Airways haben einen Grundsatz: „Rather die trying to make it than die not trying to make it! Do or do not, there is no try.“ Genauso ist auch die Band entstanden: Der britische Singer/Songwriter Jake Daniels war nach Los Angeles gereist, um dort sein Repertoire zu erweitern, und traf im Haus seines Managers auf den Schlagzeuger Brian Moroney. Die beiden jammten zusammen und beschlossen im Spaß, eine Band zu gründen. Zwei Monate später klingelte es an Daniels’ Tür in Peterborough, und da stand Moroney und war zu allem bereit. Zusammen mit dem kurzerhand engagierten Schulfreund und Gitarristen Alex Ruggiero und dem Bassisten Jamie Reynolds aus Birmingham gründeten sie Airways getreu dem Motto: einfach machen! Ein Jahr und die erste Single „Ghost Town“ später standen sie 2016 in Reading und Leeds auf der BBC Introducing Stage. 2017 erschien die Debüt-EP „Starting to Spin“ mit fünf Songs irgendwo zwischen den Arctic Monkeys, Jamie T, Cage The Elephant, Gorillaz und Circa Waves - Airways spielen einen zutiefst britischen Indie-Rock. Der Amerikaner Moroney wird diese Charakterisierung sicher verzeihen, zumal er mit seinem Spiel genauso zur Vielfalt des Sounds beiträgt wie Daniels mit seinem eigenwilligen Songwriting. Ihre Live-Shows sind übermütige und selbstbewusste Feiern, die bestimmt ihren Gutteil zur stetig wachsenden Popularität der Band beitragen. Bald bietet sich die Gelegenheit, diese Qualitäten auch bei uns live zu erleben: Am 27. Juli spielen Airways im Hamburger Molotow.

It I can be said, without any exaggeration, that The Real McKenzies are a national treasure. Founded in 1992 by the larger than life, punkrock poet laureate, Mr Paul McKenzie, this merry band of miscreants has spent a quarter century circumnavigating the globe to bring the McKenzies gospel to an ever-adoring throng of rebels, scallywags and ne’er do wells. There’s not many bands that can boast of a twenty five year career as staggeringly adventurous, wildly tempestuous and utterly death-defying as The Real McKenzies. It would be a serious mistake to write them off as just another Celtic punk band. They are an unstoppable juggernaut of touring mayhem. A ferocious troupe of insanely talented minstrels, storytellers and entertainers melding traditional acoustic and electric to create a sound like no other. Their list of accolades is long. From sharing the stage with the likes of NOFX, Rancid, Flogging Molly, Metallica and Shane McGowan to appearing in film, books and video games to signing with the legendary Fat Wreck Chords, their story continues to astound.

And now, to celebrate their landmark twenty-fifth anniversary, The Real McKenzies return with their 10th and very best long-player to date. And that’s not hyperbole. This is an absolutely monumental giant of an album. "Two Devils Will Talk" is fourteen tracks of pure, unbridled audio bliss. The songs are rebellious, poignant and achingly heartfelt with an extra helpings of Scottish charm and wit to boot. The recurring and very timely themes of Two Devils Will Talk are hope, perseverance and living your life to it’s fullest. Opening track “Due West” is an anthemic epic about moving forward and never looking back, while “Seafarers” is a rollicking tale that deals with accepting the fact that you can’t change how the waves roll, only how you roll through them. There’s even a glorious cover of Stan Rogers’ “Northwest Passage” and a spectacular reworking of “Scots Wha Ha'e” (one of the first ever Real McKenzies recordings). “Two Devils Will Talk” sees a resilient, triumphant and defiantly hopeful band at the very top of their game.

You may be asking yourself; how do I get in on what will surely be the party of the century? Well, fear not true believers, The McKenzies' ship will be embarking on massive tours across USA , Europe and Canada to bring the celebration to a stage near you in 2017. So raise a glass, raise a fist, or better yet, raise a little hell for twenty-five years of The Real McKenzies, and another one still for many more happy years to come!

Mystic Braves sind im Hier und Jetzt, auch wenn man sie auf den ersten Blick in die Retro-Schublade stecken könnte. Nicht nur die Gestaltung der Cover der ersten beiden Alben („Desert Island“ 2014 & „Mystic Braves“ 2012) zeigen deutlich, dass die Band in den 70ies schwelgt, auch ihre Musik und ihr Habitus wurzeln stark in der Psychedelic-Szene, die schon Bands wie Tame Impala und die Temples verinnerlicht und zurück in die Zukunft gebracht haben.

Mit ihrem Album „Days Of Yesteryear“ (VÖ: 2015 | Lolipop Records) haben sich Mystic Braves auch zurück in der Vergangenheit weiterentwickelt. So könnte das Cover durchaus aus der Sammlung der musikalischen Ikonen The Doors stammen, sie experimentieren noch mehr mit exotischen Instrumenten, es wird rockiger, das Songwriting ist noch ausgefeilter; dabei verlieren sie aber nicht ihren unverkennbaren Stil. “Wir sind schon immer eine psychedelische Pop Band gewesen und wir bleiben dieser Linie treu“, bemerkt Bandgründer Julian Ducatenzeiler.

Nach einer eindrucksvollen und ausgedehnten Tour von der West- an die Ostküste der USA und darüber hinaus, ihres im Voraus ausverkauften Konzertes in der legendären West Hollywood Location Troubadour in ihrer Heimat Los Angeles und als Vorgruppe von The Zombies, waren Julian Ducatenzeiler (Gitarre, Gesang), Tony Malacare (Bass, Gesang), Shane Stotsenberg (Gitarre, Gesang), Cameron Gartung (Schlagzeug) und Ignacio Gonzalez (Orgel, Tambourin) nun schon zweimal innerhalb eines Jahres in Deutschland!

New York City's Unsane assisted in pioneering a more aggressive, less studied version of noise rock, one that blended the scum/art industrial sturm und drang of Foetus, the Swans, Einsturzende Neubauten, and Sonic Youth with a decidedly more straightforward hardcore idiom. While developing the blueprint for noise bands to follow, Unsane cut a remarkable swath through underground music, inspiring a devoted, cult-like following around the globe. As a power trio, Unsane relied upon a hammering, power-press rhythm section, a searing Telecaster howl, and distorted vocals that resembled a chainsaw cutting a steel beam.

Die neue Platte von Wye Oak beginnt mit einer sanften Explosion: Die Instrumente werden gestimmt, nehmen leicht Fahrt auf und brechen dann auf einen Schlag in einen gemeinsamen, elastischen Beat auf in neue Abenteuer. Der komplexe Rhythmus, der treibende Bass, die verfremdete Stimme, die von Leiden singt,all das macht sofort klar: Sängerin, Gitarristin und Bassistin Jenn Wasner und ihr Partner Andy Stack an Schlagzeug und allem, was Tasten hat, haben wieder einmal ein kleines Meisterwerk hingelegt im Genre ... Ja, in welchem Genre eigentlich? Das fünfte Album des Duos mit dem Titel „The Louder I Call, The Faster It Runs“ lässt sich noch schwerer fassen als die ebenfalls schon ziemlich vielseitigen Vorgänger. Man hat das Gefühl: Das ist genau die Musik, auf die Wye Oak seit rund einem Jahrzehnt hingearbeitet haben. So breit, so schön, so traurig sind diese Songs, so präzise produziert und so von einem gemeinsamen Willen getragen. Das ist umso erstaunlicher, weil die beiden Protagonisten nun schon seit längerer Zeit in unterschiedlichen Städten leben, sie in Durham, North Carolina, er in Marfa, Texas. Von Zeit zu Zeit haben sie sich getroffen, um sich gegenseitig ihre Song-Skizzen vorzuspielen. Aber tatsächlich ist durch diesen Prozess der Zweifel an der Qualität des eigenen Schaffens kleiner geworden. Nur die besten Ideen kommen durch die Kontrolle und werden zu exzellenten Songs über die persönliche Befindlichkeit in einer Welt, die immer undurchschaubarer wird – und über die Hoffnung, dass es gemeinsam eine Lösung gibt. Die Frage nach der musikalischen Gattung bleibt dabei einfach auf der Strecke. Bei Wye Oak ist es völlig egal, ob das Dreampop ist, der zu lärmigen Gitarrenwänden gerinnt, oder folkiger Indie-Rock mit einer Stimme, die sich bei den Carpenters auch durchgesetzt hätte. Solche Beschreibungen sind vor allem dann Makulatur, wenn Wye Oak auf die Bühne kommen. Stack, der das Kunststück beherrscht, gleichzeitig Keyboard und Schlagzeug zu spielen, sorgt für die sichere Grundlage, auf der sich Wasner austoben darf. Im August können wir uns von ihren Live-Qualitäten überzeugen, wenn Wye Oak für eine exklusive Show ins Hamburger Molotow kommen.

+ Backyard DJs & Delicious burgers all day long
presented by Jever, ByteFM & Diffus Magazin

20 years ago, a bunch of friends founded the first Turbojugend in St. Pauli. 20 years later, the Turbojugend consists of more than 2000 chapters from San Francisco to Tokyo and from Oslo to Melbourne with St. Pauli as the forever epicenter. Deathpunk tourists from all over the world know about the exceptional nightlife around the Reeperbahn and the beauty of the harbor. The annual highlight in the Turboverse are the Weltturbojugendtage, an event that is hard to put into words. Being around hundreds and hundreds of denim demons and meeting handsome sailor (wo)men from allover the world, is a unique experience and something that is bringing back Deathpunk tourists now for the 14th time.

To welcome the early birds and prepare them for all the shows which will take place during the weekend a Warmup-Show is probably the best way.

Therefore SKALLBANK from Karlstad in Sweden will present you their groovy Metal/Punk which also contains sleazy, melodic Stoner-Parts. Afterwards one of the most-wished acts fly-inn straight from Hadeland in Norway. THE GOOD THE BAD AND THE ZUGLY is a guarantee to make you sweat and let it rain inside. Better stretch your muscles in advance.

Am 23.09.2016 standen The Dunts das allererste Mal auf einer Bühne und haben seit dem die Bühnen Schottlands und Englands unsicher gemacht, knapp zwei Jahre später werden sie euch nun im Molotow umhauen.

Gerade im letzten Jahr ist der Punk von der jungen UK Generation neu aufgelebt worden und The Dunts gehören auf jeden Fall an die Spitze der neuen und aufregenden Gitarrenszene der Stadt.
Energiegeladene Gitarrenriffs und Punk Attitude verschafft der jungen Band aus Glasgow gehör.

Mit Bands wie Strange Bones, Cabbage oder Baby Strange kamen viele neue und alte Strömungen wieder auf und Punkrock wird gerade von jungen Bands wieder neu erfunden und gelebt.

Mit „Dimitri“ zeigen die jungen Schotten, wie viel trotz und mutwillige Gitarren man in nur 2 ½ Minuten verpacken kann. Eine lyrische Reise, die die Ekstase und spirituelle Stimutlation beschreibt. Von der Ankunft, dem Höhepunkt bis zum amnesischen Ende.
Doch auch die anderen drei Songs auf der Debut EP „Not Working Is Class“ zeigen, was die Band drauf hat und versorgen euch mit sehr viel Energie, harten Girarrenriffs und Wut.
Indie Punk vom feinsten, von dem ihr euch am 08.09. das erste, aber bestimmt nicht letzte Mal, auch außerhalb der Insel, überzeugen könnt.

Triggerfinger haben sich in den vergangenen Jahren zu einer mitreißenden Live-Band und einem Publikumsmagneten entwickelt. Sei es bei den großen Festivals wie dem Hurricane oder dem Southside, sei es in kleinen, mittleren und inzwischen auch schon ganz schön großen Hallen: Stets stehen Gitarrist und Sänger Ruben Block, Drummer Mario Goossens und Bassist Paul Van Bruystegem im Mittelpunkt des Interesses.

Die Belgier überzeugen mit ihrem Rock’n’roll-geschulten Sound und ihrer dynamischen Show. Die drei Vollblutmusiker beschreiben ihre Konzerte als „verrückten Gewittersturm“ und ihre Fans lieben sie dafür. Die Band, die Rock, Blues, Rockabilly und den Style von David Lynch in ihrem Sound vereint, kann verdammt laut und wild, aber eben auch etwas leiser und puristischer rocken, mit einer Leidenschaft und Lockerheit, wie man sie nur selten zu hören bekommt. Auf der Bühne zeigen Triggerfinger ihren Charakter. Jahrelang waren die Belgier auf Tour, haben in Clubs, Pubs, Hallen und auf Festivals gespielt und am unnachahmlichen, kompromisslosen Sound gefeilt. Jetzt sind sie eine grandiose, laute Rockband, die im nächsten Moment ein in sich gekehrtes Trio wird, das von den feinen Nuancen des Lebens spielt oder den puren Blues verbreitet. Im Moment arbeiten Triggerfinger an neuen Stücken (demnächst wollen sie mehr darüber verraten) und am 13. September kommen sie im Rahmen ihrer „Colossus“-Tour nach Hamburg ins Molotow.

The Ruts were a reggae-influenced British punk rock band, formed in 1977 at the height of the Punk revolution. They finally released their first single ‘In A Rut’ in early 1979 on the People Unite label . This 7” vinyl was much played and highly regarded by the UK BBC Radio 1 D.J, John Peel. From then on and over the years, the record rightly became what can be considered to be a Punk anthem.
There were more to follow, with the singles ‘Babylons Burning’,’ Something that I Said’, ‘Jah War’ (all from the debut album ‘The Crack’) and ‘Staring at the Rude Boys’, ‘West One’ (both featured on the album ‘Grin and Bear It’).The band were quickly established as a major force in U.K music, but by 1980, The Ruts were over.
The history and tragedy surrounding the band is much documented – see Wikipedia and the book Love in Vain.

1989: In einem kleinen, grünen Holzhaus in Tokio sitzt ein 6-Jähriger aus Süddeutschland und hört zum ersten Mal in seinem Leben Public Enemy. Aufgelegt von seinem großen Bruder auf dessen Billig-Plattentellern im gemeinsamen 12qm Kinderzimmer. Schnitt. 29 Jahre später ist dieserJunge aka JUSE JU selbst eine Größe in der deutschen Indie-Rapszene im Dunstkreis von der Antilopen Gang, Fatoni, Dexter und Edgar Wasser. Am 16.März erschien JUSE JUs neues Album „Shibuya Crossing“. Sein erstes richtiges Album. Die Quintessenz seiner wechselhaften Geschichte und Weltsicht. Die Produzenten der Platte (Dexter, Torky Tork, Yourz u.a.) kombinieren 2017er Grooves mit dem warmen Klang von Samples und echten Instrumenten. So schaffen sie einen State of the Art Sound, der sich von der Bi-Polarität von Trap-Synthie-Sound und klassischem Boom Bap in Deutschland absetzt. Und Juse tut auf diesen Beats Unerhörtes: Im Omnipotenz-Becken Deutschrap rechnet er unironisch mit seinem eigenen, unfairen Verhalten gegenüber Frauen ab (Lovesongs). Positioniert sich klarpolitisch (Propaganda feat. Danger Dan). Und arbeitet schonungslos die eigene Familiengeschichte auf (Shibuya Crossing). Juse lässt Introspektiven zu, die man sich einer höher-reicher-besser Szene eigentlich nicht erlauben kann. Die bissige Ironie und Battleattitüde der Vorgänger-Mixtapes wird um ein offenes Visier erweitert.

Mit dem aus Dallas stammenden und in Nashville lebenden Sänger und Multiinstrumentalisten Conner Youngblood erhält das Singer-Songwriter-Genre eine neue, fulminant instrumentierte Färbung. Von Folk-Größen wie Bob Dylan und Elliott Smith ebenso beeinflusst wie durch die Gorillaz, findet in Youngbloods Sound die Simplizität des Akustischen auf eine höchst spielerische Weise zusammen mit elektronischen Versatzstücken und einer signifikant eigenen Instrumentierung.

Zu hören ist dies auf bislang drei digital erschienenen EPs, von denen die besten Songs als Vinylplatte über das Ninja Tune-Tochterlabel Counter Records unter dem Titel ›Generation of Lift‹ veröffentlicht wurden. Zuletzt konnte man ihn im Vorprogramm auf der Europa-Tour von Aurora erleben, am 9.Oktober kommt Conner Youngblood zu uns ins Molotow!

THE SONICS are back! Das sensationelle, brandneue Album der legendären 60“s Fuzzpunk- / Garage-Rock- Pioniere feat. JERRY ROSLIE, LARRY PARYPA und ROB LIND(Originalmitglieder) plus FREDDIE DENNIS (THE KINGSMEN, THE LIVERPOOL FIVE) und DUSTY WATSON (DICK DALE, AGENT ORANGE). Produziert von JIM DIAMOND (THE WHITE STRIPES,THE DIRTBOMBS). “This Is The Sonics” erschien Ende März 2015.

In den frühen sechziger Jahren in Tacoma, Washington gegründet, waren THE SONICS zu Beginn noch den instrumentalen Rock“n“Roll-Klängen verpflichtet, bevor sie kurze Zeit später mit ihrem aggressiv übersteuerten (und visionären) Garage-Rock die amerikanische Musikszene lautstark erschüttern sollten. Nach ihrem 1964 veröffentlichten Singledebüt “The Witch”, das unmittelbar zu einem lokalen Hit avancierte und der Band landesweite Tourneen mit den BYRDS, KINKS und BEACH BOYS bescherte, ging es Schlag auf Schlag für das Quintett. Es folgten weitere Fuzzmonster (über Autos, Mädchen, Surfen, Drogen und Horror) wie “Psycho”, “Boss Hoss”, “The Hustler”, “Don`t Be Afraid Of The Dark” oder “Strychnine” sowie drei Maßstäbe setzende Longplayer (“Here Are The Sonics”, “Boom”, “Introducing The Sonics”), die das Genre bis in die heutige Gegenwart definieren. So verwundert es nicht, dass die bekanntermaßen exzessiv performende Formation als inspirative Vorreiter sowohl der Punk- als auch der Grunge-Bewegung gelten und dabei von nachfolgenden Bands wie CRAMPS, DEAD BOYS, FUZZTONES, MUDHONEY, NIRVANA, WHITE STRIPES, FLAMING LIPS oder EAGLES OF DEATH METAL als Vorbilder genannt wurden.

Ende der sechziger Jahre war dann erstmal Schluss mit den Bandaktivitäten, doch ungeachtet dessen wurden ihren Platten mit schöner Regelmäßigkeit wiederveröffentlicht, blieb ihr Legendenstatus nicht nur unangetastet, sondern wuchs vielmehr stetig. 2007 kam es dann für einen Auftritt in Brooklyn / New York zu einer gefeierten Live-Reunion der Originalbesetzung, der weitere Gigs und Festivalshows (Muddy Roots Music, Primavera Festival, Sjock, Azkena Rock) nachfolgten, darunter auch ein Konzert im Berliner SO 36 (2012). Sensationellerweise warten die Garagenrock-Pioniere jetzt nach fast fünfzigjähriger Veröffentlichungsauszeit mit einem brandneuen Studioalbum auf. Eingespielt von den drei Gründungsmitgliedern JERRY ROSLIE, LARRY PARYPA und ROB LIND sowie hochkarätig verstärkt von dem Rhythmusteam FREDDIE DENNIS (THE KINGSMEN, THE LIVERPOOL FIVE) und DUSTY WATSON (DICK DALE, AGENTORANGE), schließen die Musiker dabei mit “This Is The Sonics” – das auf dem bandeigenen Label Revox erscheint – nahtlos an ihre früheren, musikalischen Großtaten an. Produziert wurden die zwölf Tracks (im gloriosen Mono-Mix) von JIM DIAMOND (THE WHITE STRIPES, THE DIRTBOMBS).

Freitag, der 16. Kein Datum für eine gepflegte „Ich-bleib-heute-Bett“-Haltung aus Gründen der Furcht vor Ereignissen, die einem übel aufstoßen könnten. In Wahrheit geht die Kombi eher in Richtung belanglos, wäre es nicht der 16. März 2018. Denn eben jener Tag markiert die überaus wahnwitzige Rückkehr der Hot Snakes! HOT WER? Ok, wir geben es zu, 14 Jahre sind eine halbe Ewigkeit in einem schnelllebigen Business und in einer noch schnelllebigeren Zeit.

Rock-Connaisseuren mit Langzeit-Gedächtnis sind Hot Snakes selbstredend noch ein Begriff, alle anderen mögen sich aus Gründen der Kurzfassigkeit bei Wikipedia darüber informieren, welche Fußspuren John Reis und RickFroberg im Schneegestöber der Rockgeschichte hinterlassen haben. Zur Auffrischung seien hier nur Namen wie Rocket from the Crypt, Drive Like Jehu, Obits oder The Night Machers. Und eben Hot Snakes.

„Jericho Sirens” heißt nun der Anlass ihrer Rückkehr, es ist ihr insgesamt viertes Album und es ist im wahren Satzsinne ein wahrhaftig lang Erwartetes. Insgesamt zehn Songs brachten die Rückfalltäter aus San Diego dazu, wieder eine Studio-Tür einzutreten und ihre Version von Punk Rock von Sub Pop (Who else?) auf CD/LP/DL/CS bannen zu lassen. In guter, alter DIY Tradition nahm das Quintett das Album selbst auf, benutzte dabei fast das ganze Jahr 2017 und quartierte sich dafür sowohl in Philadelphia als auch in San Diego ein. Dort wurde das Album dann auch von den Schlangen selbst produziert.

Eigentlich ist es eine klassische Rock‘n’Roll-Story. Gegründet von den Schulfreunden Oska Wald (Gitarre/Gesang), Jiles (Schlagzeug), und Lorenz O’Tool (Gitarre/ Gesang), wurden Chuckamuck schon als Teenager bei Staatsakt unter Vertrag genommen und produzierten 2009 ihre ersten Singles, 2011 die erste LP “Wild for Adventure”, und danach einen konstanten Strom von EPs. Dazu natürlich die Touren, der Rock'n'Roll Exzess, die zerstörten Hotelzimmer, alles Drum und Dran was man von einer jungen Rock'n'Roll Band im Rausch ihres ersten Erfolges erwartet. 2013 kam die zweite LP “Jiles”, 2014 die “Im Knast” EP und dann – Funkstille: eine nachdenkliche Pause.

Chuckamuck kennen sich mit der Rock'n'Roll Tradition aus. Eine Band, die sich im Spirit von Chuck Berry und nach einem Song von King Khan benannt hat, kann man nicht vorwerfen, mit der Geschichte ihres Genres nicht vertraut zu sein. What Would Neil Young Do? Die Jungs wussten genau was kommen musste: es war Zeit introspektiv zu werden und aufs Land zu ziehen. Es war Zeit sich selbst aufzunehmen, und das Resultat als “self-titled” Album zu veröffentlichen. Kurzum, es war Zeit für die dritte LP, welche im September 2017 auf dem Staatsakt-Label erschienen ist.

Nun gehen Chuckamuck wieder auf Tour – mit alten und auch ganz neuen, bisher unveröffentlichten Songs, unterwegs im neuen Van, mit neuem Bandmitglied Amit an Orgel und Bass. Dieses Spektakel sollte man sich nicht entgehen lassen!

The Vintage Caravan existieren nun schon seit zwölf Jahren. Die Mitglieder waren allerdings im Gründungsjahr 2006 gerade mal 12 Jahre alt. Und ernst wurde es für das Trio aus Reykjavik sowieso erst 2009. Als die Jungs 2012 bei ihrem ersten Festival auftraten, mussten noch ihre Eltern mitkommen, damit sie überhaupt in die Halle durften. Nach ihrer triumphalen Performance wartete bald darauf das Wacken Open Air auf die drei, und Nuclear Blast nahm sie unter Vertrag. 2011 wurde das selbstbetitelte Debüt veröffentlicht, die zweite Platte, „Voyage“, folgte Anfang 2014. Auf ihrem Drittwerk „Arrival“, welches 2015 erschien, zeigt sich das isländische Trio mit einer unglaublichen Reife, die man eher bei Bands vermutet, die bereits Dekaden in verrauchten Backstage-Räumen und schalem Bier hinter sich haben. Zwischen relaxten Nummern, blues-triefenden Burnern, deftigen Schwergewichtsdrums, psychedelischen Wirbelwinden und süßen Balladen brillieren die drei jungen Musiker ganz wie ein paar alte Hasen. Hinzu kommt die Leidenschaft für die Rocklegenden der 70er, sowohl instrumental als auch gesanglich. Die Isländer sind für ihre energische Bühnenperformance bekannt und waren in den vergangenen Jahren sehr aktiv. Inzwischen haben The Vintage Caravan ein Durchschnittsalter von rund 24 und arbeiten an einer neuen Platte, die im August erscheinen soll. Und natürlich gehen die heißen Isländer anschließend wieder auf Tour: Im Oktober kommen The Vintage Caravan, um uns mit klassisch bluesigem und rifflastigem Hardrock so richtig von den Beinen zu holen.

Epic, crushing, and heavy beyond words, ​YOB ​has achieved legendary status in recent years due to their unmatched aesthetic and incredible body of work. ​Formed in 1996 in Eugene, Oregon under the leadership of doom metal mastermind Mike Scheidt on guitars and vocals, the group initially released a three song demo tape in 2000 that garnered them international attention. Drawing comparisons to groups like Neurosis, Sleep and Electric Wizard, ​YOB​ succeeded in developing modern sounding doom metal that hearkened back to the classics.
In 2002, ​YOB​ released their debut album ​Elaborations of Carbon​ followed by ​Catharsis in 2003, a three song record that clocked in at a colossal 50 minutes. The buzz about YOB​ was beginning to grow and the trio began to tour more extensively. Remaining quite prolific during this period, ​YOB​ continued to release an album each year with ​The Illusion of Motion ​coming in 2004 followed by ​The Unreal Never Lived​ in 2005. Despite all the momentum, ​YOB ​disbanded in 2006.
In 2008 the band returned from hiatus and has remained strong ever since with Travis Foster on drums and Aaron Rieseberg on bass. Reinvigorated and reinspired, ​YOB released ​The Great Cessation​ in 2009. It was doom with a psychedelic twist, a sound that Pitchfork referred to as “cosmic doom.” At this point in their career, the band found increased exposure in the media, with The New York Times going so far as to call them “one of the best bands in North America” after a performance at Scion Rock Festival.
For 2011’s ​Atma​, ​YOB​ took a more organic to recording. In Scheidt’s own words, he wanted the record to sound “grizzly, with hair on it.” Three years later, the group released Clearing the Path to Ascend​, a record that upheld their legacy as a top notch doom metal act and was hailed by Rolling Stone as the #1 metal album of the year.
Fast forward to 2017 where ​YOB ​signed with Relapse Records for their​ ​incredible 8th full-length recording ​Our Raw Heart​. The album was conceived amidst dire circumstances that nearly left frontman Mike Scheidt dead after suffering from an extremely painful and potentially fatal intestinal disease. Scheidt miraculously recovered and rallied the band together with a new sense of purpose for ​Our Raw Heart,​ an album informed by the will to survive. More exposed than ever both physically and emotionally, YOB ​bleed out seven riveting tracks of enormous volume and pensive, transcendental beauty across 75 minutes of ultimate doom. A brilliant musical progression in the ​YOB continuum,​ Our Raw Heart ​is the band at their most aggressive, impassioned and eclectic. The riffs are massive, the vocals captivating and the songwriting sublime. Existing in its own organic universe, ​Our Raw Heart​ is truly the band’s finest work to date and the apex achievement of what heavy music can accomplish. ​Our Raw Heart ​was co-produced by the band and longtime collaborator Billy Barnett at Gung Ho Studio in Eugene, Ore., with mastering handled by Heba Kadry (The Mars Volta, Diamanda Galas, Slowdive).

Aus Manchester kommen nicht nur die gerade sehr erfolgreichen Indie-Rocker The 1975, sondern seit kurzem auch die Newcomer-Band Pale Waves. Seit etwa zwei Jahren machen Sängerin Heather, Schlagzeugerin Ciara, Gitarrist Hugo und Bassist Charlie zusammen Musik. Doch die beiden Bands vereint mehr als nur ihre gemeinsame Heimatstadt, die aufgrund ihrer lebendigen Musikszene auch „Madchester“ genannt wird. Matty Healy, Frontmann von The 1975, ist überzeugter Pale-Waves-Fan der ersten Stunde und unterstützt die Band, wo er nur kann: als Support nahm er Pale Waves mit auf Tour, führte Regie bei ihren Musikvideos und war sogar als Produzent an Songs wie „There’s A Honey“ und „Television Romance“ beteiligt.

Im März erschien endlich – nach mehreren Singles - ihre Debüt-EP „All The Things I Never Said“. Im Sommer soll dann ein Longplayer folgen. Die Band ist sehr ehrgeizig und extrem überzeugt von dem, was sie macht. Daher haben sie es sich zum Ziel gesetzt, nicht nur ein Nummer Eins-Album zu produzieren, sondern auch eigene, ausverkaufte Touren zu spielen. Im Oktober sind Pale Waves erneut in Deutschland auf Tour.

"Radio Birdman, one of the pioneers of the high energy rock 'n' roll scene will be playing a limited number of European shows this coming June/July. These shows will be a unique opportunity to catch this legendary Australian underground band whose flame has influenced a multitude of current contenders under the banner of 'punk rock'.

The band have recently reissued their formidable back catalogue in a CD box set, the contents of which will soon be available as standalone CDs. Their LPs are also being reissued. Two (including a previously unreleased live double LP recorded in 1977) have already seen light of day and it is expected the remaining two will be available by the time the band tours.

The band features original members Rob Younger, Deniz Tek, Pip Hoyle along with long time bassist Jim Dickson. Nik Rieth (drums) and Dave Kettley (guitar) have recently been added to the line-up."

May 4, 2018 – Australian born and self-described vagabond Stu Larsen and Japanese harmonica player Natsuki Kurai released their second EP together, aptly titled Stu Larsen & Natsuki Kurai II.

Nearly eight years ago, Natsuki and Larsen met in the middle of Tokyo and quickly connected with each other. “I spoke no Japanese and Natsuki didn’t speak English so we found we had to communicate in other ways. We both agree that this allowed us to form a deeper connection, without words,” says Larsen. Since then, they’ve continued traveling back and forth from Australia to Japan, playing shows and festivals along the way.

The 4-song EP includes two original tracks – “My Poor Father” and “Hajimari” – but, also two reinterpretations of tracks from Larsen’s last album Resolute – “Chicago Song” and “Going Back To Bowenville.” Natsuki adds a swagger and energy to Stu’s observations on life from his travels.

“Everywhere I go, I tell people about Natsuki and how amazing he is as a person and also as a musician, but it's not until people see him with their own eyes that they truly understand what this man is capable of. It's one of my favorite things in the world, to play shows with Natsuki and watch the crowd fall in love with him each night,” adds Larsen.

Ein Livealbum im Stile von Pink Floyds „Live At Pompeii“ zu machen – ganz ohne Publikum, dafür mit den Vorteilen der Moderne, das schwebte dem Powertrio „Mother’s Cake“ für ihr zweites Livealbum vor. Die Idee für die Location war wagemutig und logisch zugleich: Der Bergisel, die legendäre Skisprungschanze im Herzen ihrer Tiroler Heimat. Mitte Jänner, bei minus zehn Grad Celsius musizieren Yves Krismer, Benedikt Trenkwalder und Jan Haußels wie in Trance ein 45-Minuten-Set herunter. Unterstützt von Drohnenkameras, beeindruckenden Visuals, grafischen Projektionen und einer einzigartigen Naturatmosphäre aus dem Herzen der österreichischen Bergwelt.
„Live At Bergisel“ ist nach drei Studioalben, weltweiten Touren und einer Amadeus-Nominierung die bisherige Krönung im Bandkosmos. Es zeigt Mother’s Cake mit Freude am Tun in ihrem natürlichen Habitat – der Bühne. Dort, wo die einzigartige Karriere der rockenden Stilverweigerer vor knapp zehn Jahren in Fahrt kam. Dort, wo noch so viel zu spielen und zu erreichen ist. Abseits vom Glitzer und dem Glamour einer sich selbst feiernden Industrie feiern Mother’s Cake auf dem schneebedeckten Bergisel lieber die Kraft der Musik und ihre unumkehrbare Passion für die mysteriöse Welt der Klänge. „Live At Bergisel“ fasst die Essenz der Band kompakt und aussagekräftig zusammen.
Fröwein Robert

Mit einer zeitgemäßen Version des ursprünglich aus dem Punk der frühen 90er stammenden DIY-Gedankens haben sich Rainbow Kitten Surprise innerhalb weniger Jahre und ohne jede professionelle Hilfe seitens der Musikindustrie in den USA eine landesweite Fanbase erspielt. Ihre Songs wurden auf digitalen Musikplattformen bislang rund 80 Millionen Mal angehört, auf ihrer ersten Headline-Tournee quer durch die Staaten spielten sie 45 ausverkaufte Konzerte. Nach vier Jahren und zwei Alben, mit deren Hilfe sie sich aus dem Untergrund Gehör verschafften, erschien nun am 6. April mit ›How To: Friend, Love, Freefall‹ ihr drittes Album, das erstmals in Kooperation mit einer großen Plattenfirma vertrieben wird. Derzeit spricht man in den USA davon, dass Rainbow Kitten Surprise das Zeug dazu haben, die neuen Mumford & Sons zu werden, auch deshalb, weil ihre Live-Shows geradezu als Erweckungserlebnis des Indie-Folk-Rock gefeiert werden. Einen ersten Eindruck davon kann man sich hierzulande im November machen, wenn das Quintett für zwei Konzerte in Hamburg und Berlin zu uns kommt.

DERV GORDON (OF THE EQUALS) feat. SO WHAT

In den 1960er Jahren von dem jamaikanischen Frontmann Derv Gordon und dem Gitarristen Eddy Grant gegründet, waren THE EQUALS die erste multiethnische Gruppe, die in England Anerkennung fand. Die Band hat mit ihrer einzigartigen Kombination aus Pop, Soul, Reggae und R & B großen Erfolg erzielt. Mit Songs wie "Baby Come Back", "Police On My Back" (später von The Clash) und "I Get So Excited" erzielten sie Hits im In- und Ausland. Genau 50 Jahre nach der Veröffentlichung ihres erfolgreichen Albums mit dem gleichen Titel wie ihr größter Hit "Baby Come Back" kehrt Frontmann DERV GORDON für einen Abend mit schwingenden Northern Soul Klassikern nach Hamburg zurück.

HEAD (USA)

Head was formed in 1990 in Seattle, WA. They are a power-pop band with an early Ramones influence. They release their records on their own Evil Clown Records label. They started off as a trio consisting of Tulu on drums, Ree Ree on bass and Touch on Guitar; adding Giggles on second guitar later, releasing 2 LP's and a few 7"s as a foursome. In 1998 Giggles quit the band and Head released their latest LP as a trio.

THE SCANERS (F)

Killer punk 2077 from Lyon, France. Explosive cocktail between garage punk and synth punk made for U.F.O. pilots and weird aliens. Go for it if you like The Ramones, The Spits, The Dickies, The Briefs...
First 7'' vinyl released in october 2017 on No Front Teeth Records. First LP coming out on february 2018 on Dirty Water Records and Dirty Water.

SLANDER TONGUE (BERLIN)

SLANDER TONGUE ist eine Berliner Rock & Roll-Band. Vier Jungs, die die letzten Jahre in verschiedenen Bands (BIKES, SICK HORSE, King Khan & THE SHRINES) und Bars verbracht haben. Es ist schön, eine Berliner Band im Jahr 2018 zu hören, die ihren Sound nicht hinter einer Reihe von Pedalen versteckt. Gitarrensoli, die zwischen den Songs keine Piss-Pause zulassen, alles unterstützt von einem soliden Rhythmus. Klingt wie Johnny Thunders auf einer Fahrt mit Fred "Sonic" Smith auf dem Quaalude Highway, während Ian Hunter (Mott) und Chris Bailey (Saints) auf dem Rücksitz zu einem alten Goat's Head Soup Tape singen.

KÜKEN (HH)

Hamburg`s tightest and greatest band! After an amazing debut LP and 7'' on Bachelor Records, they just released a killer new record on Drunken Sailor Records. Featuring Chris and Phillip, the twins from The Kidnappers, KÜKEN drop the powerpop sound from that band, strip everything back and create a total wall of sound. It�s dark, paranoid, tight as hell. And not one of the songs tops the 2 minute mark, no messing around, every song just hits you. If you like your punk, nasty, driven and bleak, this is for you.

Uptempo-77er trifft auf ranzeligen KBD-Punkrock - die Drums hämmern derbe, Gitarre und Bass liefern sich ein Duell auf Leben und Tod und dazu bekommen wir mit dem Mikro ordentlich eins übergebraten.. Buzzcocks treffen auf Pagans und The Kids - Killer!

SO WHAT (USA)

They call their sound "Hard 'gum", as in hard bubblegum - the kind the cuts the roof of your mouth. Oakland group playing Junkshop Glam/Bubblegum/Proto-punk insanity. They are the 4-headed bastard child of The Equals, Jook, and pre-disco Giorgio Moroder.

SO WHAT's debut LP is filled with stompers, hand clappers, and all the riffs that matter. Co-released by Just Add Water Records (USA) and Surfin' Ki (Italy). From the GLAMTASTIC pounding drums, Moogs, and big fuzzy riffs of "Where We Going" and "Why Can't I See You Tonight", to the EQUALS-esque "Don't Come Back" and "What You Said", this album is chock-full of HITS!

Vor und während den Bands: Musikvideo Galeere mit VJ WASTED

AFTERSHOWPARTY mit DJ OIHANE FOLLONES & MARC-O-MATIC

Der Sänger und Gitarrist Noah Kahan benötigte exakt ein halbes Dutzend offiziell veröffentlichter Songs, um zu einem weltweiten Gesprächsthema innerhalb der Folk-Szene zu werden. Seine gefühlvolle Stimme, gepaart mit ausgezeichnetem Songwriting sowie einer sehr eigenen Produktion der Stücke genügten dem 21-Jährigen aus einer kleinen Stadt in Vermont, um nachhaltig auf sich aufmerksam zu machen. Nach Tourneen an der Seite von Künstlern wie Ben Folds, Milky Chance, Anderson East und The Strumbellas sowie nach der Veröffentlichung seiner Debüt-EP ›Hurt Somebody‹ im Januar dieses Jahres gilt Noah Kahan als eine neue bedeutende Stimme des US-Folk, die in diesem Jahr mit Macht und Nachdruck die ganze Welt für sich einnehmen wird.
Im Mai spielte Noah Kahan zwei umjubelte deutsche Headline-Shows, zwischen dem 9. und 11. November folgt nun der Live-Nachschlag mit drei Konzerten in Berlin, Köln und Hamburg.

Es ist so weit: Rolling Blackouts Coastal Fever veröffentlichen Mitte Juni ihr Debütalbum „Hope Downs“. Nach den ersten beiden EPs „Talk Tight“ und „French Press“ wurde es lange und ungeduldig erwartet. Benannt hat es die australische Band aus Melbourne nach einer riesigen Tagebau-Mine in der australischen Wüste, aus der Eisenerz gefördert wird. Tatsächlich beschreibt es aber auch den inhaltlichen Schwerpunkt der Platte. Über ein Jahr lang hat die Band in ihrem Proberaum am Album gearbeitet. Währenddessen sickerte so viel von außen in den Songwriting-Prozess ein, dass es sich irgendwann nicht mehr verleugnen ließ. Die Welt sei in dieser Zeit so viel verrückter geworden, so viele Ansichten und Menschen seien aus den Fugen geraten, sagte Gitarrist und Sänger Tom Russo über ihre gemeinsame Arbeit, „darum haben wir unsere Songs geschrieben wie eine Sammlung von Postkarten, in denen wir aus der Sicht einfacher Charaktere versuchen, die großen Dinge zu erklären“. Das hört sich schwerer an, als es am Ende wirkt: Das Schreiber-Trio Russo, Fran Keaney und Joe White, bringen es auf entspannt-australische Art auf den Punkt - und musikalisch kommt das sowieso ziemlich easy daher. Der coole Indie Rock, durchaus ein wenig vom Surf eines Dick Dale beeinflusst und mit einem poppigen Charme versehen, geht direkt in die Beine und sitzt auf derselben luftigen Wolke, auf der auch schon andere Aussie-Künstler geschwebt sein müssen: Der Sound von Rolling Blackouts Coastal Fever ist geprägt von der Unnachgiebigkeit von Radio Birdman, der Pop-Alphabetisierung der Go-Betweens und der ungestümen Energie der Easybeats, geteilt durch den Glauben von Courtney Barnett, dass Gitarren nicht nur entscheidend für die Botschaft sind, sondern auch sehr gut die Botschaft sein können. Lockere Hooks, catchy Gitarre, feine Melodien und intelligente Lyrics, die die witzige Weisheit der Australier wieder einmal unter Beweis stellen, kennzeichnen die Klangwelt. Im August spielen die Australier in München eine exklusive Show, jetzt haben sie bestätigt, dass sie im November für zwei weitere Shows erneut nach Deutschland kommen werden.

Nach ausverkauften Shows in Köln und Berlin im Mai 2018 kommt die 4-köpfige Montrealer Postpunk-Band Ought um den manischen Frontmann Tim Darcy im November nach Deutschland zurück.

Auf Room Inside The World — dem ersten Album des Quartetts für Merge Records, erschienen im Februar 2018 — meint erwachsen werden nicht so sehr reifer zu werden, sondern eher mehr Aufmerksamkeit zu entwickeln, sorgfältig zuzuhören und sich die Zeit zu nehmen an einem Ort so lange zu verweilen, bis man begreift wo man wirklich ist. Aufgenommen mit dem Produzenten Nicolas Vernhes (Deerhunter, Animal Collective, Silver Jews) im Rare Book Room in Brooklyn, erkundet Room Inside the World Themen, die die Montrealer Band um Frontmann Tim Darcy schon immer beschäftigt haben — Identität, Zusammenhänge, Überleben in einer prekären Welt — aber mit Hilfe einer wesentlich mutigeren und mehr nuancierten Bandbreite an Sounds. Vibraphon, einwandfrei intonierte Synthesizer, Drum Machines und ein 70 köpfiger Chor unterfüttern die präzisen Post-Punk Breakdowns. Diese schmückten auch schon die vorherigen zwei Alben von Ought, verursachen diese emotionale Komplexität und verleihen ihrem charakteristisch straffen Sound noch mehr Tiefe.

The Twilight Sad sind eine Ende 2003 gegründete schottische Band aus Kilsyth, die schleppenden Post- Rock mit melancholischen Shoegaze- und Folk-Elementen vereint. Während ihr Debütalbum noch stark von Post-Punk beeinflusst war, zeigten sich zuletzt auch starke Anleihen von Krautrock, Industrial und anderen exotischen Spielarten des Rock.
Gegründet wurden The Twilight Sad von James Alexander Graham (Gesang), Andy MacFarlane (Gitarre), Craig Orzel (Bass) und Mark Devine (Schlagzeug). Im September 2005 schickten sie ein 4-Song Demo an Fat Cat Records und bekamen prompt einen Plattenvertrag, woraufhin bald ihre erste Veröffentlichung “The Twilight Sad” folgte. Inzwischen erschienen mit “Fourteen Autumns & Fifteen Winters” (2007), “Forget the Night Ahead” (2009) und “No One Can Ever Know”, “Nobody wants to be here and nobody wants to leave” (2014) vier weitere Longplayer.
Mit den Erlösen der Compilation “Killed My Parents And Hit The Road”, auf der sie Liveaufnahmen, Demos und Coverversionen von The Smiths, Joy Division und den Yeah Yeah Yeahs zusammenstellten, wurde eine Tour mit Mogwai finanziert. Auf dieser konnten sie sich schnell den Ruf einer außergewöhnlichen und fesselnden Live-Band erspielen.
Nun steht ihr sechstes Studioalbum in den Startlöchern. Das Release ist für Januar 2019 geplant. Mentor und Begleiter für die neue LP war niemand geringerer als Robert Smith von The Cure, der Frontmann der Band, die sie zuletzt bei mehreren Tourdates als Support unterstützen durften. Man darf gespannt sein, was diese inspirierende Zusammenarbeit ans Tageslicht befördert. Am 16. November 2018 skönnen wir uns im Molotow live von The Twilight Sad mit neuen Songs und neuer Besetzung ein weiteres mal live überzeugen lassen.

Die schottische Rockband We Were Promised Jetpacks unterzeichnen für das kommende Album bei Big Scary Monsters in Europa. Die Band wird im November in Europa auf Tour sein.
Die Band startete 2009 als eine Gruppe 20-Jähriger, welche mit ihrem Debut Album „These Four Walls“ den Durchbruch schafften. 2011 veröffentlichte die Band „In the Pit of the Stomach“ und 2014 das Album „Unravelling“. Alle Bandmitglieder sind vor kurzem 30 geworden und fühlen sich wie andere Menschen, als die sie mit 20 waren und ihr erstes Album veröffentlichten.
Nachdem We Were Promised Jetpacks ein Jahrzehnt nahezu ununterbrochen an Alben arbeiteten oder auf Tour waren, kehrte die Band in ihre Heimat Schottland zurück um wieder neue Energie zu tanken. Außerdem kehrten sie zurück zu der originalen Besetzung aus vier Bandmitgliedern und erlebten einige Veränderungen im Hintergrund des Bandgeschehens. Jetzt ist die Band mit einem neuen Teaservideo zurück und bereit erneut auf zu Tour zu gehen. Am 23. November kommen We Were Promised Jetpacks nach Hamburg ins Molotow.

Wenn Rat Boy von seinem Großbritannien berichtet, dann wird selbst die Fahrt im Öffentlichen Personennahverkehr zur Schlacht gegen die Möchtegern-Vorstadt-Gangster, die einen abziehen wollen, und all die anderen Verlierer des britischen Sozialsystems. Der junge Mann aus Essex erzählt mit seinem unnachahmlichen Zwischending von Rap und Gesang von seinem Leben in der Hood und von seinen beschissenen kleinen Jobs, aus denen er regelmäßig gefeuert wurde – was immer noch besser sei, als sie ein Leben lang machen zu müssen. Daheim setzte er seine Erfahrungen in Texte um und arbeitete sich am Rechner seiner Mutter in die Musiksoftware Logic ein, um den Strom von Ideen, der ihm durchs Hirn rauschte, irgendwie zu kanalisieren. Heraus kam seine erste Veröffentlichung „The Mixtape“. 2016, also knapp zwei Jahre später, hielt er den „NME Best New Artist“-Award in der Hand, und im vergangenen Jahr benutzte Kendrick Lamar eine seiner Textzeilen als Cut in seinem Song „Lust“ – eines der großen Vorbilder von Rat Boy neben The Clash, The Streets, Blur und Ian Dury. Mit „Scum“ erschien eine schillernde Debütplatte, auf der Rat Boy auf seine gallenbittere Weise erkundet, wie es ist, desillusioniert im suburbanen Essex auszuwachsen – Erfahrungen aus seinem Leben und dem seiner Freunde und Themen, mit denen sich jeder identifizieren kann, vorgetragen mit ungeheurem Wortwitz. Musikalisch springt das Album munter zwischen Hip-Hop, Punk, Indie-Hymnen, Gospel, Britpop, Big Beat und Bossa-Nova hin und her – eine Art Beastie Boys für die Generation Brexit. Und es scheint, als ströme es immer noch durchs Hirn des 22-Jährigen, als könne er einfach nicht aufhören, Musik zu machen: Anfang des Jahres veröffentlichte Rat Boy mit seiner Band die EP „Civil Disorder“. Jetzt hat Rat Boy bestätigt, dass er im Herbst im Rahmen seiner „Dumb & Confused“-Tour nach Deutschland kommt.

präsentiert von Bedroomdisco & MusikBlog
verlegt aus dem Häkken

«69591, LAXÅ» vervollständigt nicht nur die Adresse von «Mossbo» sondern ist auch die Fortsetzung der «Mossbo-EP». Der Nebel lichtet sich - Wald, ein Boot, eine Insel. Dunkelheit, Sonnenschein. Ankunft. Das Debut-Album von THE GARDENER & THE TREE überzeugt mit Facettenreichtum, gibt Songs einer langen Bandgeschichte wieder und zeigt Bilder der Zukunft. THE GARDENER & THE TREE veröffentlichen mit «69591, LAXÅ» den ersten Longplay ihrer Karriere und beweisen nicht nur eine einprägsame Linie sondern auch Mut zur Authentizität, lassen in ihre Vergangenheit einblicken.

«Mossbo», 2014. Mossbo ist ein Ort in Schweden, der für die Band, trotz seiner eigentlichen Bedeutungslosigkeit, ein Umbruch war. Es war der Ort, es war die Zeit, es waren die ganz wenigen Menschen da, die den Sturm legen konnten. Obwohl THE GARDENER & THE TREE eigentlich geplant hatten, mit neuen Songs aus Schweden heimzukehren, haben sie im hohen Norden viel mehr gefunden. Nicht erwartete Weisheit und Ruhe, um einmal in sich zu kehren, haben den neuen Songs, die schlussendlich erst in der Schweiz geschrieben worden sind, Veränderung verliehen. Veränderung, die nötig war, um komplett sich selbst zu sein. Nicht zuletzt deswegen präsentieren sich die neuen Songs mit so viel Grösse und Harmonie.

«Mama’s Guitar». Es war einmal Mama’s Guitar, welche der Stimme des Sängers Manuel Felder im fernen Australien nicht nur gehen, sondern fliegen lehrte. Sie war es, die liebevoll den Grundstein für die kommende Geschichte, für ein der Musik gewidmetes Leben, legte. Im Laufe der Jahre fand sich mit Patrik Muggli, Patrick Fet und Daniel Fet eine Band zusammen, die nie lernte, Noten zu lesen, sie lernte die Musik zu spüren und mit ihr zu experimentieren, wie es nur wenige zu tun vermögen. Diese Gabe zeichnet die Songs bis heute aus. 2015 ergänzte Philippe Jüttner die Band mit viel Geschick am Bass.