Peckham und Brixton schlägt punktgenau in diese Kerbe. In ihren Texten und Videos konfrontieren sie ihre Hörer mit unbequemen Wahrheiten über die postmoderne Gesellschaft. Ihr Sound kennt keine Beschränkungen und zitiert fröhlich und unverblümt aus fünf Jahrzehnten Musikhistorie, während ihre Konzerte nicht selten im spontan inszenierten Chaos enden. Ein englisches Magazin bezeichnete die Fat White Family als »krank, nicht im Sinne von schräg oder überdreht, sondern im echten Wortsinne – dabei aber gleichzeitig brillant«. Ähnliche Äußerungen vernahm man auch rund um die Veröffentlichung ihres zweiten Albums ›Songs For Our Mothers‹, einer mutigen, kontroversen Sammlung aus Stilzitaten, kompositorischer Frechheit und scharfzüngigen Texten.
Nun kündigt die Fat White Family für den 19. April den dritten Longplayer ›Serfs Up!‹ an, der laut der Band in Sachen Genre-Mixing noch weiter gehen soll als alles Bisherige. Am 2. und 3. Juni kann man sich auch live ein Bild davon machen, wenn die Fat White Family für zwei Konzerte in Hamburg und Berlin nach Deutschland kommt, um die Songs ihres neuen Albums erstmals vorzustellen.

Best friends since the age of 11, the members of Wallows have spent most of their lives obsessing over music together, steadily gathering a musical vocabulary that’s expansive and erratic and wildly eclectic. On their full-length debut Nothing Happens, the L.A.-based trio puts that vocabulary to work and draws from infinite inspirations: scores to Spike Jonze movies, the Beatles’ most rhapsodic digressions, bedroom pop and lo-fi hip-hop and ’70s post-punk. The result is an album that’s endlessly unpredictable, yet somehow as familiar and deeply felt as the world inside your head.

Like their 2018 debut EP Spring, Nothing Happens finds Wallows dreaming up a restlessly inventive breed of alt-rock with the help of Grammy Award-winning producer John Congleton (St. Vincent, Future Islands, Angel Olsen). Recorded at Sargent Studios in L.A., the album sprang from a mad-scientist-like approach to song construction, with the band refusing to fall back on formula. “Whenever we came to a crossroads as far as where we could take a song, we always went the weird way,” says Preston. “There are more risks on this than anything else we’ve done,” adds Minnette. “It came from a place of never wanting to repeat ourselves, and making sure everything feels different from what came before.”

The ever-shifting sound of Nothing Happens isn’t just the outcome of Wallows’ following their most idiosyncratic instincts: it’s also a reflection of the album’s volatile climate. With each member now in his early 20s, Wallows look back on the impossible mess of adolescence and exactingly capture the most chaotic and unwieldy emotions. Told in vignettes at turns sharply detailed and hazed in the fog of memory, Nothing Happens ultimately embodies both the melancholy of growing up and a wary determination to move forward.

But even in its most heavy-hearted moments, Nothing Happens emits a potent and palpable energy, echoing the unchecked experimentation that fueled its making. On opening track “Only Friend,” Wallows telegraph crushing loneliness but sustain a feverish intensity, embedding the song with an elegantly manipulated guitar part that packs all the grandeur of a full string section. Meanwhile, on “Treacherous Doctor”—whose title the band arrived at by translating the words “inverted narcissist” from Mongolian to English and back again—desperation manifests as a gorgeous frenzy of distorted guitars, warped piano melodies, and recklessly bashing rhythms.

While songs like “Treacherous Doctor” channel an existential dread, Wallows also examine love and loss all throughout Nothing Happens. Partly inspired by Joy Division’s bass-driven minimalism, “Remember When” unfolds in frantic harmonies and starkly pleading lyrics (e.g., “Don’t let me be one of the people that seek a lost romance”). On “Are You Bored Yet,” singer/songwriter Clairo lends her gauzy vocals to a bittersweet back-and-forth about the confusion that comes with young love. “When you’re in a relationship and you’re really young—which is an experience all three of us have had—it’s really easy to ask yourself, ‘There’s so much for me to do in my life, am I supposed to just be in this forever?’” notes Preston, who came up with the song’s demo. And with “Worlds Apart,” Wallows wander through what Lemasters describes as “the different stages of realizing someone’s not into you,” offering up fragments of strangely beautiful poetry (“Do I exist in your heart? Or did the ship sail away while I was in the gift shop?”) before collapsing into a fantastically shambolic drum sequence.

After the jittery splendor of “I’m Full” (a fuzzed-out meditation on substance abuse and social anxiety), Nothing Happens closes out with the gut-punching epic “Do Not Wait.” And though the song begins in a desolate mood, Wallows end on an intensely personal message of reassurance. “‘Do Not Wait’ is sort of a letter from me to my younger self,” says Minnette. “It’s saying, ‘All this stuff is going to happen to you, and it’s going to feel like the biggest deal in the world—but just try to know that something good comes out of everything bad, and it’s all gonna be okay.’”

From song to song on Nothing Happens, Wallows show an undeniable camaraderie that traces back to when Lemasters and Minnette first met as child actors (an endeavor that later led to Minnette’s starring role on Netflix’s 13 Reasons Why). With Lemasters hailing from Ohio and Minnette from Indiana, their moms connected via an online group for newly transplanted stage parents, and the boys quickly bonded over their love of music. “I was listening to the Beatles and Led Zeppelin and Dylan loved all that too,” Lemasters recalls. The two started writing their own songs, linked up with L.A. native Preston through San Fernando Valley-based music program Join the Band, and soon began scoring gigs at iconic venues like Whisky a Go Go. “We kind of grew up on Sunset Strip,” says Preston. “Our friends would come out to the shows, and afterward we’d all walk down to Millions of Milkshakes together. It was very wholesome, like we were all family.”

After spending their teen years honing their songcraft and sharpening their live set, the trio self-released four singles in 2017. “We didn’t have a label or management or anything—we didn’t even have a name when we recorded those songs,” says Lemasters. Eventually calling themselves Wallows (a word whose many definitions include “to indulge in an unrestrained way in something that creates a pleasurable sensation”), the trio drew buzz with “Pleaser”: an urgently catchy track that shot to #2 on Spotify’s Global Viral 50 chart, amassing over 11 million streams on the platform to date.

Following the breakout success of “Pleaser,” Wallows embarked on a headlining national tour and soon inked a deal with Atlantic Records. In April 2018 they put out Spring and won praise from the likes of TIME and Stereogum, with the EP hitting #15 on Billboard’s Vinyl Albums chart. Named a Critical Cut on SiriusXM’s Alt Nation, Spring’s lead single “Pictures of Girls” reached #1 on the alternative specialty radio chart, then landed at #4 on the year-end chart. Wallows also made their television debut with “Pictures of Girls,” taking the stage on The Late Late Show with James Corden in May and introducing the world to their impassioned live performance. Since then, they’ve played their first-ever international dates, in addition to appearing at major festivals like Lollapalooza, Austin City Limits, Camp Flog Gnaw Carnival, Life Is Beautiful, and Voodoo Music + Arts Experience. The band is now gearing up for another headlining tour, which they’ll kick off this spring by making their Coachella debut.

For Wallows, the release of Nothing Happens marks the realization of one of their most closely held and near-lifelong ambitions. “One thing we’ve said since we were like 14, and first had our minds blown by all these bands who mean a lot to us, is that we’d love to make an album that other people could feel the same way about,” says Preston. “We talked about our debut album so much growing up, and this record really feels like the most honest statement we could make after all these years of working together,” Minnette adds. “We’d love for people to feel that and find their own meaning in the songs, and hopefully get inspired to go out and make something of their own.”

„Es ist genug Energie in „Rips“, um den ganzen Energiebedarf eines kleinen Landes komplett zu decken“, schreibt NPR Music über Ex Hex.

Angeführt wird das Frauen-Trio von Sängerin und Gitarristin Mary Timony, einer Musikerin, die etlichen Fans von ihren früheren Bands Helium und Wild Flag her bekannt sein dürfte. Gemeinsam mit Drummerin Laura Harris und Bassistin und Sängerin Betsy Wright ist ihr ein famoses Album gelungen, das alle ihr vorheriges Schaffen in den Schatten stellt. Zwischen Power-Pop und Glam, Punk und New Wave pendeln die Songs von Ex Hex, die zudem die Inspirationsquellen des Garagen-Pop-Trios aus Washington/DC offenbaren und dabei mit viel Retro-Touch extrem frisch daherkommen: Ramones und Johnny Thunders, Blondie, The Pretenders, Tom Petty oder die Runawys. „Das Ergebnis ist eine der unpeinlichsten und frischesten Retro-Rockplatten seit langem“ schreibt der Stern über „Rips“ und das US-Netz-Magazin Pitchfork nennt es „definitely exciting“ und ist auch sonst voll des Lobes: „There’s a bit of environmental pressure built into this record: garage rock is adaptive music, where minimum resources can yield maximum impact … it plays well in a basement and also on a stage, and it’s easy to know when it’s working. If you can remember a garage rock song two minutes after it’s over, then it’s probably a good one.“ Dazu passen auch die beiden großartig gemachten Videos zu den Songs „Hot And Cold“ und „Waterfall“. Letzteres wurde gedreht vom „Roger Cormann der Cartoons“, dem New Yorker B-Movie-Fan und Cartoonisten M. Wartella, der in diesem kleinen grellen Meisterwerk auch noch einige legendäre Musiker auftreten lässt: den umtriebigen Gitarristen Kid Congo Powers (Gun Club, The Cramps), Michelle Man (The Make-Up) und die Dischord-Legende Alec MacKaye von Ignition. Produziert hat das Album übrigens kein Geringerer als Mitch Easter, der vor allem als Produzent der frühen REM-Platten berühmt und dessen gutes Ohr für feinen Power-Pop bekannt ist. Ex Hex machen großen Spaß und wird für einen tollen Partyabend im kleinen Club sorgen !

L.A. Witch’s eponymous debut album tapped into the allure of warm nights on the West Coast while hinting at the loneliness and lawlessness of living on the literal periphery of a country founded on a dark past. It felt suited for driving through the desert late at night, broadcasting from some lonesome radio DJ through a low-signal FM station. The three-piece composed of guitarist/vocalist Sade Sanchez, bassist Irita Pai, and drummer Ellie English culled sounds from the outlaws of the warmer climes, whether it was 13th Floor Elevators’ lysergic rock n’ roll, Bakersfield country’s jangling laments, or the cool hand fatalism captured by The Doors on songs like “The End”. It’s an album transmitting subdued revelry while also smirking at the inevitable consequences of the night.

There is no better season for these kinds of songs than the autumn, when the promises of summer have abated and the nights of reckoning grow longer. L.A. Witch seized the moment by revisiting a handful of their early long lost tracks and reshaping them into Octubre, a five-song EP that delves deeper into their darker side. Opener and lead single “Haunting” is a swaggering rumination on heroin, full of big ringing chords, swirling tremolo, and narcotic vocals. It’s more densely layered than anything the band have done in the past, owing in part to the engineering skills of Samuel Shea (Warbly Jets) and the production savvy of Gregg Foreman (Cat Power, Delta 72), but also as a result of the band’s premeditated deviation from bare bones recordings. “Because these are old songs—we don't play them live anymore but still wanted them to be heard—this was the perfect opportunity to get experimental with sounds and textures,” Sanchez says of the EP. Despite this new studio adventurism, the songs on Octubre stay true to L.A. Witch’s vintage starkness. The obsessive love song “Sleep” still centers on the trio’s economic interplay, but the empty spaces between reverberating chords are filled with woozy whammy-barred guitar, as if tape bleed-through caught the ghost of some forgotten troubadour. The cryptic “BB’s Momma” gets bolstered by organ vibrato in its sultry verses and bombarded by bloody-knuckled piano in its climactic choruses. As the EP culminates with the acoustic ballad “Heart of Darkness” and the instrumental “Outro”, we hear echoes and melodic ether swell in the background, as if the magic conjured by L.A. Witch is beginning to take on a life of its own.

Octubre may be a record about unhealthy infatuations and debilitating love, but it’s also an inadvertent statement on the past and permanence. Offered to the world as a surprise digital release, it might suggest a kind of ephemera, but the underlying motive is to reinvent and bring a new life to these seminal songs from the band’s early years. Reimagined and reshaped, these songs not only represent the band’s beginnings but also serve as a teaser for the band’s future output. Suicide Squeeze Records is proud to offer up these songs to world digitally on November 2, 2018 and anticipate vinyl and CD editions sometime in 2019.

Da ist es wieder, dieses Fernweh nach der Bay-Area. No Vacation aus San Francisco schreiben den Soundtrack zu ihrer Stadt. Wenn wir ihre Songs hören, können wir förmlich das Salz des Pazifiks schmecken, die Fishermans Wharf und die Sequoias im Golden Gate Park riechen. Sabrina Mai und ihre Band verbinden nostalgischen College Sound und Surf-Jingle-Jangle Bedroom Sound unglaublich harmonisch. Nach der Veröffentlichung ihres zweiten Mixtapes „Summer Break“, welches ironischerweise im Sommer 2015 erschien, legten No Vacation eine Pause auf unbestimmte Zeit ein. Sabrina Mai, Marisa Saunders, Nat Lee und Harrison Spencer setzten sich 2017 dann zusammen, nachdem sie unter verschiedenen Namen Shows gespielt haben. Seit der Wiedervereinigung veröffentlichte die Band mehrere Single und eine EP namens „Intermission“. Im Juli kommen No Vacation mit ihren wavygravy dream-pop Songs für zwei Shows nach Deutschland.

Masked Intruder
Straight outa Rikers. Straight outa Cook County, straight outa that prison in Louisiana that everyone says is horrible, but I can’t be bothered to Google, it’s MASKED INTRUDER, four melodious felons in ski masks with rap sheets, matching converse and some of the catchiest tunes this side of Johnny Cash, Live in Folsom Prison, and they’re coming at you with their second full length, the semi eponymously titled M.I., scheduled to break out on Fat Wreck Chords on May 27, 2014.!
Some say they hail from Wisconsin, some say their accents on stage betray a New Jersey heritage and some people think they’re just Chixdiggit in disguise, but one thing’s for sure, Blue and the gang have been crafting some of the sweetest pop-punk gems about breaking and entering, stalking, and muggings that you’ve ever heard. Not many grown men in ski masks can claim to be the very favorite band of Fat Mike’s daughter, for example (not many men in ski masks should be around children at all) but that’s what makes Masked Intruder so special. They’re more than a gimmick. They’ve got chops. They’re weird, kinda arty, fairly goofy, vaguely dumb, relentlessly smart and they appeal to pretty much everyone, from their fellow hardened criminals to little girls and everyone in between.!
Now, they’re back on the lam in support of M.I., featuring thirteen tracks of broken hearts, broken promises and breaking and entering. Recorded by Matt Alison at Atlas Studios in Chicago (Alkaline Trio, Lawrence Arms, Menzingers), M.I. boasts the Intruders at their toe tapping, jewelry stealing best. I mean, if there’s a better title for a love song than Don’t Run Away, I sure as hell haven’t heard it.!
In support of M.I., and in order to stay a step ahead of their parole officers, the Intruder duders are hitting the road nonstop, traversing the globe, from Europe to Australia to the US of A, with bands like the Dwarves, Face To Face and more, bringing their heart-stealing songs to the people, all while merch dude, stage security and exquisitely mustached lawman Officer Bradford makes sure that hearts are the only things Masked Intruder steals. Officer Bradford may not wear a smile during a Masked Intruder show, but everyone else in the house sure is, and you can bet your ass that whether live or on record, the boys in Masked Intruder are sure to have you singing along and looking for your wallet. Oh, that prison in Louisiana is called Angola. Score one for memory. Take that, Google.

Tha Hawaiians
The sawing punk-rock guitars of the Ramones meet not only the vocal harmonies of the Beach Boys, but also the grand melodies of the fifties-rock n' roll era, until „Hubble Bubble“ and „Hully Gully“ will make you understand only „Do the Rat“!

Bei Louise Distras ist der Titel ihrer jüngsten EP aus dem Januar Programm. Auf „Street Revolution“ beweist sie wieder ihren Status als führende Singer/Songwriterin des Alternative Rock. Geschult an Billy Bragg, Nirvana und Flogging Molly gleichermaßen, setzt sie mit ihren Songs wichtige politische Akzente. Distras ist im besten Sinne eine Protestsängerin der alten Schule, aber mit neuen musikalischen Mitteln und modernen Kommunikationsmethoden. Nicht nur, dass sie ganz selbstverständlich Social Media und flottere Verbreitungsmechanismen nutzt, sie ist auch mit ihrer Punk-Haltung, ihrem Zorn und ihrer Liebe eine alte und neue Wiedergängerin des Widerstands. Das kommt nicht von ungefähr: Ihre Heimatstadt Wakefield ist quasi das Vorzeigemodell für den finanziellen Zusammenbruch, den sozialen Kollaps, die auseinanderfallende britische Gesellschaft, den Betrug an den kommenden Generationen. Und Louise Distras ist das blühende Gegenbeispiel dafür, dass sich die Jugend darum einen feuchten Kehricht kümmert. Sie hat alles am eigenen Leib erfahren, die Obdachlosigkeit, die Verzweiflung, jegliche Art von Übergriffen. Aber sie ist daran nicht verzweifelt, sie setzt ihre Erfahrungen lieber in wütende oder auch einmal melancholische, aber immer leidenschaftliche Songs um. Im Fall von Louise Distras sind es Songs, die einen mit den Parolen packen und schütteln und aufwecken. Und nebenbei ziemlich viel Spaß machen. Sie ist eine neue Stimme für eine neue Generation und kommt im Juli zu uns auf Tour.

Seit den späten Achtzigern gehören The Dwarves rund um Mastermind Black Dahlia zu den besten Schmuddelrock-Bands aller Zeiten. Derbe dahin gehobelte Punkrockattacken treffen auf infernalisches Trash-Gewummer und unfassliches Gitarrengewitter, dass es eine Art hat. Wie die Chicagoer es dabei immer wieder schaffen, die sweetesten Melodien und eingängigsten Ohrwürmer in unsere Hirnrinden zu mogeln, gehört zu den ungelösten Fragen der Menschheitsgeschichte. Damit nicht genug, gesellen sich heute noch Nick Oliveri (ja, genau der Nick Oliveri) und seine Death Electric und ein weiterer Supportact.

Less Than Jake (Gainsville Florida, Pure Noise Records)
(Ska-)Punk Urgestein
Sie selbst nennen es barn-burner punk rock - sonniger Ska gemischt mit melodischem Punkrock, immer in der Absicht, dich mit jedem Song zum mitgröhlen und gepflegtem Abmoshen anzuheizen.
Hit The Switch (Riverside California, Nitro Records)
Vor x-Jahren kam die erste Platte über Nitro Records, also dem Label von Offspring Sänger Dexter Holland raus. Jetzt sind sie zurück mit neuer Platte, neuem Label, neuer Tour und altem Sound - Rasend schneller,
hochmelodischer West Coast Melodycore mit leichter Metalkante im Stile von STRUNG OUT, BELVEDERE, A WILHELM SCREAM.
The Haermorrhoids (Hamburg, La Pochette Surprise Records)
"Flotter Punkrock, der in den besten Momenten wie eine rohe, härtere Variante von TEENAGE BOTTLEROCKET oder SCREECHING WEASEL klingt" (OX-Fanzine)

Außerdem gibt es ab 17 Uhr (veganes) BBQ und kalte Drinks im Backyard

Post Punk ist tot. Aber bevor jetzt gleich alle ihre JOY DIVISION-Jutebeutel wegschmeißen, muss gesagt werden: Das ist auch gut so! Post Punk sollte nie am Leben sein, war nie dazu bestimmt, Ausdruck einer gewissen Lebendigkeit zu sein. Post Punk war, ist und bleibt der Blick in die Leere, der Widerhall einer Welt am Abgrund, die schon morgen nicht mehr dieselbe sein könnte. In den Achtzigern wussten das versehrte Grenzgänger wie Curtis, Coleman und Smith, heute ist es an Bands wie THEN COMES SILENCE, dieses Gefühl eines ungewissen Morgens in Klang zu verwandeln.
Es sieht nicht viel besser aus in der Welt als damals in den Achtzigern. Das säbelrasselnde Monster am roten Knopf, das damals Reagan hieß, heißt heute Trump und tweetet atomare Sehnsucht über den digitalen Highway hinaus, die Welt zieht die Mauern hoch und die Köpfe ein, hält kollektiv den Atem an. Dieses erschütterte Atemholen, diese Ruhe vor dem Sturm, ist so etwas wie der Post Punk-Nukleus, damals wie heute, apokalyptisch aktuell. Und wenn eine kontemporäre Band diese Schönheit einer Welt in Trümmern in düster schimmernde, desolate Musik zu kleiden weiß, dann sind es die Stockholmer THEN COMES SILENCE. „Jeder Tag bringt uns näher an den Untergang“, ist sich Oberhaupt Alex Svenson sicher. „Bevor es irgendwann besser wird, muss es erst mal richtig schlimm werden.“ Wer diese These nicht glaubt, dem sei nur mal ein Blick aus dem Fenster geraten.
Auf ihrem vierten Album »Blood« schöpfen THEN COMES SILENCE eine bemerkenswerte Energie, eine Art sehnsüchtiges Manifest an den unausweichlichen Untergang, der das hier alles ja irgendwie doch erst lebenswert macht. Erträglich. THEN COMES SILENCE flirten ganz ungeniert mit Tod und Leid, ringen dem Sensenmann ein Lächeln ab und zwingen ihn zum Totenschein im Widerschein eines atomaren Kollaps. Wer hätte gedacht, dass die Apokalypse so verdammt sexy sein kann?
2012 gründete er THEN COMES SILENCE und veröffentlichte noch im selben Jahr das selbstbetitelte Debüt. Mit »Blood« sind die Schweden bereit für den ganz großen Sprung. Sie liefern den unwiderstehlichen Soundtrack einer sterbenden Welt, den letzten Abendball vor dem großen Fall, sozusagen. Eine Party, bei der du ruhig mal über die Stränge schlagen kannst. Es ist eh deine letzte. Der Tod, er hängt eben über allem, auch über »Blood«. „Das Album lebt von dem Bewusstsein unserer Vergänglichkeit“, sagt Svenson. „Ich möchte keine Angst mehr vor dem Tod haben und habe mir diesen Wunsch mittlerweile fast erfüllt. Viel zu viele schieben das Thema weg von sich, wollen nichts damit zu tun haben. Das macht sie unglücklich.“ Nicht so THEN COMES SILENCE. Im Gegenteil: Man kann sie förmlich grinsen hören, wenn sie ihre Untergangsoden in die Welt schmettern. Wie viel Kraft sie aus diesen Gedanken ziehen, manifestiert sich auch im Albumtitel: „Blut ist der Ozean, auf dem wir segeln. Es ist in uns allen. Indem ich dem Album diesen Namen gab, wollte ich in mein Innerstes vordringen.“ Der Rest der Welt wird ihn zu gerne dabei begleiten. Denn letztendlich gilt: Der Tod ist auch nur ein weiterer Anfang.

Erst eineinhalb Jahre ist es her, dass Neufundland mit ihrem Debütalbum "Wir werden niemals fertig sein" in der deutschen Musikszene große Sympathien ernten und mehr als einen Achtungserfolg verbuchen konnten. Nun veröffentlichen die fleißigen Kölner bereits im Mai das zweite Album mit dem schlichten Namen "Scham". Die gleichnamige Tour führt die Band im Herbst durch Deutschland, Österreich und die Schweiz.

präsentiert von Diffus und The Postie

Mit ihrem dritten Studioalbum „What's it like over there?“, das gerade erschienen ist, haben Circa Waves die Symbiose aus fesselnden Rock-Momenten und mitreißenden Pop-Hymnen zur Perfektion getrieben. Das Quartett aus Liverpool präsentiert neun Tracks, die mit Produzent Alan Moulder (Foals, The Killers) entstanden sind, und beweisen schon wieder, dass die Jungs zur Elite des modernen Indie-Rocks gehören. Das neue Material von Circa Waves ist ein weiterer Schritt nach vorne, eine weitere magische Rekonfiguration ihrer DNA, eine Verbindung von emotionaler Tiefe und ausgeprägten Songwriting-Skills. Die Band versteht es perfekt, unterschiedliche Sounds zu einer Einheit zu verschmelzen. Die Songs, so hat man den Eindruck, suchen sich die Einflüsse wie von selbst aus und setzen sich so zusammen, dass sich alles wie aus einem Guss anhört. Das liegt vielleicht an der Heimat: Circa Waves haben dieses Merseyside-typische Talent für poppige Melodien, um die dann diese slicken Stücke gebaut werden. Damit haben die Engländer schon seit ihrer Debütplatte „Young Chasers“ allen den Kopf verdreht, und auch der Nachfolger „Different Creatures“ überzeugte mit dieser Mischung aus treibender Gitarre, den Surf-Anklängen und dem Schub eines rollenden Schlagzeug. Auf dem neuen Werk setzen Circa Waves diesen Weg konsequent fort, versetzen ihren Britrock aber verstärkt mit elektronischen Elementen. Das tut der Variationsbreite gut und gibt Circa Waves neue Möglichkeiten in die Hand, ihr Klangspektrum zu erweitern. Vor allem aber verbinden sie ihre Musik mit einem wunderbaren Gespür für die Show und sind damit wie gemacht für die Bühne. Im Oktober kommen Circa Waves mit ihrer neuen Platte zu uns auf Tour.

Crawling out from the weed-choked lots of the once proud town, The Detroit Cobras whip out ass-shaking anthems to good times, wild times, and the high and lows of L-U-V; you best believe it and you best not mess with it.
Blurring the lines between R&B and R&R and soul, the Cobras are THE go-to party band for those in the know. Singer Rachel Nagy and guitarist Mary Ramirez are the bad girls by the exit doors at the school dance, all leather and heels, sneaking smokes and passing the flask. They have no time for dewy-eyed love songs or girl group decorum; they'll take care of business themselves with a bat of the eye or an elbow to the kidney. Rachel's "warm as the half pint of bourbon under the seat of your car" voice can boom to the back pews (Did we say "pews?" We meant "barstools") and Mary's riffs let you know that love and good times can be found in the tilt of a hip or at the end of a fist.

Surrounding themselves with a rotationg cast of some of Motown's finest rockers, the Cobras specialize in unearthing and reinvigorating the hits, near hits and sometimes total misses from the deep and groovy history of soul, and making them THEIR OWN.
Detroit Cobras albums are like a secret decoder ring that helps lead the way to a better, more soulful forgotten world.

Das Quartett Rikas steigt endlich in den Ring. Nachdem die Jungs bereits als Warm up für Bilderbuch, Von Wegen Lisbeth, Milky Chance, AnnenMayKantereit, Parcels oder The Lemon Twigs für Furore gesorgt haben, sind die 4 jungen Hombres diesen Herbst selbst an der Reihe.
Latin, Surf, Indie, Pop, Bossa und Funk geben sich bei der ‚Swabian Samba’Tour 2019 die Hand und fordern durch lebensfrohe, catchy Beats zum Tanzen auf. Gepaart mit den wechselnden Hauptstimmen und durch die immer wiederkehrende Mehrstimmigkeit, entsteht eine ganz eigene Identität. Schnallt Euch an und sagt euren Schwestern bescheid, die MS Rikas steuert den Hafen an!

präsentiert von Concert-News

Bevor das auf St. Pauli lebende Alternative Rock Trio Ripe & Ruin, bestehend aus Gordon Domnick, Florian Kaninck und Jannis Balzer, im Februar 2018 ihre erste Single „Clarity“ veröffentlichten, war niemandem bewusst, was in den darauffolgenden Monaten passieren würde. Bis zur Veröffentlichung ihrer Debüt-EP „The Eye Of The World“ im April 2018 fand sich die Band in einigen Magazinen, Blogs und vor allem auf diversen Spotify-Playlisten wieder sowie Platz 8 der Spotify Viral 50 Charts Germany.

Ripe & Ruins neue EP „Breaking Circles“, die am 25. Januar 2019 veröffentlicht wird, versteht das Trio nicht nur als die musikalische Weiterführung der vorangegangenen EP, sondern auch als ein Wegweiser zum Debüt-Album, welches Ende 2019 folgen wird. Weiterführung, da sich die grundsätzliche Idee der beiden EPs, die Herangehensweise an die Musik und die Liebe zum Detail nicht verändert haben; Wegweiser, weil das Potential dieser Band auf „Breaking Circles“ noch deutlicher wird.

Nach dem Song „Gatekeepter“ veröffentlichten Ripe & Ruin bereits ihre aktuelle Single „The Claim“, die es auf Spotifys New Music Friday Playlist als auf das Cover der Alternative Generation Playlist schaffte, sowie den dritten Song der EP namens „Circles“.

Im Frühjahr geht es, nach diversen Support Shows für Bands wie Goodbye June, The Wake Woods, The Sheepdogs, The Wild! sowie mehreren eigenen Shows und Festivals im Jahr 2018, auf ihre erste zusammenhängende Tour durch Deutschland. Neben den beiden EPs haben Ripe & Ruin ihre energetische Live-Show im Gepäck als auch einige unveröffentlichte Songs aus ihrem Debüt-Album!